5 de septiembre de 2017. The first march of gentlemen. Rafal Milach.

The first march of gentlemen. Rafal Milach. Autoeditado, 2017.

 

Tapa dura, cartón, con cordón rojo. 21×17 cm. Con poster desplegable, 68×46 cm, 23×17 plegado. Color. 72 paginas.

Fotografías y collages, Rafal Milach, con fotografías del archivo del Museo de Wrzesnia .

Textos en polaco e inglés, Maciej Picuk, Rafal Milach, Karol Szymkowiak. Traducción, Krzysztof Kowalczyk.

Diseño, Rafal Milach, Ania Nalecka/TBD.

Tipografía, Cervo Neue.

1° edición, tirada 600. Esta, edición especial firmada y numerada, con dos copias firmadas, 12×14,5 cm. Tirada 5/50.

Publicado por The Children of Wrzesnia Regional Museum in Wrzesnia. 2017

 

The first march of gentlemen es la nueva publicación de Rafal Milach, aún solo publicada en su edición limitada de 50 copias. Del fotógrafo polaco ( 1978, Gliwice ) ya habiamos visto aquí The Winners ( Gost books, 2014 ).

Este nuevo trabajo ha sido realizado durante una residencia en la ciudad de Września. Basado en una historia real ( una huelga de alumnos protestando por la enseñanza en alemán a principios del siglo XX en Wrzesnia )  y con fotografías de archivo del Museo de la ciudad ( fotografías de Ryszard Szczepaniak de los años 50 ), Milach crea una obra de una fuerza estética manifiesta, visualmente aparentemente anclada en el pasado, recordándonos las vanguardias centroeuropeas de la primera mitad del siglo pasado.

 

Mezclando sus propias fotografías de material escolar ( las formas geométricas ) y fotografías de hombres anónimos, funcionarios, huelguistas o soldados del régimen comunista, Milach crea unos collages en donde los protagonistas aparecen atrapados en jaulas. Con juegos de escala y construcciones geométricas el autor compone un puzzle en donde los “caballeros” de Wrzesnia sufren la opresión del régimen, o bien intentan escaparse de ella refugiándose o jugando al escondite.

 

Milach, juguetón y con mucha ironía, crea un universo en colores, cercano a los cuentos de niños, para narrar una historia dramática, que tiene un eco en la historia reciente de su país. Estéticamente, el libro es muy potente y hace un guiño a las vanguardias artísticas y al Constructivismo. Arte al servicio de la Revolución ? Arte para subrayar la necesidad de resistencia, de compromiso ante la imposición, el control, la falta de libertad. Arte para combatir la tibieza.

Milach consigue un libro precioso visualmente y a la vez cargado de contenido. Un libro en el que la fantasía, imaginación y libertad se escapan por todas las paginas, a pesar del peso de la historia y la opresión del totalitarismo. Lo consigue mezclando (pocos) elementos reales y imágenes de archivo, haciendo sin embargo de The First March of Gentlemen un libro muy personal. A pesar de su estética “años 50” ( y ni una mujer en las fotografías !), el libro de Milach es  furiosamente contemporáneo.

 

http://rafalmilach.com

 

 

 

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31 de agosto 2017. Bluewater Shore. Douglas Stockdale.

Bluewater Shore. Douglas Stockdale. Autoeditado. 2017.

 

En sobre de plástico, escrito a mano. Bloc a la manera de un Flip book, tapa blanda. 19×15 cm.

Blanco y negro. 16 fotografías de archivo familiar, sueltas. Encuadernación con horquilla.

Concepto y diseño, Douglas Stockdale.

Impresión, Fultone® Digital Lithography, Dual Graphics, California. USA.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 51/99.

Douglas Stockdale, 2017.

 

Douglas Stockdale es un fotógrafo, profesor y comisario estadounidense ( 1949, Pennsylvania ).  Es también editor del muy interesante The Photobook Journal, además del blog Singular images 

Ha publicado con anterioridad Ciociaria, con la editorial italiana Punctum  en 2011. También publicó en 2013 el precioso libro de artista Pine Lake, en el mismo formato, que venía envuelto en una caja de madera hecha por el propio artista.

 

Como Pine Lake, Bluewater Shore es una historia creada con fotografías de archivos familiares, también ambientada en verano.

Me gustan los libros al margen, tanto en el formato como en el contenido. Las historias se escapan de una manera u otra de lo que podíamos imaginar. Los álbumes de familia de Douglas Stockdale tienen mucho encanto, con su embalaje, su cubierta escrita a mano,  sus tiradas cortas. Pero no solo en su presentación. Las fotografías de Bluewater Shore, en blanco y negro, de finales de los años 40, tienen el sabor de una cierta despreocupación ( insouciance, dirían los franceses ), pero sobre todo de una libertad feliz.

 

 

No sabemos quienes son las chicas que se van juntas de vacaciones, amigas o hermanas, pero si que son totalmente independientes y están dispuestas a disfrutar de su libertad.

Douglas nos propone una historia, la salida de casa, las maletas, la travesía en barco, la llegada al mar…pero bien podemos soltar las fotos e invertir el orden para inventarnos otro fluir del tiempo, otras escapadas. Alguna doble exposición nos deja entrever múltiples posibilidades. Como en la obra de Shakespeare, el verano es propicio a los encuentros mas diversos.

 

 

Es alguna de las chicas la madre de Douglas? Podría ser su padre el chico que posa sonriendo ? Podría ser, pero no es muy probable. Estas chicas lo pasan muy bien juntas y los pocos chicos que aparecen son mas bien accesorios en las fotografías. Mas que de memoria familiar, Douglas nos habla de libertad y emancipación de las mujeres, en un relato abierto en el que podemos intuir muchas aventuras.

 

El uso del archivo familiar en su diseño evocador de álbumes de tiempos pasados ( las fundas de estuche de Kodak…) nos trae a todos recuerdos de otros veranos a la memoria, el Bluewater Shore bien podría situarse en este lado del Atlántico. Sin embargo también nos sitúa en un espacio -tiempo en el que los Estados- Unidos eran el lugar de donde llegaban los cambios, que tardaban aún en establecerse en la vieja Europa y el resto del mundo.

Bluewater Shore, en su formato encantador, su nostálgicas fotos envejecidas, es un perfecto acompañante al melancólico final del verano, ese momento soñado de gozo y libertad.

 

 

1 de julio 2017. Y tú, ¿ por qué eres negro? Rubén H. Bermúdez.

Y tú, ¿por qué eres negro? Rubén H. Bermúdez.

 

Tapa blanda. 23×17 cm. Blanco y negro y color. 233 paginas.

Fotografías personales y de archivo.

Texto, Rubén H. Bermúdez, traducción Hannah Soraya Ndempaawai Fakir.

Ilustración Lydia Mba.

Diseño y concepto Koln Studio.

Edición Rubén H. Bermúdez y Koln Studio. Impresión, Brizzolis.

Rubén H. Bermúdez, en colaboración con Obra Social La Caixa, en el marco de 20 FotoPres La Caixa. 2017.

 

Y tú, ¿por qué eres negro? es la segunda publicación de Rubén H. Bermúdez (Madrid 1981), después de Berlin: Looking for freedom publicado por Caravanbooks en 2014. Pero viendo este trabajo podríamos decir que este es, hasta ahora, su proyecto vital,  tan personal es este libro. Rubén gano una beca del premio FotoPres de la Caixa con este proyecto.

 

 

Rubén nos habla de negritud y de identidad. De lo que representa ser negro en este país y en Occidente en general. De las mascaras impuestas en la sociedad, las construcciones sociales en torno a la negritud. El investiga el pasado colonial de España, la historia de la esclavitud para entender su historia. Nos cuenta el racismo cotidiano arraigado en nuestra sociedad, sus costumbres y educación.

 

Y tú, ¿por qué eres negro? es también un diario íntimo, la búsqueda de si mismo, de una identidad denegada y escondida por la sociedad. El despertar de una conciencia marcada por lo que le impone su entorno mas cercano, el colegio, la familia, sus amigos, hasta la reivindicación de un lugar propio y un reconocimiento institucional. Hasta encontrar una comunidad y luchar por sus derechos y por que esta tenga existencia y voz en esta sociedad.

 

 

El camino que recorre Rubén, contado a través de sus fotografías familiares y de fotografías de archivo que todos conocemos, ya que son parte del legado colectivo de toda una generación y más, es el camino “normal” de un chico español nacido en Madrid a principios de los ochenta y apasionado por el fútbol. Pero el es mestizo y en el camino se cruza con comentarios racistas y agresiones, con incomprensión, sin rabia, intentando  entender el por qué.

 

Rubén cuenta su historia en 4 capitulos y es la nuestra, la que no sabemos o queremos ver o apenas, y que sin embargo es nuestro día a día, tan normal y corriente. Con mucho pudor nos habla de el, de sus interrogaciones y sus anhelos, su lugar en la vida. Con su voz, casi sin buscarlo, ha dado una identidad a una parte de la sociedad invisible en este país.

 

Y tú, ¿por qué eres negro? nos devuelve la pregunta que tantas veces le han hecho a Rubén, y nos hace pensar, reflejando una imagen bien poco gloriosa. Y si, me revuelve, como persona y como colectivo. Con su mirada dulce y con discreción y pudor Rubén nos cuenta mucho de su vida a través de la nuestra, y es conmovedor. Rubén H. Bermúdez fotógrafo, español, negro, gran persona. Respect.

 

http://rubenhbermudez.tumblr.com

http://clavoardiendo-magazine.com/mundofoto/entrevistas/ruben-h-bermudez-una-forma-luchar-racismo-desde-lo-colectivo/

https://www.caravanbook.com/books/berlin-looking-for-freedom

 

 

 

 

 

 

 

 

 

7 de junio 2017. How to tie a tie. Carles Alfonso Roig.

How to tie a tie. Carles Alfonso Roig. Autoeditado. 2017.

 

Tapa dura, suelta, con goma. 19×12,5 cm. Color. 44 paginas.

Fotografías, Carles Roig.

Textos, Carles Roig, Anne Michaels, Paul Auster, Stéphane Mallarmé, Samuel Beckett, Anna Dodas.

Papel inuro reciclado 160 gr. Cubierta serigrafiada Imitlin nero ER 95, Car embossed con solapa interior 125 gr. Encuadernación  cosida lomo a la vista.

1° edición, dedicada y numerada. Tirada 026 /60.

Carles Roig, abril 2017, Barcelona.

 

Te llega un libro y te conmueve, algo tan personal y universal a la vez. Atrapadas ( con una goma para que no escapen ) entre las paginas de un libro hay muchas emociones, y la fotografía nos permite expresar lo que apenas podemos nombrar, lo inefable e invisible.

 

No conocía a Carles Roig cuando me mandó este librito. Fotógrafo de Barcelona, autodidácta, fundó La retratería en 2002. Trabaja tanto en fotografía comercial como con proyectos personales, y este es su primer libro, “a pesar de su larga trayectoria y por puro respeto”, son sus propias palabras… Y este libro nació de la “necesidad”. Aunque sigo sin conocerle personalmente, siento lazos creados a distancia, bien reales.

 

 

How to tie a tie encierra un momento intimo, el de confrontarse a la realidad de la perdida de un ser querido, el padre del autor, en un gesto de comunión, abandono y despedida. Confrontarse es ponerse ante un espejo y dejar que esa imagen te penetre, o ponerse delante de una cámara y afrontar penas, desamparo y cariño. Y al fin, lanzar ese objeto tan cargado de uno mismo y sus emociones al mundo. Es algo parecido a un exorcismo, un paso necesario para cerrar una herida despues de haberla por fin, expresado.

 

Carles Roig , como Paul Auster antes que el en “The invention of solitude”, se despide de su padre cargando con las corbatas que usaba, un accesorio lleno de símbolismos y quizá algo anticuado, pero muy personal. Siempre  ( o yo por lo menos ) guardamos objetos que nos recuerdan a personas queridas, pequeños detalles que pensamos, de manera tan futíl,  nos conectan a ellas. Como dice Anne Michaels al empezar el libro, “demasiados acontecimientos en la vida de un hombre son invisibles”…

 

How to tie a tie es un libro abierto con una tapa dura y fuerte como una coraza, sostenida por una goma frágil, un lazo que podemos atar y desatar, algo que agarrar. Carles Roig , con mucho pudor y delicadeza, hace visible lo invisible, y nos lo ofrece, con infinita ternura. Gracias.

http://www.carlesroig.com/es

 

2 de junio 2017. Umbra. Mauricio d’Ors.

Umbra. Mauricio d’Ors. Autoeditado 2017.

Tapa dura. 21x16cm. Blanco y negro. 124 paginas.

Fotografías y edición, Mauricio d’Ors.

Texto, en español e inglés, Carlos  Gollonet. Traducción, Laura Suffield.

Preimpresión, Lucam. Impresión, Brizzolis. Encuadernación, Ramos.

Papel Gardapat 13 kiara 150 gr.

1° edición, tirada 500.

Publicado por Mauricio d’Ors. Febrero 2017.

No sé si Umbra es el primer libro de Mauricio d’Ors, editor, afincado en Madrid, pero si es su primer libro de fotografía. Fue creador de la galería El Escaparate de San Pedro, y lleva el muy bonito blog fotodiariosinpalabras.

Umbra es un diario de sombras, fotografías sacadas con un teléfono móvil, al amanecer de los días de junio, julio y agosto de 2015 en algún lugar de Mallorca.

“Hoy soy un enfermo de las sombras”, nos dice Mauricio, y nos ofrece este libro, como si compartiendo la enfermedad la pudiésemos acallar. Si hay dolor aquí es dulce, y sentimos entre las paginas el placer del misterio de cada mañana, el fugaz momento culpable, la emoción siempre nueva.

¿Son reales las sombras, o son solo fruto de nuestra imaginación, recuerdos del sueño?  ¿Puede grabar un sueño la memoria del teléfono ?

Lo que nos revela la luz es muy bello, parecido al final de una aurora boreal, fragmentos de cuerpos buscando encarnarse y encontrando solo la ingravidez. La materia aparece poco a poco,  solo por instantes, en grano sensual  o jardines exóticos. Las lineas borrosas tiemblan y se ponen a bailar, en un baile que recuerda al del sueño de medianoche de Shakespeare. La noche es propicia a la locura, al trance de los sentidos y las emociones, lejos de la razón. Cuando llega la mañana, queda del trance solo un rastro, una sombra.

Hay muchas emociones y sensaciones en la mirada de Mauricio d’Ors. En la pura contemplación de la luz, la construcción de las formas contra las paredes de la habitación sentimos la euforia y el vértigo ante la belleza efímera, sentimos el temor de reconocer entre las sombras la vulnerabilidad de nuestras certezas, la fragilidad del hilo que nos mantiene. La sombra de nosotros mismos, desnudos y sin armas.

Pero ante todo, en Umbra veo un fabuloso homenaje a la fotografía, a su capacidad de extraer y revelar la esencia mas profunda de la vida y de la poesía. En la abstracción mas pura de esas ventanas de luz que rompen la oscuridad está el asombro, el juego, la magia renovada cada mañana. De la sombra ha salido un libro luminoso.

https://www.amazon.es/UMBRA-Mauricio-dOrs/dp/8461767772/ref=sr_1_1?s=books&ie=UTF8&qid=1496482846&sr=1-1

http://clavoardiendo-magazine.com/columnas-series/las-afinidades-selectivas/ni-platon-ni-tanizaki/

http://fotodiariosinpalabras.blogspot.com.es/search?updated-max=2016-06-09T18:46:00%2B02:00

24 de mayo 2017. 30. Kazuma Obara.

30. Kazuma Obara. Autoeditado. 2016.

En caja de madera, hecha a mano. 27x21x6 cm. 2 libros y un facsímil de periódico.

Exposure, tapa blanda, con banda.19×13 cm. Blanco y negro. 96 paginas. Papel Araveal, natural. 5 negativos insertos.

Firmado y numerado. Tirada 29/86.

Everlasting, tapa dura. 19×23,5 cm, color. 186 paginas. 9 fotografías sueltas.

Firmado y numerado.

Facsímil de periódico ucraniano con fecha del 26 de abril 1986, 26×20 cm plegado. 4 paginas.

Caja de madera. Numero de tirada grabado en la caja. 29/86

Autoeditado, Kazuma Obara. Noviembre 2016.

Ya he hablado aquí, hace poco mas de un año,  acompañada por Christer Ek en su blog, de una edición que sacaba  Kazuma Obara de Exposure, en una tirada de 10 ejemplares.  Anunció mas tarde una nueva versión de este trabajo, mas completa, en una obra llamada “30” ( los 30 años que han pasado desde el accidente en la central nuclear de Chernobyl ). https://gabrielacendoya.wordpress.com/2016/04/30/30-de-abril-2016-exposure-kazuma-obara/

También ha salido aquí “Silent histories”, reeditado por RM en 2015. https://gabrielacendoya.wordpress.com/2016/01/26/26-de-enero-2016-silent-histories-kazuma-obara/

Kazuma Obara (1985) se dió a conocer por una publicación ( 2012, Lars Muller ) sobre el accidente acontecido en Fukushima despues de un tsunami y la posterior tragedia en toda esa zona de Japón de donde es originario, ” Reset. Beyond Fukushima”.

Con esta obra Kazuma ha ganado en World Press Photo en la categoría de Gente. Así como podemos dudar de ciertas decisiones del premio World Press estos últimos años, en este caso creo que es intachable.

 

30 es una obra sobre la memoria. Guardada en una caja que imita una caja postal, es un contenedor para la posteridad. La memoria puede ser lo que nos queda en lo mas adentro, una cicatriz invisible de la cual no nos podemos despegar, como es el caso de Mariia, expuesta a las radiaciones cuando estaba todavía en el vientre de su madre. Enferma de tiróides, ella es una victima invisible, y solo sus palabras reproducidas aquí nos permiten saberlo. “Exposure” es exponer, estar expuesto (a la luz o a las radiaciones…) Kazuma , a lo largo de sus trabajos, se empeña en dar luz  a lo que no vemos o no queremos ver ni recordar. La fotografía es una herramienta potente, pero hay que manejarla con delicadeza si no se quiere pervertir o añadir confusión, en el océano de imágenes que hemos visto ya sobre la catástrofe del accidente nuclear.

 

Kazuma Obara nos obliga a una reflexión, en un viaje de 30 años, desde el año 1986 hasta ahora y mirando al futuro. Cuidando todos los detalles con mucho mimo, desde los negativos de films de la época comprados en Pripyat, el periódico del 26 de abril,  hasta el trayecto en  tren que hacen todos los días los trabajadores de la central, el mismo durante todos estos años. El tiempo pasa, crecen los hijos, se forman unas parejas, incluso nacen niños, pero todo parece estar igual, con un aroma enrarecido. La cubierta de “Everlasting” reproduce la tapicería de una de las casas abandonadas de Pripyat, y sus habitantes viven ahora en Slavutych, ciudad construida seis meses después de los acontecimientos. Pocos como el consiguen transmitir con tanta finura el peso de los días, la rutina del viaje, el poso del tiempo, contaminado,  en los bosques atravesados, la fatiga en el viaje de vuelta.

 

Como en cualquier otro lugar, la gente va a su trabajo, y vuelve a sus casas cuando acaba el día. Aquí el trabajo es intentar colmatar las brechas, físicas y psíquicas, de un sarcófago construido en 1986 y mantener la máxima seguridad en la central, un trabajo que durará años, “everlasting”, para siempre, dice Kazuma. El autor, a pesar de la  relación de amistad que ha conseguido establecer con varios trabajadores a lo largo de sus viajes a Ucrania, y cuyas vidas nos relata con fotos personales, no nos cuenta solo las “Silent histories” de Chernobyl, si no cómo la catástrofe sigue presente en sus vidas, y en las nuestras, aunque lo queramos olvidar.

 

“30”, en su caja protectora, su frágil sarcófago, es una carta mandada al futuro, un testimonio de algo que aunque resulta ya apenas visible, sigue conservando un poder de destrucción. Exponerlo a la luz como lo hace Kazuma tiene una fuerte carga simbólica, muy lejos de las imágenes provocadoras o que buscan atemorizar.

 

“30”, relato denso, abstracto, silencioso e irradiante, es un fabuloso objeto para la posteridad.

 

http://kazumaobara.com/index.html

http://kazumaobara.com/photobooks/title/30.html

https://www.worldpressphoto.org/people/kazuma-obara

El autor dará una charla el día 30 en el Museo San Telmo de San Sebastian. https://www.santelmomuseoa.eus/index.php?option=com_flexicontent&view=items&id=136&Itemid=8&lang=es&ide=59724

 

25 de febrero 2017. Éléments d’une typologie de l’urbanisation contemporaine d’un village français de deux mille huit cent trente neuf habitants. Volume 10. Christophe Le Toquin.

Éléments d’une typologie de l’urbanisation contemporaine d’un village français de deux mille huit cent trente neuf habitants. Volume 10. Christophe Le Toquin. Autoeditado.

 

Tapa blanda. 24 x 18 cm. 24 paginas. Blanco y negro.

Fotografías, Christophe Le Toquin. Texto en francés e inglés, Christophe Le Toquin. Traducción Danielle McNally.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 2/50. Esta, una de las 10 primeras, con copia original firmada y numerada.

Autoeditado, febrero 2017.

 

Esta es la ultima entrega de la serie de Christophe sobre la urbanización de su pueblo, Noyers sur Cher, en el centro de Francia, y de la que ya he hablado aquí. Christophe nos cuenta como empezó la serie en 2010, y cuales han sido sus referencias a la hora de iniciar este trabajo. Edgar Morin, en una obra de 1965, “La métamorphose de Plozévet, commune en France”, hizo un estudio sobre el paso de un pequeño municipio rural hacia la modernidad. George Pérec es su segunda referencia, con su novela corta ” La tentative d’épuisement d’un lieu parisien”, observación sistemática de un espacio y sus banales acontecimientos cotidianos .

 

 

Se puede decir que Christophe, a su vez, retrata los efectos de esa modernidad y su crisis, 50 años mas tarde, en un municipio bastante similar. Con la misma mirada lenta y observadora, nos descubre en sus rincones lo que se nos escapa en el ritmo frenético de nuestras vidas, en el cúmulo de imágenes que recibimos sin cesar. Este ultimo volumen está dedicado al espacio particular, esa parcela de nosotros mismos más íntima.

 

 

De  dentro hacia fuera, o lo que hace que podamos decir de un lugar que es nuestro. Habiendo vivido mi infancia en un pequeño municipio rural, aunque de muy distintas características, estas ultimas fotografías me conmueven en su silenciosa y sencilla (pero no simple) apariencia. Intentamos, cada uno en nuestra medida, organizar nuestro pequeño espacio, marcar un linde, aunque este sea efímero o absurdo, cultivar una tierra.

 

 

Ya he dicho en una entrada anterior  que Le Toquin hace de una manera tranquila obra filosófica. La vida es un cúmulo de pequeños detalles que, hilados, cobran sentido. En este décimo volumen está más que nunca presente el hombre, en su empeño  de apropiarse un terreno que nunca será solo suyo, pero en el cual deja para siempre una marca. Que gran trabajo !

 

http://www.katacri.net/christophe/

http://www.katacri.net/#

 

https://gabrielacendoya.wordpress.com/2016/11/02/2-de-noviembre-2016-elements-dune-typologie-de-lurbanisation-contemporaine-dun-village-francais-de-deux-mille-huit-cent-trente-neuf-habitants-volume-9-christophe-le-toquin/