3 de agosto 2018. Cry of an echo. Malgorzata Stankiewicz.

Cry of an echo. Malgorzata Stankiewicz. Lecturis, 2018.

 

 

Tapa blanda, con sobrecubierta. 32×23,5 cm. 96 paginas. Blanco y negro.

Encuadernación a la vista.

Fotografías y diseño, Malgorzata Stankiewicz. Texto en inglés, Stankiewicz.

Impresión, Wilco Art books. Papel Munchen Print Cream 80 gr.

1° edición. Existen 17 copias hechas a mano por la artista con papel sumi japonés.

Lecturis 2018. Precio, 29,95 en la editorial.

 

Malgorzata Stankiewicz es una fotógrafa polaca afincada en Suiza. Con Cry of an echo ha ganado el  Unseen Dummy Award de 2017, y ayer mismo presentaba la publicación de Lecturis en la sede de Unseen.

Este trabajo nace en 2016, cuando el gobierno polaco decide una gran tala al bosque de Bialowieza, uno de los últimos bosques primitivos, declarado Reserva de la biosfera por la Unesco. Durante varios meses, Malgorzata fotografía el bosque, y posteriormente altera sus copias con varios procesos químicos para llegar al resultado que vemos aquí.

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El bosque es un lugar mágico, y muchas veces ha sido representado en la historia del Arte. Numerosos fotógrafos se han adentrado en él para tratar de descubrir y representar el misterio y la energía que emana de él. En algunos casos es un espacio inquietante, un lugar donde se cristalizan los miedos, como en Forest, de Jitka Hanzlova, en otros es un lugar de meditación y contemplación, con Awoiska van der Molen en Blanco, o Stray, de Paul GaffneyStephen Gill , en Night Procession lo describe como un lugar mágico donde se esconde una vida secreta, lejos de nuestra vista y nuestro cotidiano.

El bosque primitivo añade a esto el poder de contener en él el origen de la vida, la memoria de un tiempo por donde no ha pasado la mano del hombre. Bialowieza contiene aún esa memoria y Malgorzata siente la agresión de la tala programada y la transmite como una herida indeleble .

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Stankiewicz usa procesos químicos para alterar sus fotografías: lavadas, blanqueadas, en parte comidas por el ácido o pintadas con tinta india para retoques. El blanco y negro cobra tonos verdosos y blancos sucios, que se aprecian difícilmente en mis fotografías.  Pero Malgorzata deja cicatrices que son heridas tanto suyas como del bosque. Su proceso silencioso y ahogado en la densidad del espacio es sin embargo muy bello y poético. La huella que queda en estas fotografías parece un pequeño gesto ante la magnitud de lo que está en juego aquí. La metáfora cobra todo su sentido entre las páginas de este llanto. La materia se descompone como la memoria de lo que fue el bosque, desvaneciéndose o desapareciendo en agujeros negros.

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El bosque es sagrado. Negro, denso, infranqueable, es un lugar donde se forma un magma creador de vida, atravesado por los rayos, donde el proceso de vida y muerte parece inalterable. Esa pura energía también contiene espacios de serenidad y dulzura, acariciados por la luz. Llega hasta nosotros el eco primitivo, el origen de la vida. Malgorzata consigue transmitir en este muy bello libro la fuerza y la fragilidad de nuestro mundo.

 

31 de julio 2018. Just like you, but different. Fiona Struengmann.

Just like you, but different. Fiona Struengmann. Autoeditado. 2017.

Tapa dura, cubierta a mano troquelada. 27,5×21,5 cm.

Fotografías de archivo manipuladas, Fiona Struengmann.

Texto en inglés, Fiona Struengmann.

Diseño, Fina Struengmann.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 121/250.

Autoeditado, Fiona Struengmann, 2017. Precio 35 Euros.

 

Este libro bien podría haber figurado el otro día en la entrada sobre la memoria y los recuerdos. Just like you, but different  nace de un archivo de cerca de 7000 fotografías que le proporciona a Fiona Struengmann una coleccionista a la que conoce en un mercadillo. Esta persona acumula cajas y cajas de fotografías durante 50 años y quiere al fin deshacerse de ellas. El archivo proviene de Alemania, y lo podemos situar entre los años 20 y 50. De ese archivo la artista rescata en esta publicación una veintena de fotografías que ella se apodera y transforma.

 

Fiona ( 1986, Alemania ) es una artista que trabaja tanto con la fotografía como con el dibujo. A menudo se mezclan las prácticas en su obra, y aquí nos encontramos con fotografías intervenidas con varias técnicas: borrando parte de la fotografía, usando herramientas químicas, o pintando sobre ella. En algún caso vemos cómo dibuja con aguja sobre la propia imagen.

Son fotografías en las que nos podemos reconocer, o que resultan familiares: grupos de gente paseando por la calle, niños jugando, momentos casuales o que parecen tener poca transcendencia. En cualquier álbum familiar antiguo encontramos cientos de ellas, parientes y amigos discurriendo tranquilamente. Fiona les da un tratamiento dramático y enigmático aislando las figuras, borrando el entorno, haciendo desaparecer o transformando unas circunstancias que solo podemos imaginar o recrear en el espacio dejado en blanco de la pagina.

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La poesía de estas fotografías reside en ese espacio de la memoria en que los recuerdos, borrosos como estas imágenes, son reinterpretados, en el tiempo que juega a favor de la imaginación, de los pensamientos furtivos.

Bailarás aún conmigo?

ahora mañana

ahora luego

ahora ayer

Fiona hace suyos los recuerdos de otros, sus gestos, sus posturas, los paisajes que  habitan. Desde la lejanía y la extrañeza busca un lazo común al que añade una historia, una emoción, que a su vez tiene un eco en nuestra propia memoria. Como nosotros, pero diferente/just like you, but different.

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El trabajo de Fiona es muy bello en su aspecto táctil, acentuado por la calidad del papel, en sus capas, sus fondos donde se mezcla el olvido y el resurgir, como brumas perdidas en el tiempo. Rozando la abstracción algunas imágenes lavadas me recuerdan a Twombly y su escritura poética. Rasgos escapados entre las siluetas, fantasmas de otros recuerdos. Las memorias compartidas de Fiona son bellas tanto como enigmáticas.

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La pagina que cierra el libro es una última enigma: lineas y cifras, y un Thank you de agradecimiento. Fiona marca la distancia que le separa de cada persona que le ha ayudado en la producción del libro. La distancia se mide en metros, pero cada linea fina es también una manera de acercarse. Comprendemos que Just like you, but different es  un lazo entre los fotografiados, la archivista, la autora y el lector, entre el ayer y el mañana, los recuerdos recobrados o inventados para no perderse en el tiempo.

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24 de julio 2018. Let me fall again. Julia Borissova.

Let me fall again. Julia Borissova. Autoeditado, 2018.

 

Tapa dura. 20×14,5cm, con hilo cosido de dos colores . Encuadernación a la vista. Hecho a mano. Varios desplegables, origami y carta plegada inserta.

Fotografías encontradas y Julia Borissova. Concepto y diseño, Julia Borissova.

Texto en ruso e inglés, Julia Borissova. Cita de Worstward Ho, Samuel Beckett, en inglés y ruso.

1° edición. Tirada 12/239. Firmado .

Julia Borissova. 2018.

 

Es una delicia siempre descubrir el nuevo trabajo de Julia Borissova. En este caso, otro libro hecho a mano, con plegados y cosidos de una gran delicadeza y cuidado en la realización.

Let me fall again es un homenaje al norteamericano Charles Leroux, aeronauta y paracaidista, cuyo verdadero nombre era Joseph Johnson (1856, Connecticut- 1889, Tallinn). Como en otros trabajos anteriores de Julia, la autora utiliza documentos de archivos que encuentra en la web, después de descubrir en Estonia un libro sobre la vida del paracaidista.

 

Como en anteriores publicaciones también, es un pretexto para tratar un tema que le interesa, el de la caída y el fracaso en el proceso creativo. Leroux, lanzándose con su paracaídas desde un globo, hizo de la caida una razón de ser, viajando por todo el mundo para practicar su arte, desde Nueva York hasta San Petersburgo pasando por Londres, Paris o Berlin.

 

Julia cuenta la vida de Leroux y sus 239 saltos ( tantos como la tirada de Let me fall better ) de una manera poética, como nos ha acostumbrado en sus trabajos anteriores. Aquí es muy bella la mezcla de documentos antiguos, postales coloreadas, cromos (el encanto de un tiempo lento, un pasado intacto en la memoria) intervenidos por la autora. Un simple hilo cosido nos recuerda a la vez la precisión científica de Leroux en la preparación del salto y su extraordinaria levedad. Con una deliciosa delicadeza en los medios, Julia nos acerca a lo mas profundo de la creación, el vértigo de la experimentación, lo más etéreo y frágil.

El hilo recorre todo el libro, libre de movimientos en el aire y recordándonos que la vida pende de él. Pero eso no tiene que frenar la búsqueda de lo que más nos anima.  La caída no es nunca un fracaso, es un proceso siempre renovado. Leroux, desaparecido en el mar de Tallinn un día de viento en el que sin embargo quiso lanzar su paracaídas, no se fue en vano. En la carta que Julia escribe a Leroux, plegada con la precisión de un paracaídas, le confiesa el consuelo de saber que para él hubiese sido un fracaso no intentar la caída. El hilo rojo cosido, tan frágil, es el relevo entre Leroux y Borissova.

La maravillosa levedad de Let me fall again es una vez más un éxito en el camino de Julia Borissova. Pero seguro que este camino ha sido uno repleto de dudas y muchos fracasos. La poesía está en la fragilidad del proceso y la fuerza que lo anima. Precioso libro.

 

 

5 de junio 2018. The earth is only a little dust under our feet. Bego Antón. Overlapse.

 

The earth is only a little dust under our feet. Bego Antón. Overlapse. 2018.

 

Tapa dura, entelada. 23×17 cm. Color y blanco y negro. 216 paginas. Mapa desplegable. Cinta marcadora.

Fotografías, Bego Antón. Algunas fotografías de archivo.

Textos en inglés Bego Antón , Santi García.

Concepto y edición Bego Antón, Nicolas Polli. Diseño Nicolas Polli.

Tipografía GT Sectra. Impreso en Lituania.

1° edición, tirada 750. Overlapse Books. 2018. Gran Bretaña.

Bego Antón  nos lleva a Islandia de la mano de la editorial britanica indendiente Overlapse. La editorial, con 6 libros ya en su catalogo, ha publicado ya grandes libros y muy recientemente a los españoles Pascual Martínez y Vincent Sáez, con el precioso The tree of life is eternally green.

 

 

Islandia es un lugar especial en la geografía y en nuestro imaginario. Un límite, una frontera pasada la cual la razón o el conocimiento nos sirven de poco frente a la naturaleza particular, al paisaje que se antoja duro y rocoso, terriblemente terrenal y a la vez profundo y misterioso.  Y es que la tierra hecha de piedra bosque y aire es un espacio habitado. Esa tierra es solo un poco de polvo bajo nuestros pies, nos dice Bego, mientras un unicornio nos saluda en la cubierta. Este libro, que por su aspecto nos recuerda los cuentos y fabulas que nos leían de niños, historias mágicas de animales fantásticos y países lejanos e inalcanzables, nos lleva al país de los elfos y trolls.

Bego Antón ha recorrido Islandia hasta sus más recónditos parajes buscando testimonios, huellas e imágenes, merecedora de un diploma de la escuela de elfos.

 

 

Las fotografías de Bego Antón se mezclan en el libro con historias que ella va recogiendo durante el viaje, cuentos fantásticos de videntes y piedras habitadas o cristales de colores, testimonios de presencias traviesas y misteriosas. En esta tierra todo es energía y luz, basta con saber parar y sentir para convencerse. En los montes pelados por el viento, en los bosques, entre las rocas, en el aire están las señales.

 

El libro está lleno de bellos detalles muy cuidados, marca ya de la editorial. Frisos de manuscritos, dragones, planos antiguos desplegables y maravillosos signos tipográficos que suponemos mensajes secretos de los duendes que pueblan estas tierras. Paginas en blanco, entre duda y certeza de una presencia silenciosa e invisible, pero bien real. Los textos lo atestiguan, apareciendo apenas dentro del blanco de la pagina, podemos ver un mundo escondido desde lo interior. Todo está vivo, nos dice Bego Antón, si sabemos descubrirlo.

 

 

Entre rocas y luces de colores, como empezó, acaba este precioso cuento de fábulas y magia del lejano norte. Sin embargo al cerrar el libro no podemos dejar de pensar en buscar a los elfos cerca de nosotros. Islandia los acoje, su tierra, aire y mar los esconden, su población les adora y respeta. Bego Antón los ha traido hasta aquí. Habrá que vigilar las piedras y esa tierra bajo nuestros pies, mirando hacia dentro.

 

 

 

 

8 de marzo 2018. The Fall. Pía Elizondo.

The Fall. Pía Elizondo. Autoeditado. 2017.

 

Sin cubierta, hojas sueltas, reunidas con banda obi. 40x20cm. Blanco y negro. 60 paginas.

Fotografías, Pía Elizondo.

Texto en inglés.

1° edición, Pía Elizondo. 2017.

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Pía Elizondo es una artista mexicana ( México, 1963 ). Autodidacta, se dedica a la fotografía desde el año 1987. Vive en París desde el año 2003. Participa en la agencia VU, que ha presentado este trabajo en su galería recientemente.

The Fall es un trabajo nacido en el momento de la caída de Aleppo, o justo después, en enero de 2017. Pía fotografía la pantalla del ordenador, en planos cerrados de videos de Youtube o otras paginas de Internet.

Hecha de imágenes subjetivas pasadas por varios filtros, cámaras y puntos de vista, la secuencia que nos presenta Pía Elizondo es a la vez violenta y distanciada, una representación de cómo desde lejos percibimos la guerra. El resultado es tanto duro como a ratos bello o poético, una evocación velada o ensoñadora, acentuada por la falta de nitidez de la imagen de la pantalla. No es la guerra, es la imagen fotográfica de una ciudad abatida y fantasmagórica que nos muestra Pía .

Aleppo cae, y solo nos llegan sus sombras. Arboles, siluetas humanas, fragmentos de cuerpos, nubes de polvo o pólvora, edificios derruidos. Una imagen tamizada y muda. Vemos estas imágenes sin oír sus voces, sin responder a la mirada del niño mirando a la cámara. Lejos de nosotros ha caído Aleppo. The Fall, sin palabras, pero tan elocuente.

 

 

 

Dejo aquí un video de un encuentro entre Pía Elizondo y Mònica Roselló de junio 2017, en la Virreina.

 

9 de agosto 2017. Iowa. Nancy Rexroth.

Iowa. Nancy Rexroth. University of Texas Press. 2017

Tapa dura, tela, con sobrecubierta. 26×26 cm. 168 paginas. Blanco y negro.

Fotografías, Nancy Rexroth.

Texto en inglés, Wayne Dodd, Alec Soth, Anne Wilkes Tucker, Mark L. Power, Nancy Rexroth.

Tirada 1000. 1° edición, revisada de edición original, Violet Press 1977.

University of Texas Press. 2017. Austin, Texas.

 

Una entrada rápida hoy para presentar esta fabulosa reedición, o mas bien, revisión, de un libro de 1977 de la fotógrafa norteamericana Nancy Rexroth ( Washington DC, 1946 ).   Iowa, publicado entonces con la ayuda del National Endowment Grants for the Arts se convirtió pronto en un libro culto. Rexroth usó una cámara Diana para fotografiar lugares familiares y recuerdos de infancia en Ohio principalmente. Con cierta influencia pictorialista, las imágenes de Iowa nos recuerdan a sueños mas que a paisajes o lugares reales. Aquí aparece poco Iowa, pero si evocaciones temblorosas de una luz y un tiempo pasado, de una niñez soñada.

 

 

La Diana es una cámara de juguete, pero restituye a la perfección la vibración misteriosa que recorre las fotografías de Rexroth. Habitadas, transparece en ellas un mundo interior hecho de infinita ternura e inocencia y a la vez de la inquietante presencia de la muerte.  ” The Diana’s made for feelings”, dice la autora en una entrevista, explicando como esas imágenes desvelan lo que solo sería un segundo plano en otra fotografía.

 

 

 

Niños jugando a fantasmas, casa blancas, caminos, porches solitarios pueblan estas fotografías. Los recuerdos de los veranos de la infancia en Iowa se transforman en otoñales y melancólicas imágenes (Rexroth llama a su trabajo “Sympathy for the Dead”).

 

 

Dividido en tres partes, Iowa se va adentrando hacia el interior, tanto de almas como de lugares. Rexroth atrapa con la cámara momentos efímeros de belleza en lo mas simple y cercano, con unos impresionantes y conmovedores retratos familiares, temblorosos o borrosos : su madre, su tía, o Emmet, un vecino viudo.

 

En el ultimo capitulo del libro, en el interior de las casas se vuelven mas fragmentadas  las fotografias, pero no menos intensas y evocadoras. La habitación es el lugar del sueño, y en sueño adivinamos presencias en los espejos, y espíritus (amables ?) nos acompañan en imagenes abstractas. Aquí se hace mas patente la presencia de la muerte, un tránsito de la memoria, un secreto a punto de desvelarse, vibrante.

 

 

Alec Soth cuenta como para el estas imágenes tienen una calidad cinematográfica, recordándole Emmet un personaje de la película Fresas salvajes, de Bergman. La misma delicadeza en estas fotografías que en el personaje de Sara recogiendo fresas, la misma sencillez cargada de significado.

 

Iowa, 40 años mas tarde, guarda toda su fuerza, su poesia y su misterio, su belleza pura, vibrante y evocadora, su frescura. El tiempo y la maravillosa luz de estas fotografías sigue protegiendo los sueños de Nancy Rexroth, hasta alcanzar el cielo inmenso.

 

http://utpressnews.blogspot.com.es/2017/07/photographer-nancy-rexroth-on.html

http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/05/nancy-rexroth.html

https://utpress.utexas.edu/books/nancy-rexroth-iowa

18 de marzo 2017. Wannabe. Elisa González Miralles.

Wannabe. Elisa González Miralles. La Fábrica. 2017

 

Tapa blanda, con sobrecubierta de plástico rosa transparente. 28×19 cm. 64 paginas, color.

Fotografías, Elisa González Miralles.

Conceptualización, Elisa González Miralles, Gonzalo Golpe.

Diseño gráfico, Tres Tipos Gráficos. Preimpresión, La Troupe. Impresión y encuadernación, Grafilur.

Traducción, Art in Translation.

Papel, Creator Vol 135 gr y 250 gr. Sobrecubierta, plástico flexible de 400 micras.

1° edición, firmada. 2017, La Fábrica.

 

 

 

Wannabe es la primera publicación de Elisa González Miralles ( Madrid 1978 , cofundadora de MadPhoto, ganadora del Fotopres de La Caixa en 2011 ), un trabajo que se ha gestado durante 4 años antes de salir en forma de libro, editado por La Fabrica.

En él Elisa nos habla de como una sociedad puede encerrar a unos individuos, en este caso mujeres japonesas, en unos roles deshumanizados y predeterminados. La sociedad japonesa es fascinante y misteriosa en su mezcla de tradición y modernidad rabiosa. El tiempo parece dividirse entre una huida hacia delante, sin frenos, y un reloj parado entre las paredes de una cueva, atrapado en un sinfín de estereotipos, ceremonias milenarias y roles confinados. La mujer es victima y protagonista en esta sociedad.

 

Puede resultar aterrador el retrato que nos da aquí Elisa, en un libro encapsulado en vinilo, metáfora perfecta de lo que retrata. Desde el fuerte olor que despide el plástico rosa y el retrato en primer plano, nos adentramos de golpe en un mundo entre liquido amniótico y rojo pasión, entre carne y silicona, entre vida y muerte.

Elisa retrata a las mujeres muñeca sobre un fondo negro, ensimismadas, perdidas en una realidad inconsciente. Envenenadas por el mismo veneno que desprende el pez globo, tan apreciado por los japoneses, y cuya carne puede matar si no se sabe manipular. Entremezcladas con fotografías de muñecas sexuales de silicona, las chicas retratadas por Elisa son seres sin voluntad presas de una estética impuesta.

 

 

Wannabe contiene muchas capas y muchas lecturas, tantas como texturas, como la piel que podemos sentir bajo la capa de plástico. En el confinamiento en el que se mueven los peces, su belleza mortífera, la pasión que producen, se retrata la toxicidad de una sociedad. Japón bien se puede extrapolar, es aquí el modelo de una enfermedad que atañe a un mundo cegado por un ideal de eternidad, una estética plástica en la que la mujer está sumisa al hombre y encerrada en su propia vulnerabilidad.

 

Desaparece la identidad, el cuerpo no es mas que un envoltorio hueco, como el globo, como las muñecas hinchables. ¿Como rebelarse contra este estado? ¿Es posible salir de este confinamiento cultural? El encuadre de las fotografías nos dice la dificultad de escapar y romper el molde.

 

Wannabe nos habla de deseo, de sexo, de sumisión…en una sociedad como es la japonesa, pero también nos dice mucho de lo más íntimo del individuo. De anhelos y frustración, miedos y abandono ante el rol que la sociedad impone a la mujer. Nos habla mucho, y sin palabras, de una tremenda soledad, aterradora. En rojo y negro, entre pasión y muerte, se encuentra Wannabe.

 

 

http://www.elisagonzalezmiralles.es/elisa-1/home/album/wannabe

http://www.rtve.es/alacarta/videos/tips/tips-fotografia-elisa-gonzalez/3946140/

http://tienda.lafabrica.com/en/-photography-arts/4183-buy-book-elisa-gonzalez-wannabe.html

http://clavoardiendo-magazine.com/mundofoto/panorama/elisa-gonzalez-miralles-hechizo-fotografico/

 

12 de febrero 2017. Domingo. Libretto. Julia Borissova.

Después de una semana intensa y de varios días lejos del blog, me viene una pequeña reflexión a la mente, un poco contradictoria. El nuevo y encantador libro de Julia Borissova la acompaña.

Libretto. Julia Borissova. Auto editado. 

 

Tapa dura, con fieltro, atado con una banda. 17 x 10,5 cm. Leporello.

Blanco y negro y color. 38 paginas, unas recortadas. Hecho a mano.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 19/105.

Auto editado, 2016.

 

Entre imaginario y realidad construye Julia Borissova su nuevo libro, como si fuese un escenario de teatro. Libretto explora las relaciones entre fotografía y teatro, como espacio de representación, mezclando imágenes encontradas y las propias de Borissova.

 

 

Ella mas que un libro construye un propio teatro en tres dimensiones, en el que todos podemos interactuar. Entran en escena historia, deseo, memoria y olvido, y la vida se rompe en mil fragmentos, que intentamos recomponer.

 

Hay mucha melancolía en Libretto, pero también un juego, lleno de encanto y ligereza, a pesar de lo profundo y dramático. A Play, dicen los ingleses. Ademas de representar, este escenario nos permite crear nuestra propia historia, tanto actores como espectadores ante las imágenes.

 

 

En toda fotografía está presente la muerte, dijo Barthes, en ese intento de transmisión de algo inefable.

Con mas ligereza, mi modesto intento de retransmitir en esta pagina  mi amor por algo que muchas veces se escapa, que en la realidad es difícil de compartir. Estamos aquí unos pocos, en este pequeño escenario, que por mi parte es mi día a día. Pero a menudo, desde este reducto virtual e ilusorio, olvido que poca gente está invitada a esta función, o incluso sabe de su existencia. Abrir las puertas del pequeño mundo del fotolibro es lo que intento, de manera a veces excesiva, aprendiendo, muy poco a poco. Seguimos adelante, mientras haya libros como este de Julia Borissova.

 

http://juliaborissova.ru/Julia_Borissova_PhotoSite/Libretto.html

https://elephantmag.com/life-as-theatre/

 

 

 

 

 

7 de febrero 2017. Hysteron. Nagore Legarreta.

Hysteron. Nagore Legarreta. Banizu Nizuke.

 

En lata dorada, letras negras pintadas a mano con plantilla. 22 x 6cm. Libro, 14,5 x 14,5cm. Serigrafía, mismo tamaño. Vinilo.

Fotografías y proyecto, Nagore Legarreta.

Músicos, Aida Torres, Beñat Iturrioz, Mariano Hurtado.

Textos, escondidos entre paginas, en euskera, Danele Sarriugarte, Gorka Setien.

Edición y producción, Pablo Salgado, Banizu Nizuke.

Ilustración, maqueta y diseño, Ramon M. Zabalegi.

Encuadernación a mano con cinta de esparadrapo negra.

1° edición. Tirada 270.

Nagore Legarreta, Banizu Nizuke. 2016

 

 

Los libros se esconden en los lugares mas inesperados, como aquí en una lata de conservas. Nagore Legarreta ( Hernani 1981), fotógrafa y profesora de fotografía, trabaja desde hace años con cámaras estenopeicas usando cualquier tipo de caja para atrapar la luz. Para este proyecto ha usado una gran lata de conserva preparada con 4 orificios, poniendo en su interior papel fotográfico. Es su segunda publicación, después de Edipotoa, en 2011, con la misma editorial.

 

Hysteron ( útero en griego ) nace en 2014, como una respuesta intima a un profundo malestar por la antigua opresión hacia la mujer y su cuerpo, la lucha por su identidad. El espacio de la relación consigo mismo y con los otros es el cuestionado aquí, de manera intensa y muy potente, sobre fondo negro. Con una técnica primitiva, sin apenas manipulación, Nagore crea y representa una serie de imágenes de cuerpos desnudos y fragmentados, en movimientos de danza o lucha que también tiene mucho de primitiva. Los cuerpos se tocan, se empujan o se entrelazan, en tensión, con violencia.

 

Entre “performance” o ceremonia pagana, los figuras fragmentadas transmiten miedos,  rechazos, sufrimiento, confrontación, pero también acercamiento entre los cuerpos y liberación.

 

Nagore ha presentado este trabajo ya en varios espacios, Donostia, Oñati o Madrid, en el marco de PhotoEspaña 2016. El formato es aquí muy distinto, y el objeto tan artesanal, el contenedor en este caso, le da otra dimensión. La lata, cerrada, virgen podríamos decir, es mucho mas que una simple recreación de la herramienta, la lata estenopeica. Solo una agresión, por muy suave que sea, nos permite llegar al corazón de la obra.                            Los textos escondidos entre las paginas necesitarán una nueva manipulación para llegar hasta ellos. Nagore ha cuidado mucho la encuadernación para conservar intacta la naturaleza de las fotografías salidas de la cámara oscura. Gracias a la cinta, ni cosido ni grapa  interrumpen o cortan la secuencia original.

 

Entre las fotografías se han conservado, de manera acertada, las huellas de la manipulación, los errores y manchas de tinta. Son parte del proceso, al igual que lo son los textos y la serigrafía  o el vinilo que acompaña el libro, grabado con instrumentos hechos a mano también. Hysteron es, al final, una obra táctil, múltiple y coral, presentada como tal en directo. El objeto es el perfecto resultado de un camino largo recorrido entre muchos, fabricado por muchas manos. Íntimo en su significado y su pequeño formato, muy intenso, transciende lo personal en una historia de superación. Aquí, en contra de lo que parecía en un primer momento, más que diseño hay un evidente y necesario envoltorio-contenedor capaz de retransmitir todo lo sentido y vivido a lo largo del proyecto. Impresionante trabajo.

Zikinbrillante !!!!

 

“Lanpara itzalien

joan etorri eta desfilea dator gero.

Lanpara itzalien lehenengo eginbeharra

lanpara piztuak itzaltzea da.

Amorruak piztuko al ditu amorruak piztuko amorruak”. Gorka Setien.

 

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17 de diciembre 2016.7-14 del No Estado. Gema Casas.

7-14 del No Estado. Gema Casas. Auto editado.

 

 

En estuche, libro , caja y radiografía. 30,5 x 23 cm. Libro, 23×17 cm, tapa blanda. 72 paginas, blanco y negro. Cosido Singer.

Fotografías, Gema Casas. Impresión digital, papel estucado mate 250 gr.

1° edición, firmada. Tirada 100. Esta, una de las 20 de edición especial.

Gema Casas, 2016.

 

 

Gema Casas es una fotógrafa española ( Mollina, 1970 ). Vive y trabaja en el Campo de Gibraltar. Radióloga, se inicia a la fotografía en 2012, recibiendo dos años mas tarde una beca del colectivo UFCA. Acaba estos días de tener una exposición en la galería del mismo nombre en Algeciras.

 

 

7-14 es el ciclo del sueño durante la hipnosis, nos dice Gema. Un momento de un estado otro, “ailleurs”, dirían los franceses, con una palabra a la que no encuentro equivalente en español. Otra parte, otro lugar, otro espacio, entre realidad y sueño.

 

 

Gema nos muestra, o nos sugiere, ( ¿como mostrar un no estado? ) un momento de ingravidez, en el que dejamos lo mas profundo de la mente aflorar a la superficie, otro estado de percepción. Gema captura ese estado a través del soporte de la radiografía, estableciendo el lazo entre su trabajo profesional y su practica y mirada artística.

 

 

Las fotografías reveladas aquí son momentos de abandono, intensos y dolorosos. Momentos en los cuales se pierde pie con la realidad, y los sueños, o pesadillas, se apoderan de nosotros. Una intimidad revelada por la luz, una total desnudez…

 

Las fotografías son a menudo recuerdos que queremos conservar, pero las radiografías de Gema van mucho mas allá. Ella nos lleva por caminos poco transitados, por un terreno oculto que tememos descubrir. En el No Estado, no queda donde resguardarse, solo queda rendirse a su propio estado emocional, dejarse llevar a otra dimensión, reconocer sus miedos.

 

 

7-14 del No Estado es un libro exigente, que no dejará a nadie insensible. Es la muestra de un lenguaje personal, único, intimo y de una gran sensibilidad. Radiografías, perfecta metáfora, luz que descubre algo que tenemos dentro y no dejamos escapar, aquí luz negra atravesando y liberando la expresión. La oscuridad inefable plasmada en las placas radiográficas, el dolor liberado. Casi una experiencia metafísica.

“Creamos suelos de cartón.                                                                                                                                   Luego te das cuenta que nunca los pisas.                                                                                                   Que tu alma siempre fue libre.                                                                                                                           Y al girar sobre tu mismo con los brazos abiertos,                                                                                       rozas ese otro mundo imaginario.                                                                                                                           Donde realmente estás.”

 

http://gemacasas.com/7-14-del-no-estado/

http://ufca.es/categoria-producto/libros-de-fotografia/

http://ufca.es/ufca-presenta-7-14-del-no-estado-de-gema-casas/