12 de febrero 2017. Domingo. Libretto. Julia Borissova.

Después de una semana intensa y de varios días lejos del blog, me viene una pequeña reflexión a la mente, un poco contradictoria. El nuevo y encantador libro de Julia Borissova la acompaña.

Libretto. Julia Borissova. Auto editado. 

 

Tapa dura, con fieltro, atado con una banda. 17 x 10,5 cm. Leporello.

Blanco y negro y color. 38 paginas, unas recortadas. Hecho a mano.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 19/105.

Auto editado, 2016.

 

Entre imaginario y realidad construye Julia Borissova su nuevo libro, como si fuese un escenario de teatro. Libretto explora las relaciones entre fotografía y teatro, como espacio de representación, mezclando imágenes encontradas y las propias de Borissova.

 

 

Ella mas que un libro construye un propio teatro en tres dimensiones, en el que todos podemos interactuar. Entran en escena historia, deseo, memoria y olvido, y la vida se rompe en mil fragmentos, que intentamos recomponer.

 

Hay mucha melancolía en Libretto, pero también un juego, lleno de encanto y ligereza, a pesar de lo profundo y dramático. A Play, dicen los ingleses. Ademas de representar, este escenario nos permite crear nuestra propia historia, tanto actores como espectadores ante las imágenes.

 

 

En toda fotografía está presente la muerte, dijo Barthes, en ese intento de transmisión de algo inefable.

Con mas ligereza, mi modesto intento de retransmitir en esta pagina  mi amor por algo que muchas veces se escapa, que en la realidad es difícil de compartir. Estamos aquí unos pocos, en este pequeño escenario, que por mi parte es mi día a día. Pero a menudo, desde este reducto virtual e ilusorio, olvido que poca gente está invitada a esta función, o incluso sabe de su existencia. Abrir las puertas del pequeño mundo del fotolibro es lo que intento, de manera a veces excesiva, aprendiendo, muy poco a poco. Seguimos adelante, mientras haya libros como este de Julia Borissova.

 

http://juliaborissova.ru/Julia_Borissova_PhotoSite/Libretto.html

https://elephantmag.com/life-as-theatre/

 

 

 

 

 

7 de febrero 2017. Hysteron. Nagore Legarreta.

Hysteron. Nagore Legarreta. Banizu Nizuke.

 

En lata dorada, letras negras pintadas a mano con plantilla. 22 x 6cm. Libro, 14,5 x 14,5cm. Serigrafía, mismo tamaño. Vinilo.

Fotografías y proyecto, Nagore Legarreta.

Músicos, Aida Torres, Beñat Iturrioz, Mariano Hurtado.

Textos, escondidos entre paginas, en euskera, Danele Sarriugarte, Gorka Setien.

Edición y producción, Pablo Salgado, Banizu Nizuke.

Ilustración, maqueta y diseño, Ramon M. Zabalegi.

Encuadernación a mano con cinta de esparadrapo negra.

1° edición. Tirada 270.

Nagore Legarreta, Banizu Nizuke. 2016

 

 

Los libros se esconden en los lugares mas inesperados, como aquí en una lata de conservas. Nagore Legarreta ( Hernani 1981), fotógrafa y profesora de fotografía, trabaja desde hace años con cámaras estenopeicas usando cualquier tipo de caja para atrapar la luz. Para este proyecto ha usado una gran lata de conserva preparada con 4 orificios, poniendo en su interior papel fotográfico. Es su segunda publicación, después de Edipotoa, en 2011, con la misma editorial.

 

Hysteron ( útero en griego ) nace en 2014, como una respuesta intima a un profundo malestar por la antigua opresión hacia la mujer y su cuerpo, la lucha por su identidad. El espacio de la relación consigo mismo y con los otros es el cuestionado aquí, de manera intensa y muy potente, sobre fondo negro. Con una técnica primitiva, sin apenas manipulación, Nagore crea y representa una serie de imágenes de cuerpos desnudos y fragmentados, en movimientos de danza o lucha que también tiene mucho de primitiva. Los cuerpos se tocan, se empujan o se entrelazan, en tensión, con violencia.

 

Entre “performance” o ceremonia pagana, los figuras fragmentadas transmiten miedos,  rechazos, sufrimiento, confrontación, pero también acercamiento entre los cuerpos y liberación.

 

Nagore ha presentado este trabajo ya en varios espacios, Donostia, Oñati o Madrid, en el marco de PhotoEspaña 2016. El formato es aquí muy distinto, y el objeto tan artesanal, el contenedor en este caso, le da otra dimensión. La lata, cerrada, virgen podríamos decir, es mucho mas que una simple recreación de la herramienta, la lata estenopeica. Solo una agresión, por muy suave que sea, nos permite llegar al corazón de la obra.                            Los textos escondidos entre las paginas necesitarán una nueva manipulación para llegar hasta ellos. Nagore ha cuidado mucho la encuadernación para conservar intacta la naturaleza de las fotografías salidas de la cámara oscura. Gracias a la cinta, ni cosido ni grapa  interrumpen o cortan la secuencia original.

 

Entre las fotografías se han conservado, de manera acertada, las huellas de la manipulación, los errores y manchas de tinta. Son parte del proceso, al igual que lo son los textos y la serigrafía  o el vinilo que acompaña el libro, grabado con instrumentos hechos a mano también. Hysteron es, al final, una obra táctil, múltiple y coral, presentada como tal en directo. El objeto es el perfecto resultado de un camino largo recorrido entre muchos, fabricado por muchas manos. Íntimo en su significado y su pequeño formato, muy intenso, transciende lo personal en una historia de superación. Aquí, en contra de lo que parecía en un primer momento, más que diseño hay un evidente y necesario envoltorio-contenedor capaz de retransmitir todo lo sentido y vivido a lo largo del proyecto. Impresionante trabajo.

Zikinbrillante !!!!

 

“Lanpara itzalien

joan etorri eta desfilea dator gero.

Lanpara itzalien lehenengo eginbeharra

lanpara piztuak itzaltzea da.

Amorruak piztuko al ditu amorruak piztuko amorruak”. Gorka Setien.

 

http://www.nagorelegarreta.com/hysteron2.html

http://www.banizunizuke.com/tienda/hysterion/

https://fotoeskola.wordpress.com

http://www.aspacontemporary.com/nagore-legarreta-hysteron/

http://generoyfigura.com/portfolio/nagore-legarreta/

 

 

 

17 de diciembre 2016.7-14 del No Estado. Gema Casas.

7-14 del No Estado. Gema Casas. Auto editado.

 

 

En estuche, libro , caja y radiografía. 30,5 x 23 cm. Libro, 23×17 cm, tapa blanda. 72 paginas, blanco y negro. Cosido Singer.

Fotografías, Gema Casas. Impresión digital, papel estucado mate 250 gr.

1° edición, firmada. Tirada 100. Esta, una de las 20 de edición especial.

Gema Casas, 2016.

 

 

Gema Casas es una fotógrafa española ( Mollina, 1970 ). Vive y trabaja en el Campo de Gibraltar. Radióloga, se inicia a la fotografía en 2012, recibiendo dos años mas tarde una beca del colectivo UFCA. Acaba estos días de tener una exposición en la galería del mismo nombre en Algeciras.

 

 

7-14 es el ciclo del sueño durante la hipnosis, nos dice Gema. Un momento de un estado otro, “ailleurs”, dirían los franceses, con una palabra a la que no encuentro equivalente en español. Otra parte, otro lugar, otro espacio, entre realidad y sueño.

 

 

Gema nos muestra, o nos sugiere, ( ¿como mostrar un no estado? ) un momento de ingravidez, en el que dejamos lo mas profundo de la mente aflorar a la superficie, otro estado de percepción. Gema captura ese estado a través del soporte de la radiografía, estableciendo el lazo entre su trabajo profesional y su practica y mirada artística.

 

 

Las fotografías reveladas aquí son momentos de abandono, intensos y dolorosos. Momentos en los cuales se pierde pie con la realidad, y los sueños, o pesadillas, se apoderan de nosotros. Una intimidad revelada por la luz, una total desnudez…

 

Las fotografías son a menudo recuerdos que queremos conservar, pero las radiografías de Gema van mucho mas allá. Ella nos lleva por caminos poco transitados, por un terreno oculto que tememos descubrir. En el No Estado, no queda donde resguardarse, solo queda rendirse a su propio estado emocional, dejarse llevar a otra dimensión, reconocer sus miedos.

 

 

7-14 del No Estado es un libro exigente, que no dejará a nadie insensible. Es la muestra de un lenguaje personal, único, intimo y de una gran sensibilidad. Radiografías, perfecta metáfora, luz que descubre algo que tenemos dentro y no dejamos escapar, aquí luz negra atravesando y liberando la expresión. La oscuridad inefable plasmada en las placas radiográficas, el dolor liberado. Casi una experiencia metafísica.

“Creamos suelos de cartón.                                                                                                                                   Luego te das cuenta que nunca los pisas.                                                                                                   Que tu alma siempre fue libre.                                                                                                                           Y al girar sobre tu mismo con los brazos abiertos,                                                                                       rozas ese otro mundo imaginario.                                                                                                                           Donde realmente estás.”

 

http://gemacasas.com/7-14-del-no-estado/

http://ufca.es/categoria-producto/libros-de-fotografia/

http://ufca.es/ufca-presenta-7-14-del-no-estado-de-gema-casas/

 

 

 

 

 

15 de diciembre 2016. Echo. Jungjin Lee.

Echo. Jungjin Lee. Spector Books.

 

Tapa dura. 30,5×22 cm. 124 paginas, 8 desplegables. Color y blanco y negro.

Fotografías, Jungjin Lee. Texto, en alemán e inglés, Thomas Seelig, Liz Wells, Lena Fritsch, Hester Keijser.

Edición, Doris Gassert, Thomas Seelig.

Diseño, Helmut Völter.

Traducciones, Ishbel Flett, Kevin Kennedy.

Litografía, Hausstätter Herstellung, Berlin. Imprenta, DZA Druckerei zu Altenburg.

1° edición, firmada. Spector Books, Fotomuseum Winterthur. 2016.

 

Echo es el catalogo publicado para la exposición de Jungjin Lee ( 1961,Corea ) en el Fotomuseum de Winterthur, exposición que se puede ver hasta el 29 de enero de 2017. Jungjin Lee estudio en EE-UU,  (sigue viviendo entre Nueva York y Seul ), y es allí una fotógrafa muy reconocida, con obra en los mas grandes museos. Su reconocimiento en Europa llego mas tarde, después de su participación en el proyecto colectivo en Israel y Cisjordania ” This Place” y su posterior publicación por Mack,  Unnamed Road, en 2014. Tiene publicados bastantes libros ya, el ultimo  Everglades con Nazraeli.

 

 

 

El catalogo recorre 11 trabajos, del año 1989, Untitled, al año 2007, con Wind.Unos trabajos que tienen que ver con el paisaje, en este caso del desierto de Estados Unidos, con el espacio, geometría y materia, y también con la cerámica, que ha estudiado Jungjin Lee en Corea. Un recorrido entre el este y el oeste, la muestra de una identidad tanto occidental como marcada por la cultura asiática y su origen.

 

 

Lo que salta a la vista primero es el aspecto de  las fotografías. Jungjin Lee pasa una emulsión liquida “Liquid Light”, con brocha, sobre papeles tradicionales Coreanos, papel de arroz hecho a mano. Eso hace que tengan una textura especial, pareciendo mas pintura que fotografía. Así se pone en evidencia el camino de la artista, la búsqueda poética y profunda del espíritu de la materia y el espacio. El resultado no es abstracto,  y aunque tiene mucho de minimalista, es táctil y orgánico, como una respiración o un susurro.

 

 

Jungjin Lee nos acerca a la meditación. Hay en su trabajo un elemento espiritual y poético, arraigado en la esencia misma de la materia y el espacio. Sus obras casi nunca tienen presencia humana, si no en su huella, su paso y su memoria. Las cerámicas , cual unos tótems, son recipientes de tiempo y de memoria, incorporada en la textura  de las mismas.

 

 

Toda su obra nos habla de levedad y peso, de lo corpóreo y lo espiritual, de materia, densidad y aire. Del occidente y oriente. De la permanencia y lo etéreo.                                     Nos hace ser conscientes del espacio que ocupamos, y de la belleza del vacío y sus limites. Sin presencia humana, sin embargo, su obra es profundamente humana, recordándonos el valor de la vida en sus pequeños detalles, la sencilla poesía de lo cotidiano.

 

 

Mis fotografías son pobres para transmitir la calidad de estas imágenes. Solo se puede adivinar la sensación que crea el papel Hanji, su delicado aspecto. En el se posa la arena, se fijan las raíces, en el las pagodas se extienden altas y profundas, en el el mar es espeso. En el corre el viento.

 

https://jungjin-lee-oh21.squarespace.com

http://spectorbooks.com/echo

 

 

11 de diciembre 2016. You could even die for not being a real couple. Laura Lafon.

You could even die for not being a real couple. Laura Lafon. Crowdbooks.

Tapa dura, de terciopelo, con letras en oro. 22,5×17 cm. Color. 208 paginas.

Fotografías y texto, Laura Lafon, Martin Gallone.

Texto en inglés y francés. Postface, Philippe Azoury.

4 paginas, en rojo, de texto.

 

Diseño, Esteban Gonzalez.

Producción, Stefano Bianchi.

Papel, Gardapat Kiara 135 gr, GSK red 100 gr. Tipografía, Sabon Roman, Arial Black, Zapfino, ATW.

1° edición. Tirada 500.

Publicado con crowfunding. Crowdbooks. Mayo 2016.

 

Ando muy retrasada últimamente con este blog, y este libro tendría que haber aparecido aquí hace tiempo. Laura Lafon es una joven fotógrafa francesa ( Toulouse, 1989 ). You could even die for not being a real couple es su segunda publicación, después de Je ne veux plus vous voir (mais c’est provisoire), auto publicado en 2013.

 

 

You could even die for not being a real couple es una historia de amor y de falta de libertad. Laura y su amigo Martin viajaron a Kurdistan, al este de Turquía en 2013. La joven pareja vive allí en directo lo que es un amor prohibido, sus restricciones y el rechazo de una sociedad. El libro es el diario de ese viaje, la historia de Laura y Martin frente a las miradas de esa sociedad y sus tabúes. Es también el encuentro y diálogo con sus habitantes y sus reacciones.

“Are you married?

-No! We are only 24 !

-How long have you been together?

-Euh, maybe two months.

-But you know, we are not really a couple.

-But you know, here, you could even die for not being a real couple!”

 

You could even die for not being a real couple, con su bello terciopelo y letras y corazones de oro, como algo precioso y sagrado, nos recuerda a los bellos álbumes de fotos de boda, lujosos recuerdos de un día soñado. Pero al abrir el libro nos encontramos con muchas lecturas, mezcladas entre si, siguiendo el hilo de Laura y Martin. Así, a las imágenes intimas de la pareja, (occidental, libre, sin compromiso), se añaden las  la pareja “representando” ser una pareja oficial en Kurdistan. Dos mundos separados entre si, dos realidades bien distintas  que Laura consigue sin embargo reunir.

 

 

Se hacen evidentes a lo largo del viaje y de los encuentros los problemas a los que se enfrenta la pareja, la religión, el papel de la mujer en una sociedad patriarcal, la violencia física y psíquica ejercida contra ella, el sometimiento al que se ve abocada…

 

Laura Lafon, que estudió ciencias políticas y se interesa por los temas de genero y el papel de la mujer en la sociedad,  viaja con su compañero con la idea de preguntar que es el amor, un tema universal que sin embargo tiene muy distintas respuestas a lo largo del viaje. Sexo, libertad, matrimonio, homosexualidad o identidad están tratados aquí, de manera encubierta, con fotografías furtivas, o a la luz del día, con la evidente presencia de hombres en los cafés…. y mujeres solas de noche escondiéndose.

 

La fuerza del libro es, también, la historia de amor entre Laura y Martin entremezclada con el trasfondo, transformada por el , por el paisaje y las circunstancias. Laura describe una situación de opresión, deshonra y falta de libertad, pero sin juzgar a las personas con quien se cruza. Al final de la historia, con el ultimo dialogo, aparece la fatiga, una languidez, una desilusión. Tampoco en nuestros países occidentales, aún con libertad,   podemos dar lecciones de amor…

“C’était plutôt pour la rime. Est-ce-que je te gêne? Je t’aime. Tu vois, c’était joli quoi!

-Mais ça veut dire quoi?

-Ben que je t’aime, que j’aime que tu sois là, que j’aime parce que c’est simple et rigolo, que j’aime être avec toi, ici là…

-Oui mais pas comme ça ! Là ça avait l’air d’un vrai “je t’aime”.

-Parce qu’il peut y avoir des faux “je t’aime”?

 

http://lauralafon.com/you-could-even-die-for-not-being-a-real-couple

https://store.crowdbooks.com/product/you-could-even-die-for-not-being-a-real-couple/?attribute_pa_signed=yes

 

19 de noviembre 2016. Automagic. Anouk Kruithof.

Automagic. Anouk Kruithof. RM Ediciones y Stresspress.biz.

 

 

En caja de acrílico, 10 cuadernos sin tapa. 23×17 cm. Color y blanco y negro. 768 paginas en total. Diferentes papeles.

Concepto, edición e imágenes, Anouk Kruithof.

Diseño, Piera Wolf.

Texto (ultimo cuaderno), en inglés, holandés y español, entrevista con Iñaki Domingo.

1° edición, firmada ” with a kiss”. Tirada 1000. Esta con copia original.

Publicado por RM ediciones y Stresspress.biz, con apoyo de Mondriaan Fonds y campaña de crowfunding. 2016.

 

 

 

 

Automagic es la ultima publicación de Anouk Kruithof, artista holandesa afincada actualmente en México ( 1981 ), que ya hemos visto aquí con anterioridad. Se presenta como un libro de artista, enorme y fabuloso objeto en su concepto y realización.

 

Automagic, dedicado a la memoria de Ray K. Metzer  y su libro del mismo titulo, es una obra gigantesca en tamaño ( Mas de 700 paginas, 528 fotografías ) y en concepto, un enorme archivo de fotografías sacadas entre 2003 y 2015. 9 cuadernos distinguidos por colores, y uno de texto, separados para facilitar su lectura, con un bello diseño.

 

 

Anouk trabaja con sus propias fotografías, sacadas con pequeños aparatos portátiles, incluso teléfonos,  haciendo mezclas, recortes, collages, capturas de pantalla, o incluso fotografiando la propia pantalla del ordenador. Distintos tratamientos y distintos papeles para cada uno de ellos. Así nos presenta un trabajo que es una exploración visual del mundo,  gracias a la magia de la tecnología.

 

 

Automagic es ante todo un trabajo orgánico, en proceso continuo, sobre la capacidad que tiene la fotografía , con la colaboración del ordenador, de crear, comunicar y transmitir una manera de mirar el mundo.

 

La exploración es infinita y puede resultar caótica, aunque hay aquí una forma de narración, que podemos seguir entre los cuadernos. Una narración libre y compleja, entre capas y fragmentos, distintos momentos y lugares.

 

 

Automagic parte de la A, cuaderno azul, el agua ( la imagen liquida ?). El agua y el fondo subacuático, como liquido amniótico,  principio de todo, creador de vida. Anouk nos invita a descubrir un mundo atractivo y misterioso, sensual pero también angustioso.

A partir de ahí surgen retratos, en colores vivos, en fragmentos recortados o capas superpuestas, fotografías vueltas del revés. Fusión de almas o imposible comunicación? Las paginas están aun por escribir.

 

Paisajes y naturaleza intervenida con flashazos y retoques con ordenador conforman un decorado angustioso en el cuaderno T. La pantalla, visible,  nos aleja de la naturaleza real.

 

 

Psicodelismo y tecnología, formas geométricas, ventanas abiertas o cerradas, todos son elementos tanto estructurales como alienantes. El hombre parece atrapado, victima de artefactos y cámaras de vigilancia.

 

 

La narración de Kruithof no sigue ninguna cronología, ni camino evidente. Hay que perderse en el paisaje, herido por los desperdicios y desechos del hombre, o entre sus autorretratos, llorando, en el libro rojo, asociados a fotos de destrucción tras un huracán. Rojo pasión para una inestabilidad emocional, un difícil equilibrio.

 

 

Mas que ese equilibrio imposible en el mundo actual, lo que busca el libro es un maelstrom visual y sensorial, una ruptura, con ventanas por donde poder escapar.

 

El libro blanco, G, que conecta con el negro, presenta imágenes de momentos mas extremos, trance, alcohol, música, sueño, abandono, insomnio. Unas imagenes que nos acercan en cierta manera a la muerte, atravesadas por una explosión de color, en forma de vela, derritiéndose y mezclándose entre las paginas del libro. Imágenes simbólicas y espirituales.

 

Automagic va de la vida hasta la muerte, en un recorrido muy sorprendente. En alegres colores pastel, Anouk Kruithof representa una serie de mausoleos reconstruidos. Final del camino.

 

 

Lo que parecía una fiesta se transforma en una meditación sobre nuestra condición mortal, nuestra relación con la tierra y la naturaleza. Un canto visual a la creación artística, con múltiples repertorios, complejo, denso y misterioso. Un libro impresionante, ambicioso, que habrá que seguir explorando, hasta descubrir todos sus tesoros. Automagic es también una escultura, un objeto abstracto perfecto, un contenedor de memoria y experiencias.

 

http://www.anoukkruithof.nl/automagic-book

http://www.editorialrm.com/2010/product.php?id_product=377

http://www.stresspress.biz/product/automagic

 

28 de octubre 2016. Anthropoides Paradiseus. Isabelle Evertse.

Anthropoides Paradiseus. Isabelle Evertse. A-Jump Books

 

Tapa dura, cartón. 28×21 cm. Color y blanco y negro. 72 paginas. Encuadernación japonesa.

24 fotografías, Isabelle Evertse. Texto, en inglés, Aaron Schuman.

Diseño, Kummer& Herrman. Impresión, Cassochrome.

1° edición. A-Jump Books.

 

Isabelle Evertse es una fotógrafa nacida en Africa del Sur. Es también comisaria y editora, afincada en Francia. Fundó la revista piK Magazine, y es tambien la creadora del magazine Co-Curate, con Aaron Schuman. Ha publicado ya otro libro, Burnish (Empty Stretch ).

 

 

Anthropoides Paradiseus es el nombre científico de la grúa azul, el pájaro emblemático de África del Sur, un ave migratoria. Isabelle, con este bonito libro azul como el pájaro, nos habla de su origen, sus recuerdos familiares, su historia. El nacimiento de su primer hijo ha sido lo que le ha llevado a interrogarse sobre su propia infancia y su vida.

 

 

 

Lo hace de una manera peculiar, ocultándonos una gran parte de imágenes,  en muchas paginas dejadas en blanco, con el hueco vacío de la fotografía. Ademas, adivinamos que las paginas ocultas de la encuadernación japonesa podrían  haber encerrado mas recuerdos, pero el papel muy fino solo deja ver la ausencia en transparencia.

 

 

El relato empieza por un cuadro antiguo bien conocido, el retrato de Gabrielle d’Estrées y su hermana, un símbolo de maternidad. Siguen fotos de recuerdos familiares, recortadas o cuyos rostros han sido borrados, fotografías de aviones, niños, el dibujo de un feto…Solo son pistas que nos da de su vida, recuerdos personales mezclados con sus propias fotografías recientes. ¿ Ha volado el padre como el pájaro, buscando otras tierras y paisajes? Maternidad , recuerdos de infancia y padre ausente conforman un puzzle descompuesto, con el ritmo entrecortado por las paginas en blanco.

 

 

Isabelle , con delicadeza, intenta recomponer las piezas. Hay luces y sombras, en fotografías sensibles, intimas y melancólicas, entre paisajes solitarios o tortuosos. La maternidad parece haber traído la paz. Así lo simbolizan las flores de granada y los cristales de aragonito.

 

 

En un libro muy sutil, con muy poco ruido, Isabelle nos sugiere el caos de la ruptura, el apego al lugar de la infancia, el poder de los recuerdos, la necesidad de raices. Las paginas en blanco bien podrían ser las ausencias , idas y venidas, como las del ave azul, que dejan una marca indeleble. El relato de Aaron Schuman narra el malestar de un padre de familia y su culpabilidad frente a su hija y esposa, en la normalidad del hogar. Existen las tormentas silenciosas… Isabelle Evertse nos cuenta su propia historia y bajo el anonimato, la hace universal.

 

http://cargocollective.com/isabelleevertse/HOME

http://a-jumpbooks.com/books/anthropoides-paradiseus/