20 de diciembre 2016. Matter/Burn out, Daisuke Yokota. And, where did the peacocks go, Miho Kajioka . Greetings from Hondarribia…

 

Para celebrar las fiestas, encedamos una hoguera…

 

 

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A modo de balance, propio a esta época del año, repaso el blog y compruebo que ha habido libros de todo tipo aquí a lo largo de estos meses. Aunque esta pagina no tiene vocación a mostrar todo el panorama actual de los fotolibros, veo un conjunto ecléctico, con algunas tendencias marcadas. Hay muchos libros…y faltan tantos !!!  Cada uno es un descubrimiento, una cajita abierta y quizá, un tesoro dentro.

Escribir esto ahora después de los acontecimientos de ayer no es facil, y la sensación es incómoda… El año que acaba ha sido fuerte en conmociones, preguntas, miedos y dudas. Muchos libros nos interrogan sobre el mundo en que vivimos, convulso, aterrador, lleno de incertidumbre. Desde el punto de visto de la imagen, su alcance y significado, desde nuestra propia identidad y el lugar que ocupamos, con desaliento, desesperación, rabia o impotencia ante lo que ocurre alrededor nuestro. Desde nuestra vida intima, nuestros desórdenes emocionales o afectivos…

Los libros no nos dan las respuestas, solo plantean mas preguntas. Abren puertas. Provocan desasosiego, desestabilizan. En el mas suave de los casos, nos confortan y alivian, nos ayudan a entender el mundo.

Como la música, unos días necesitas los libros alegres, otros días buscas los tristes. Como salir a ver el mundo o refugiarse en lo cotidiano. Aguantar un temporal o buscar la calma.

Los dos libros que enseño hoy vienen de Japón. De alguna manera,  muy distinta, hablan los dos de resistencia y redención. De la vida posible después de la muerte. Siempre quedará la posibilidad de una imagen, su emoción, su poesía.

 

Uno, Daisuke Yokota, lo hace quemando lo viejo y de ahí sacando una obra nueva. Con radicalidad y violencia, sin miedo a destruir su antiguo trabajo, en Matter/ Burn out, el fuego es el artífice ante la cámara. Del fuego sale una meditación sobre la materia, su estructura y su intensidad, su belleza orgánica, casi animal,  su fuerza, su victoria sobre el tiempo.

Unas secuencias que me recuerdan al libro Requiem, de Bertok…

 

 

 

 

Miho Kajioka ( Japón, 1973), sigue un tiempo mas lento, tiene otras armas, no menos intensas. La belleza de sus imágenes, casi imperceptibles por momentos, silenciosas, deja sin aliento. Pero afloran las siluetas de un paisaje desolado, el de Fukushima, como fantasmas, a punto de desaparecer.

 

 

La vida es tenue,  pero florecen de nuevo los cerezos. Su fotografía es serena, y tan delicada que parece un sueño, como lo es la vuelta de los bellos pavos reales desaparecidos. Nos enseña la belleza, incluso en una tierra baldía. En tiempos como los de hoy, esta dulzura me da sosiego.

 

 

“We chose the way to walk ahead.                                                                                                            The energy will come to us if we try to make the dream into a good dream.                               We shall walk all the ways                                                                                                                             We chose the way to walk ahead                                                                                                                   The energy to do our best                                                                                                                                      If we spread our courage to everyone                                                                                                               They will give us more courage                                                                                                                     It must be possible if we try                                                                                                                           The energy will come to us if we try/if we try,                                                                                         If we try and if we try                                                                                                                                             The energy will come to us.”

 

 

Avanzar hacia lo nuevo y desconocido, sin temor, con ligereza, es uno de mis propósitos para el año nuevo. Seguir viendo, y compartiendo, nuevas imágenes. Aunque el año que viene entrarán menos libros, porque así está la situación…no será con menos ganas e ilusión. Y espero pronto, con proyectos nuevos !  Os deseo a cada uno, con la misma energía,  encontrar lo que buscáis, o soñáis, nuevas imágenes,  un libro nuevo, una exposición, o un trabajo. Aquí seguimos viéndonos, si os apetece. Felices fiestas a todos !

 

Let’s start a fire ! Let us burn 2016 !!!  Let’s start from new ! Beauty, energy, and peace of mind, that’s my wish for everybody… Happy Christmas, (or whatever you want to celebrate), for all of you, photobooks freaks ! Greetings from Hondarribia !

 

Matter/ Burn out. Daisuke Yokota. Artbeat publishers. 

 

Tapa blanda. 28×21 cm. 304 paginas. Blanco y negro y color.

Fotografías, Daisuke Yokota. Editor, Shigeo Goto.

1° edición, firmada. Tirada 1000. 2016.

Artbeat Publishers. Japón.

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And, where did the peacocks go? Miho Kajioka. Auto editado.

 

Tapa blanda, leporello. 22,5 x 18,5 cm.

Fotografías, texto, en japonés e inglés, y diseño, Miho Kajioka.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 36/50.

Auto editado. 2016.

 

 

 

http://a-b-p.jp/matter-burn_out.html

http://www.photobookstore.co.uk/photobook-matter-|-burn-out.html#.WFh0ChQS-Ls

http://mihokajioka.com

http://www.galerievu.com/detail_exposition.php?id_exposition=159&id_photographe=98

http://www.cadadiaunfotografo.com/2016/09/miho-kajioka.html

 

 

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17 de diciembre 2016.7-14 del No Estado. Gema Casas.

7-14 del No Estado. Gema Casas. Auto editado.

 

 

En estuche, libro , caja y radiografía. 30,5 x 23 cm. Libro, 23×17 cm, tapa blanda. 72 paginas, blanco y negro. Cosido Singer.

Fotografías, Gema Casas. Impresión digital, papel estucado mate 250 gr.

1° edición, firmada. Tirada 100. Esta, una de las 20 de edición especial.

Gema Casas, 2016.

 

 

Gema Casas es una fotógrafa española ( Mollina, 1970 ). Vive y trabaja en el Campo de Gibraltar. Radióloga, se inicia a la fotografía en 2012, recibiendo dos años mas tarde una beca del colectivo UFCA. Acaba estos días de tener una exposición en la galería del mismo nombre en Algeciras.

 

 

7-14 es el ciclo del sueño durante la hipnosis, nos dice Gema. Un momento de un estado otro, “ailleurs”, dirían los franceses, con una palabra a la que no encuentro equivalente en español. Otra parte, otro lugar, otro espacio, entre realidad y sueño.

 

 

Gema nos muestra, o nos sugiere, ( ¿como mostrar un no estado? ) un momento de ingravidez, en el que dejamos lo mas profundo de la mente aflorar a la superficie, otro estado de percepción. Gema captura ese estado a través del soporte de la radiografía, estableciendo el lazo entre su trabajo profesional y su practica y mirada artística.

 

 

Las fotografías reveladas aquí son momentos de abandono, intensos y dolorosos. Momentos en los cuales se pierde pie con la realidad, y los sueños, o pesadillas, se apoderan de nosotros. Una intimida revelada por la luz, una total desnudez…

 

Las fotografías son a menudo recuerdos que queremos conservar, pero las radiografías de Gema van mucho mas allá. Ella nos lleva por caminos poco transitados, por un terreno oculto que tememos descubrir. En el No Estado, no queda donde resguardarse, solo queda rendirse a su propio estado emocional, dejarse llevar a otra dimensión, reconocer sus miedos.

 

 

7-14 del No Estado es un libro exigente, que no dejará a nadie insensible. Es la muestra de un lenguaje personal, único, intimo y de una gran sensibilidad. Radiografías, perfecta metáfora, luz que descubre algo que tenemos dentro y no dejamos escapar, aquí luz negra atravesando y liberando la expresión. La oscuridad inefable plasmada en las placas radiográficas, el dolor liberado. Casi una experiencia metafísica.

“Creamos suelos de cartón.                                                                                                                                   Luego te das cuenta que nunca los pisas.                                                                                                   Que tu alma siempre fue libre.                                                                                                                           Y al girar sobre tu mismo con los brazos abiertos,                                                                                       rozas ese otro mundo imaginario.                                                                                                                           Donde realmente estás.”

 

http://gemacasas.com/7-14-del-no-estado/

http://ufca.es/categoria-producto/libros-de-fotografia/

http://ufca.es/ufca-presenta-7-14-del-no-estado-de-gema-casas/

 

 

 

 

 

15 de diciembre 2016. Echo. Jungjin Lee.

Echo. Jungjin Lee. Spector Books.

 

Tapa dura. 30,5×22 cm. 124 paginas, 8 desplegables. Color y blanco y negro.

Fotografías, Jungjin Lee. Texto, en alemán e inglés, Thomas Seelig, Liz Wells, Lena Fritsch, Hester Keijser.

Edición, Doris Gassert, Thomas Seelig.

Diseño, Helmut Völter.

Traducciones, Ishbel Flett, Kevin Kennedy.

Litografía, Hausstätter Herstellung, Berlin. Imprenta, DZA Druckerei zu Altenburg.

1° edición, firmada. Spector Books, Fotomuseum Winterthur. 2016.

 

Echo es el catalogo publicado para la exposición de Jungjin Lee ( 1961,Corea ) en el Fotomuseum de Winterthur, exposición que se puede ver hasta el 29 de enero de 2017. Jungjin Lee estudio en EE-UU,  (sigue viviendo entre Nueva York y Seul ), y es allí una fotógrafa muy reconocida, con obra en los mas grandes museos. Su reconocimiento en Europa llego mas tarde, después de su participación en el proyecto colectivo en Israel y Cisjordania ” This Place” y su posterior publicación por Mack,  Unnamed Road, en 2014. Tiene publicados bastantes libros ya, el ultimo  Everglades con Nazraeli.

 

 

 

El catalogo recorre 11 trabajos, del año 1989, Untitled, al año 2007, con Wind.Unos trabajos que tienen que ver con el paisaje, en este caso del desierto de Estados Unidos, con el espacio, geometría y materia, y también con la cerámica, que ha estudiado Jungjin Lee en Corea. Un recorrido entre el este y el oeste, la muestra de una identidad tanto occidental como marcada por la cultura asiática y su origen.

 

 

Lo que salta a la vista primero es el aspecto de  las fotografías. Jungjin Lee pasa una emulsión liquida “Liquid Light”, con brocha, sobre papeles tradicionales Coreanos, papel de arroz hecho a mano. Eso hace que tengan una textura especial, pareciendo mas pintura que fotografía. Así se pone en evidencia el camino de la artista, la búsqueda poética y profunda del espíritu de la materia y el espacio. El resultado no es abstracto,  y aunque tiene mucho de minimalista, es táctil y orgánico, como una respiración o un susurro.

 

 

Jungjin Lee nos acerca a la meditación. Hay en su trabajo un elemento espiritual y poético, arraigado en la esencia misma de la materia y el espacio. Sus obras casi nunca tienen presencia humana, si no en su huella, su paso y su memoria. Las cerámicas , cual unos tótems, son recipientes de tiempo y de memoria, incorporada en la textura  de las mismas.

 

 

Toda su obra nos habla de levedad y peso, de lo corpóreo y lo espiritual, de materia, densidad y aire. Del occidente y oriente. De la permanencia y lo etéreo.                                     Nos hace ser conscientes del espacio que ocupamos, y de la belleza del vacío y sus limites. Sin presencia humana, sin embargo, su obra es profundamente humana, recordándonos el valor de la vida en sus pequeños detalles, la sencilla poesía de lo cotidiano.

 

 

Mis fotografías son pobres para transmitir la calidad de estas imágenes. Solo se puede adivinar la sensación que crea el papel Hanji, su delicado aspecto. En el se posa la arena, se fijan las raíces, en el las pagodas se extienden altas y profundas, en el el mar es espeso. En el corre el viento.

 

https://jungjin-lee-oh21.squarespace.com

http://spectorbooks.com/echo

 

 

12 de diciembre 2016. Skin Memories. Thomas Mailaender.

Skin Memories 2. Thomas Mailaender. RVB Books

 

Tapa blanda, con lomo de cuero, cada libro distinto. En estuche cartón ( Dos cubiertas distintas ). 32×24 cm. 164 paginas, color y blanco y negro.

20 paginas, distinto papel, con micro perforación para recorte.

Fotografías, Thomas Mailaender, y Alexandre Guirkinger ( obras dentro de la fabrica )

Texto, en francés e inglés, Laure Limongi, Luce Lebart ( con fotografías de Bibliothèque interuniversitaire de Santé, Paris ), Léa Chauvel-Lévy.

Proyecto realizado en  Tanneries Roux, en el marco de la residencia artística de Thomas Mailaender con LVMH Métiers d’Art.

1° edición. Tirada?  RVB Books.

 

Ya hemos visto aquí otros trabajos del francés Thomas Mailander ( 1979 ), siempre investigando en la historia de la fotografía y sus soportes. Skin Memories es un trabajo realizado en una  fabrica de curtiduría, una de las ultimas en Francia, que trabaja con firmas de prestigio.

 

 

Mailaender usa la piel como soporte fotográfico, recordándonos que esta ha sido ya utilizada en los primeros días de la fotografía, sirviendo incluso de experimentación para pioneros como el británico Thomas Wedgwood, usando piel de animal encurtida ya a principios del siglo XIX. Mailaender experimenta para eso con varias técnicas, como cianotipia, proceso Van Dyke , o kallitipia, o un proceso “arcaico” según el mismo autor, como el antotipo, basado en plantas, o el “tie and dye”, con la ayuda y competencia de los artesanos de Roux.

 

Mailander usa varios tipos de materiales de archivo, jugando, como acostumbra, con una iconografía variada, tanto histórica o relacionada con el trabajo del cuero, como altamente simbólica. Soldados de la primera guerra europea, cuando se desarrolló mucho el trabajo de la empresa Roux, supliendo las necesidades del ejercito, animales varios cuya piel es empleada en lujosos artículos de cuero, anuncios antiguos “pervertidos”, collages. Mailaender llega a tratar temas profundos y serios bajo una apariencia humoristica.

 

 

Pero Skin Memories  nos recuerda también el aspecto físico de la piel, su tacto y presencia. Al contrario de las pieles finas, perfectas y sin aspereza que busca la industria de lujo, aquí surgen  surcos, grietas, pelos, superficies. El falso “piel roja” es de piel de vaca imitando al cocodrilo, y los melocotones parecen de piel de melocotón. La piel conserva la memoria del ser vivo que fue, sus estigmas, sus picaduras de insectos como cicatrices. A todo eso Mailaender añade otras capas de significado, otra memoria.

 

 

La piel nunca es anodina. Lleva en ella las huellas profundas de una identidad y una historia. Sirve aquí, como en su origen, de soporte fotográfico para conservar nuestra memoria.  Thomas Mailaender sigue experimentando, (y en este caso esta búsqueda servirá también en la industria del cuero), con técnicas antiguas y artesanales, pero llevando la fotografía por caminos poco o nada recorridos hasta ahora.

 

http://www.thomasmailaender.com

http://www.rvb-books.com/book.php?id_book=139

http://hashtagart.fr/daily/skin-memories-thomas-mailaender-aux-tanneries-roux-avec-lvmh-metiers-dart/

 

11 de diciembre 2016. You could even die for not being a real couple. Laura Lafon.

You could even die for not being a real couple. Laura Lafon. Crowdbooks.

Tapa dura, de terciopelo, con letras en oro. 22,5×17 cm. Color. 208 paginas.

Fotografías y texto, Laura Lafon, Martin Gallone.

Texto en inglés y francés. Postface, Philippe Azoury.

4 paginas, en rojo, de texto.

 

Diseño, Esteban Gonzalez.

Producción, Stefano Bianchi.

Papel, Gardapat Kiara 135 gr, GSK red 100 gr. Tipografía, Sabon Roman, Arial Black, Zapfino, ATW.

1° edición. Tirada 500.

Publicado con crowfunding. Crowdbooks. Mayo 2016.

 

Ando muy retrasada últimamente con este blog, y este libro tendría que haber aparecido aquí hace tiempo. Laura Lafon es una joven fotógrafa francesa ( Toulouse, 1989 ). You could even die for not being a real couple es su segunda publicación, después de Je ne veux plus vous voir (mais c’est provisoire), auto publicado en 2013.

 

 

You could even die for not being a real couple es una historia de amor y de falta de libertad. Laura y su amigo Martin viajaron a Kurdistan, al este de Turquía en 2013. La joven pareja vive allí en directo lo que es un amor prohibido, sus restricciones y el rechazo de una sociedad. El libro es el diario de ese viaje, la historia de Laura y Martin frente a las miradas de esa sociedad y sus tabúes. Es también el encuentro y diálogo con sus habitantes y sus reacciones.

“Are you married?

-No! We are only 24 !

-How long have you been together?

-Euh, maybe two months.

-But you know, we are not really a couple.

-But you know, here, you could even die for not being a real couple!”

 

You could even die for not being a real couple, con su bello terciopelo y letras y corazones de oro, como algo precioso y sagrado, nos recuerda a los bellos álbumes de fotos de boda, lujosos recuerdos de un día soñado. Pero al abrir el libro nos encontramos con muchas lecturas, mezcladas entre si, siguiendo el hilo de Laura y Martin. Así, a las imágenes intimas de la pareja, (occidental, libre, sin compromiso), se añaden las  la pareja “representando” ser una pareja oficial en Kurdistan. Dos mundos separados entre si, dos realidades bien distintas  que Laura consigue sin embargo reunir.

 

 

Se hacen evidentes a lo largo del viaje y de los encuentros los problemas a los que se enfrenta la pareja, la religión, el papel de la mujer en una sociedad patriarcal, la violencia física y psíquica ejercida contra ella, el sometimiento al que se ve abocada…

 

Laura Lafon, que estudió ciencias políticas y se interesa por los temas de genero y el papel de la mujer en la sociedad,  viaja con su compañero con la idea de preguntar que es el amor, un tema universal que sin embargo tiene muy distintas respuestas a lo largo del viaje. Sexo, libertad, matrimonio, homosexualidad o identidad están tratados aquí, de manera encubierta, con fotografías furtivas, o a la luz del día, con la evidente presencia de hombres en los cafés…. y mujeres solas de noche escondiéndose.

 

La fuerza del libro es, también, la historia de amor entre Laura y Martin entremezclada con el trasfondo, transformada por el , por el paisaje y las circunstancias. Laura describe una situación de opresión, deshonra y falta de libertad, pero sin juzgar a las personas con quien se cruza. Al final de la historia, con el ultimo dialogo, aparece la fatiga, una languidez, una desilusión. Tampoco en nuestros países occidentales, aún con libertad,   podemos dar lecciones de amor…

“C’était plutôt pour la rime. Est-ce-que je te gêne? Je t’aime. Tu vois, c’était joli quoi!

-Mais ça veut dire quoi?

-Ben que je t’aime, que j’aime que tu sois là, que j’aime parce que c’est simple et rigolo, que j’aime être avec toi, ici là…

-Oui mais pas comme ça ! Là ça avait l’air d’un vrai “je t’aime”.

-Parce qu’il peut y avoir des faux “je t’aime”?

 

http://lauralafon.com/you-could-even-die-for-not-being-a-real-couple

https://store.crowdbooks.com/product/you-could-even-die-for-not-being-a-real-couple/?attribute_pa_signed=yes

 

7 de diciembre 2016. Vera y Victoria. Mar Sáez.

Vera y Victoria. Mar Sáez. André Frère Éditions. La Kursala.

Tapa blanda. 22×17 cm. 80 paginas. Blanco y negro.

Fotografías, Mar Sáez.

Texto, en papel y formato distintos, en francés e inglés, Lara Moreno. Otra edición en español e inglés. Traducción, Béatrice Pépin, Héloïse Lalanne, Helen Scott.

Edición, Juan Millás, Eduardo Nave, Carlos Luján.

Diseño gráfico, underbau. Impresión, Artes gráficas Palermo.

Editado con motivo de la exposición de Mar Sáez “Vera y Victoria”, en la Kursala , de Cadiz, comisariada por Jesús Micó.

1° edición, firmada en Paris. Tirada ?

Publicado por André Frère Éditions, Marseille. La Kursala, cuaderno n° 57. 2016.

 

 

Vera y Victoria es el primer libro de la fotógrafa murciana Mar Sáez ( Murcia 1983 ). Mar estudió Psicología y Comunicación audiovisual. Compagina su trabajo de fotógrafa freelance  con sus proyectos documentales personales. Últimamente,  Mar se ha interesado por los problemas de genero.

Vera y Victoria cuenta una historia de amor, una sencilla historia de encuentro y amor entre dos personas, dos chicas, una de ellas transexual. Es una historia contada desde un punto de vista muy cercano, algo posible desde una relación de confianza y amistad. Ella consigue un relato intimo y sensible, tratando un tema delicado y del que muy a menudo tenemos una visión dramatizada o tremendista.

 

Mar nos acerca a la historia y a la convivencia entre Vera y Victoria  con fotografías en blanco y negro de matices muy suaves,  resaltando la complicidad entre las dos chicas.

Vera es transexual, pero lo que en un primer momento podría ser un libro sobre ese tema se convierte también en un diario intimo de una sencilla historia de amor, una relación entre personas que se quieren, lejos de miradas sensacionalistas y sin preguntar por identidades.

 

Podemos adivinar los obstáculos pasados, los silencios y recelos, pero lo que aquí percibimos es una vida compartida entre unas personas que son una , después de haber luchado con otro ser que no sentían propio. El diseño del libro nos muestra paginas dejadas medio en blanco. En ese hueco, ese corte está la búsqueda de la identidad y la herida,  algo que solo se colma en los momentos íntimos y compartidos.

 

Mar consigue tratar un tema difícil con mucha sensibilidad, empatía y honestidad, con una complicidad que hace de Vera y Victoria un trabajo personal a la vez que una historia universal. V de victoria , por haber logrado este tan bonito libro.

 

http://www.marsaez.com/projects/vera-y-victoria/

http://www.andrefrereditions.com/livres/nouveautes/vera-y-victoria/

Una entrevista de Mar Sáez en Clavoardiendo:

http://clavoardiendo-magazine.com/mundofoto/entrevistas/mar-saez-orgullo-sin-prejuicio/

 

http://www.control-p.es/laboratorio/mar-saez-vera-victoria/