16 de junio 2017. PhotoEspaña .

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De vuelta de Madrid, unas consideraciones, con espíritu constructivo desde mi reciente experiencia.

 

He tenido la suerte de ser jurado hace muy pocos días del premio al Mejor libro de PhotoEspaña 2017. Recibes un mail invitándote a ser miembro de ese jurado  y sientes un cosquilleo en el estómago, y una gran satisfacción, para que engañarse.

Lo siento como un honor, PhotoEspaña es el mayor festival de fotografía del país, y el premio al mejor libro es un acontecimiento importante dentro del festival. Ser miembro de ese jurado es en cierto modo, (o eso creo), reconocer que tienes un conocimiento en la materia,  la capacidad de emitir un juicio entre tantas publicaciones nacionales e internacionales. Veo muchos libros, escribo sobre ellos, me han pedido listas de “favoritos”, pero eso solo es emitir una opinión personal. Ser miembro, con otras dos personas, de un jurado nacional, conlleva para mi algo mas de consideración o responsabilidad.

PhotoEspaña ha ido creciendo, como el premio al mejor libro, que se da ya en 4 modalidades, nacional, internacional, mejor editorial y la ultima añadida hace dos años de Autoediciones, reconociendo una parte muy importante en el mundo del fotolibro de estos últimos años.

Y aquí empieza mi granito de arena, sin ánimo de enfadar a nadie… Reconociendo, realmente?

Sin haber sido nunca jurado en otros premios, he podido asistir o seguir de cerca su funcionamiento y fallo, con el posterior anuncio de premios, in situ en Paris o Arlés, o por internet.

Publicación de nominados, de preselección, de nombres del jurado con anterioridad, es una práctica habitual en la mayoría de los casos, en los mas importantes festivales o premios mas prestigiosos… Algo que no he visto en Madrid. Todavía, que yo sepa ( ojalá esté confundida), no está publicada la lista de los libros presentes en el interior de la prestigiosa Biblioteca Nacional, solo los que se pueden desplazar allí tienen acceso a ellos…

Yo creo que si queremos hacer una labor de fondo en favor del fotolibro, hay que comprometerse un poco mas y dar unos pasos mas claros y contundentes. Ser muy serios en todo el proceso. Apoyar mas y de mas cerca a los autores y editores dándoles la visibilidad que se merecen. Dar unos premios de verdad, con un poco mas de solemnidad, aunque solo sea un gesto, comunicarlo al mundo… PhotoEspaña se lo puede permitir! Se lo debe permitir, si quiere que desde el panorama nacional e internacional se reconozcan esos premios como se reconocen y valoran otros, que sea un gran escaparate y una verdadera fiesta de los libros. España ha demostrado con creces su importancia en el mundo del fotolibro, sus autores o editores son reconocidos fuera del país, han ganando premios prestigiosos, y PhotoEspaña es un gran festival.

No soy yo quien para dar lecciones a nadie, y solo es mi modesta opinión… pero reconozco que habiendo vivido de cerca estos días el proceso ( muy simpático y absolutamente impecable en su deliberación !), me queda la sensación reflexionando a posteriori,  de algo un poco triste y  fallido, un quiero y no puedo, (o puedo y no quiero ???) El fotolibro, dentro de PhotoEspaña se merece un poco mas de fondo, visibilidad y apoyo, o por lo menos yo lo sueño… Igual este sueño tiene algo de espejismo, con perdón, y soy seguramente muy inocente expresándolo después de haber participado en esta edición, que por otra parte me ha dado tantas satisfacciones viendo los libros premiados.

Quiero agradecer aquí de todo corazón a María García Yelo su invitación ! Poder participar a la elección del mejor fotolibro de PhotoEspaña 2017 ha sido un privilegio y una experiencia muy interesante, y siento que mi ligera frustración puede sonar a capricho. Pero solo escribo estas lineas consciente de la importancia de este premio, y deseando verlo crecer ganando respeto y consideración.

Muchas gracias, espero vuestras reacciones. Pronto mas libros aquí.

 

http://www.phe.es/unexpected-peter-dekens-al-borde-mapa-juanan-requena-barespagnol-pablo-casino-ediciones-anomalas-premios-photoespana-al-mejor-libro-fotografia-del-ano-2/

http://www.phe.es/exposicion/los-mejores-libros-fotografia-del-ano/

http://www.edicionesanomalas.com/producto/al-borde-de-todo-mapa/

http://www.eriskayconnection.com/en/home/53-unexpected.html

http://pablocasino.es/index.php?/bar-espagnol/

http://www.andrefrereditions.com/livres/photographie/phenomena/

 

 

7 de junio 2017. How to tie a tie. Carles Alfonso Roig.

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How to tie a tie. Carles Alfonso Roig. Autoeditado. 2017.

 

Tapa dura, suelta, con goma. 19×12,5 cm. Color. 44 paginas.

Fotografías, Carles Roig.

Textos, Carles Roig, Anne Michaels, Paul Auster, Stéphane Mallarmé, Samuel Beckett, Anna Dodas.

Papel inuro reciclado 160 gr. Cubierta serigrafiada Imitlin nero ER 95, Car embossed con solapa interior 125 gr. Encuadernación  cosida lomo a la vista.

1° edición, dedicada y numerada. Tirada 026 /60.

Carles Roig, abril 2017, Barcelona.

 

Te llega un libro y te conmueve, algo tan personal y universal a la vez. Atrapadas ( con una goma para que no escapen ) entre las paginas de un libro hay muchas emociones, y la fotografía nos permite expresar lo que apenas podemos nombrar, lo inefable e invisible.

 

No conocía a Carles Roig cuando me mandó este librito. Fotógrafo de Barcelona, autodidácta, fundó La retratería en 2002. Trabaja tanto en fotografía comercial como con proyectos personales, y este es su primer libro, “a pesar de su larga trayectoria y por puro respeto”, son sus propias palabras… Y este libro nació de la “necesidad”. Aunque sigo sin conocerle personalmente, siento lazos creados a distancia, bien reales.

 

 

How to tie a tie encierra un momento intimo, el de confrontarse a la realidad de la perdida de un ser querido, el padre del autor, en un gesto de comunión, abandono y despedida. Confrontarse es ponerse ante un espejo y dejar que esa imagen te penetre, o ponerse delante de una cámara y afrontar penas, desamparo y cariño. Y al fin, lanzar ese objeto tan cargado de uno mismo y sus emociones al mundo. Es algo parecido a un exorcismo, un paso necesario para cerrar una herida despues de haberla por fin, expresado.

 

Carles Roig , como Paul Auster antes que el en “The invention of solitude”, se despide de su padre cargando con las corbatas que usaba, un accesorio lleno de símbolismos y quizá algo anticuado, pero muy personal. Siempre  ( o yo por lo menos ) guardamos objetos que nos recuerdan a personas queridas, pequeños detalles que pensamos, de manera tan futíl,  nos conectan a ellas. Como dice Anne Michaels al empezar el libro, “demasiados acontecimientos en la vida de un hombre son invisibles”…

 

How to tie a tie es un libro abierto con una tapa dura y fuerte como una coraza, sostenida por una goma frágil, un lazo que podemos atar y desatar, algo que agarrar. Carles Roig , con mucho pudor y delicadeza, hace visible lo invisible, y nos lo ofrece, con infinita ternura. Gracias.

http://www.carlesroig.com/es

 

2 de junio 2017. Umbra. Mauricio d’Ors.

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Umbra. Mauricio d’Ors. Autoeditado 2017.

Tapa dura. 21x16cm. Blanco y negro. 124 paginas.

Fotografías y edición, Mauricio d’Ors.

Texto, en español e inglés, Carlos  Gollonet. Traducción, Laura Suffield.

Preimpresión, Lucam. Impresión, Brizzolis. Encuadernación, Ramos.

Papel Gardapat 13 kiara 150 gr.

1° edición, tirada 500.

Publicado por Mauricio d’Ors. Febrero 2017.

No sé si Umbra es el primer libro de Mauricio d’Ors, editor, afincado en Madrid, pero si es su primer libro de fotografía. Fue creador de la galería El Escaparate de San Pedro, y lleva el muy bonito blog fotodiariosinpalabras.

Umbra es un diario de sombras, fotografías sacadas con un teléfono móvil, al amanecer de los días de junio, julio y agosto de 2015 en algún lugar de Mallorca.

“Hoy soy un enfermo de las sombras”, nos dice Mauricio, y nos ofrece este libro, como si compartiendo la enfermedad la pudiésemos acallar. Si hay dolor aquí es dulce, y sentimos entre las paginas el placer del misterio de cada mañana, el fugaz momento culpable, la emoción siempre nueva.

¿Son reales las sombras, o son solo fruto de nuestra imaginación, recuerdos del sueño?  ¿Puede grabar un sueño la memoria del teléfono ?

Lo que nos revela la luz es muy bello, parecido al final de una aurora boreal, fragmentos de cuerpos buscando encarnarse y encontrando solo la ingravidez. La materia aparece poco a poco,  solo por instantes, en grano sensual  o jardines exóticos. Las lineas borrosas tiemblan y se ponen a bailar, en un baile que recuerda al del sueño de medianoche de Shakespeare. La noche es propicia a la locura, al trance de los sentidos y las emociones, lejos de la razón. Cuando llega la mañana, queda del trance solo un rastro, una sombra.

Hay muchas emociones y sensaciones en la mirada de Mauricio d’Ors. En la pura contemplación de la luz, la construcción de las formas contra las paredes de la habitación sentimos la euforia y el vértigo ante la belleza efímera, sentimos el temor de reconocer entre las sombras la vulnerabilidad de nuestras certezas, la fragilidad del hilo que nos mantiene. La sombra de nosotros mismos, desnudos y sin armas.

Pero ante todo, en Umbra veo un fabuloso homenaje a la fotografía, a su capacidad de extraer y revelar la esencia mas profunda de la vida y de la poesía. En la abstracción mas pura de esas ventanas de luz que rompen la oscuridad está el asombro, el juego, la magia renovada cada mañana. De la sombra ha salido un libro luminoso.

https://www.amazon.es/UMBRA-Mauricio-dOrs/dp/8461767772/ref=sr_1_1?s=books&ie=UTF8&qid=1496482846&sr=1-1

http://clavoardiendo-magazine.com/columnas-series/las-afinidades-selectivas/ni-platon-ni-tanizaki/

http://fotodiariosinpalabras.blogspot.com.es/search?updated-max=2016-06-09T18:46:00%2B02:00

31 de mayo 2017. Day 1.

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( En español y francés, mas abajo )

So it did happen finally, a lot of changes in one logo.

All the books you have seen in the blog all this time, and a lot more, all the books in the collection, ( for it is an official one now ) will be in San Telmo Museoa in San Sebastian (Donostia, in Basque language) from now on, with a 10 years renewable contract. This will take a few months, the time to organize the Museum library in order to receive around 1400 photobooks, but it’s already begun.

 

https://www.santelmomuseoa.eus/index.php?option=com_flexicontent&view=items&id=119&Itemid=30&lang=es&idn=59874

 

So…that is a big change for me. The books will no longer be close to me, and i sure will miss them. But they will not be very far, and it’s an important point.

Not only because i’ve always liked , and talked about it very often, the company of them, the touch and feeling of the paper, the smell, the pleasure or pain the photographs bring, the knowledge, the absolute sensation of being alive and part of a bigger world among them. Yes the books are alive !

But also because the main idea was to share the experience with a lot more people than it was possible from my house, and to make it a rich and productive one, for every body from here to whereever it may go…

 

San Telmo Museum was born in 1902, Museum on Basque Society and Citizenship, it has been recently renovated with new objectives. It is not hudge, but welcoming, at the very historical center of my birth town. It has proven its will and deepest interest in photography these last years, and is programming exhibitions and activities around it, along with the collection.

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Yesterday, as first encounter, we had the pleasure and priviledge to hear Kazuma Obara talk about his work and books. Many more will follow i am sure, workshops, talks, national and international encounters and experiences, very diverse activities.

I don’t want to sound pretentious, this is a small ambition in a small photobook world. A small step, but a meaningful one i hope. Photobooks will remain when we no longer will be around, someone said… If in the meantime we can together try to make more people comprehend the power and beauty they can contain, i will be happy.

 

 

The collection will increase, little by little, and the blog will continue as it is. All the books  i will continue to buy or receive will be part of the collection.

So, this is no end, only the first day and the first step in a long walk, i hope. From now on, these books are a little less mine, and a little more yours, to read, touch, smell, learn and enjoy. Please, take the time to visit, feel at home if you want, you are all welcome!

 

There is a long list all people who made this possible, and i want to thank them all… Susana Soto, director of San Telmo Museum, so enthusiast from the beginning, the chief ! ; Juan Pablo Huercanos, without whom nothing…; Lurdes Basolí and Jon Cazenave, so good friends and counsellors from the start to the end; Santiago Noain Maura, from manoestudio, who designed the beautiful logo of the collection that i’m so proud of; the Photobook Club of San Sebastian, who loved the books from the very first day; Bonifacio Barrio Hijosa, master of photobookjockey and good advices; Annakarin Quinto, the most generous; my family for the constant support; Lu Lantana for being around always, the best of friend, you know ! Thank you all, from my heart. Manu, this is for you.

 

 

 

Llegó por fin el día, tantos cambios en un logotipo !

Todos los libros que habéis visto aquí, y muchos mas, todos los libros de lo que ahora es oficialmente una colección  estarán en San Telmo Museoa de San Sebastian /Donostia a partir de ahora, con un contrato de depósito de 10 años, renovable. Eso llevará unos meses, los que hagan falta para organizar la llegada de alrededor de 1400 libros a la Biblioteca del Museo. Pero ya está en marcha.

 

Es un gran cambio para mi…Ya no tendré los libros cerca, y los echaré de menos. Pero no estarán lejos, y eso es importante.

No solo porque siempre, ya lo sabéis, me ha gustado su presencia cerca, su compañía, el tacto del papel, su olor, el placer o el dolor que procuran las fotografías, la enseñanza, la sensación profunda de sentirme viva y parte del mundo entre ellos. Los libros son vida y están vivos !

 

También porque mi mayor voluntad era compartir esa experiencia lo mas posible, y eso era difícil y limitado desde casa, y de hacer que esta experiencia fuese lo mas enriquecedora y productiva para todos, desde aquí hasta donde sea.

San Telmo Museoa se inauguró en 1902, es el Museo de la Sociedad vasca y su Ciudadanía, y recientemente se ha replanteado y renovado sus objetivos. No es enorme pero si muy acogedor, y está situado en el centro histórica de la ciudad donde he nacido. Ha demostrado últimamente su gran interés por la fotografía, programando exposiciones y actividades sobre ese tema, y la voluntad de acompañar y poner en evidencia la colección. Ayer tuvimos la gran suerte de abrir un ciclo con la presencia de Kazuma Obara que presentó su obra ganadora del World Press Photo 2016 .

No quiere parecer pretenciosa. Es una ambición modesta en el pequeño mundo de los fotolibros. Un pequeño paso que espero tenga significado. Los fotolibros quedarán cuando nosotros ya no estemos aquí, dijo algún famoso…Mientras, espero que este paso sirva para que mas gente pueda entender  toda la fuerza y la belleza que puede haber en estos libros. Eso bastaría para hacerme feliz.

La colección va a seguir creciendo, y el blog seguirá publicándose como hasta ahora. Todos los libros que compre o reciba irán a parar a la colección.

Esto no es para nada un final, es el primer paso de lo que espero será un largo camino. Hoy los libros son un poco menos míos, un poco mas vuestros. Para que los podáis leer, tocar, oler, aprender de ellos o simplemente disfrutarlos y emocionaros. Acercáos, sentíos como en casa, sois todos los bienvenidos !

 

 

Le jour tant attendu est enfin arrivé, beaucoup de changements autour d’un seul logo

Tous les livres que vous avez vu ici, et beaucoup plus, tous les livres de la collection, officielle aujourd’hui, vont intégrer le Musée San Telmo de San Sebastian /Donostia, sous la fome d’un contrat  de dépôt pour 10 ans renouvelables. Cela prendra quelques mois, le temps pour la bibliothèque du Musée d’organiser  l’arrivée d’environ 1400 photobooks. Mais c’est déjà en route.

C’est un grand changement pour moi. Les livres vont sûrement me manquer, mais ils ne seront pas très loin. J’ai toujours aimé leur présence, leur compagnie. Les toucher, sentir le papier, éprouver du plaisir ou de la douleur en regardant des photographies, apprendre, ressentir, être vivante et présente au monde au milieu d’eux. Les livres sont vivants !

 

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Mais c’est aussi le résultat de la volonté de transmettre cette expérience au plus grand nombre, et cela est difficile depuis chez soi, tout en cherchant que celle-çi soit enrichissante et porte des fruits, d’ici jusqu’au plus loin possible.

Le Musée San Telmo a été inauguré en 1902, c’est le Musée de la Société Basque et sa Citoyenneté. Il a vécut derniérement une importante rénovation et des changements d’objectifs. Il n’est pas très grand, mais très accueillant, situé en plein centre historique de la ville où je suis née. Il a démontré ces dernières années un grand intérêt pour la photographie, programmant des expositions et activités en relation avec elle, ainsi que la volonté  d’accompagner et de mettre en avant la collection. Ainsi, dans ce cadre, nous avons pu écouter hier Kazuma Obara parler de son travail “Exposure“, pour lequel il a reçu le prix du World Press Photo 2016.

Je ne veux pas paraître prétencieuse. C’est une ambition modeste dans le petit monde du livre photo. Un petit pas, mais que j’espère porteur de sens. Les livres seront encore là quand nous n’y seront plus… En attendant, je veux croire que cela servira pour que le plus grand nombre puisse comprendre la force ou la beauté que l’on peut voir en eux et s’émouvoir. C’est déjà beaucoup.

 

Ce n’est en rien une fin, plutôt le premier jour d’un chemin que j’espère long. Aujourd’hui les livres sont un peu moins à moi, un peu plus à vous. À tout le monde la possibilité de les lire, les toucher, sentir, apprendre, les aimer ou pas… Approchez, c’est votre maison. Vous êtes tous les bienvenus !

 

Muchas gracias a Lurdes Basolí por algunas de las fotografías. ( 6,7,8,12,13,14,18,19 )

https://www.santelmomuseoa.eus/index.php?option=com_flexicontent&view=items&id=119&Itemid=30&lang=es&idn=59874

https://www.santelmomuseoa.eus/index.php?lang=es

https://www.worldpressphoto.org/people/kazuma-obara

http://www.manoestudio.com

http://lurdesbasoli.com

http://joncazenave.com/photography

https://photobookjockey.wordpress.com

http://www.annakarinquinto.com

http://lucrezialantana.com

 

If we want to write to the collection, gcbcollection@gmail.com

 

 

24 de mayo 2017. 30. Kazuma Obara.

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30. Kazuma Obara. Autoeditado. 2016.

En caja de madera, hecha a mano. 27x21x6 cm. 2 libros y un facsímil de periódico.

Exposure, tapa blanda, con banda.19×13 cm. Blanco y negro. 96 paginas. Papel Araveal, natural. 5 negativos insertos.

Firmado y numerado. Tirada 29/86.

Everlasting, tapa dura. 19×23,5 cm, color. 186 paginas. 9 fotografías sueltas.

Firmado y numerado.

Facsímil de periódico ucraniano con fecha del 26 de abril 1986, 26×20 cm plegado. 4 paginas.

Caja de madera. Numero de tirada grabado en la caja. 29/86

Autoeditado, Kazuma Obara. Noviembre 2016.

Ya he hablado aquí, hace poco mas de un año,  acompañada por Christer Ek en su blog, de una edición que sacaba  Kazuma Obara de Exposure, en una tirada de 10 ejemplares.  Anunció mas tarde una nueva versión de este trabajo, mas completa, en una obra llamada “30” ( los 30 años que han pasado desde el accidente en la central nuclear de Chernobyl ). https://gabrielacendoya.wordpress.com/2016/04/30/30-de-abril-2016-exposure-kazuma-obara/

También ha salido aquí “Silent histories”, reeditado por RM en 2015. https://gabrielacendoya.wordpress.com/2016/01/26/26-de-enero-2016-silent-histories-kazuma-obara/

Kazuma Obara (1985) se dió a conocer por una publicación ( 2012, Lars Muller ) sobre el accidente acontecido en Fukushima despues de un tsunami y la posterior tragedia en toda esa zona de Japón de donde es originario, ” Reset. Beyond Fukushima”.

Con esta obra Kazuma ha ganado en World Press Photo en la categoría de Gente. Así como podemos dudar de ciertas decisiones del premio World Press estos últimos años, en este caso creo que es intachable.

 

30 es una obra sobre la memoria. Guardada en una caja que imita una caja postal, es un contenedor para la posteridad. La memoria puede ser lo que nos queda en lo mas adentro, una cicatriz invisible de la cual no nos podemos despegar, como es el caso de Mariia, expuesta a las radiaciones cuando estaba todavía en el vientre de su madre. Enferma de tiróides, ella es una victima invisible, y solo sus palabras reproducidas aquí nos permiten saberlo. “Exposure” es exponer, estar expuesto (a la luz o a las radiaciones…) Kazuma , a lo largo de sus trabajos, se empeña en dar luz  a lo que no vemos o no queremos ver ni recordar. La fotografía es una herramienta potente, pero hay que manejarla con delicadeza si no se quiere pervertir o añadir confusión, en el océano de imágenes que hemos visto ya sobre la catástrofe del accidente nuclear.

 

Kazuma Obara nos obliga a una reflexión, en un viaje de 30 años, desde el año 1986 hasta ahora y mirando al futuro. Cuidando todos los detalles con mucho mimo, desde los negativos de films de la época comprados en Pripyat, el periódico del 26 de abril,  hasta el trayecto en  tren que hacen todos los días los trabajadores de la central, el mismo durante todos estos años. El tiempo pasa, crecen los hijos, se forman unas parejas, incluso nacen niños, pero todo parece estar igual, con un aroma enrarecido. La cubierta de “Everlasting” reproduce la tapicería de una de las casas abandonadas de Pripyat, y sus habitantes viven ahora en Slavutych, ciudad construida seis meses después de los acontecimientos. Pocos como el consiguen transmitir con tanta finura el peso de los días, la rutina del viaje, el poso del tiempo, contaminado,  en los bosques atravesados, la fatiga en el viaje de vuelta.

 

Como en cualquier otro lugar, la gente va a su trabajo, y vuelve a sus casas cuando acaba el día. Aquí el trabajo es intentar colmatar las brechas, físicas y psíquicas, de un sarcófago construido en 1986 y mantener la máxima seguridad en la central, un trabajo que durará años, “everlasting”, para siempre, dice Kazuma. El autor, a pesar de la  relación de amistad que ha conseguido establecer con varios trabajadores a lo largo de sus viajes a Ucrania, y cuyas vidas nos relata con fotos personales, no nos cuenta solo las “Silent histories” de Chernobyl, si no cómo la catástrofe sigue presente en sus vidas, y en las nuestras, aunque lo queramos olvidar.

 

“30”, en su caja protectora, su frágil sarcófago, es una carta mandada al futuro, un testimonio de algo que aunque resulta ya apenas visible, sigue conservando un poder de destrucción. Exponerlo a la luz como lo hace Kazuma tiene una fuerte carga simbólica, muy lejos de las imágenes provocadoras o que buscan atemorizar.

 

“30”, relato denso, abstracto, silencioso e irradiante, es un fabuloso objeto para la posteridad.

 

http://kazumaobara.com/index.html

http://kazumaobara.com/photobooks/title/30.html

https://www.worldpressphoto.org/people/kazuma-obara

El autor dará una charla el día 30 en el Museo San Telmo de San Sebastian. https://www.santelmomuseoa.eus/index.php?option=com_flexicontent&view=items&id=136&Itemid=8&lang=es&ide=59724

 

18 de mayo 2017. De libros y encuentros.

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Se acumulan las publicaciones en la pila de los libros para el blog, y no veo el momento de sentarme a escribir con calma.

En parte por los varios eventos a los que he tenido la suerte de asistir últimamente, y con mucha ilusión por mi parte, como la tercera edición de AutoEdit, en el Centro de Arte de Huarte, mostrando una selección de publicaciones auto editadas lo mas variada posible.

Las primeras ediciones de AutoEdit han puesto de manifiesto la riqueza y vitalidad de la producción de publicaciones independientes de estos últimos años. Al preparar la selección para este encuentro, es evidente que hay mucho donde escoger, de formatos, temas y procedencias muy distintos.

Otro evento muy reciente tiene que ver con los encuentros de los Photobook Clubs, en los que he participado en nombre del PBC de San Sebastian, del que soy miembro. En su 10° encuentro, el Club ha ido hasta el centro Gandagia de Arantzazu, invitado por segunda vez por el festival de fotografía de Oñati, Argi Festibala, en su tercera edición . Argi es un festival dinámico y prometedor, comprometido con la fotografía contemporánea, este año con la exposición estrella de Patricia Bofill bajo el tema Naturaleza y espiritualidad. Los encuentros en Arantzazu son especiales, no solo por la exposición, muy interesante, pero también por el lugar, que tiene para mi una carga emocional importante. Arantzazu no deja insensible, que cada uno entienda como quiera la espiritualidad. El encuentro, este año también, resultó entrañable y enriquecedor.

Ayer, también relacionado con los Photobook Clubs, tuvo lugar el primer encuentro “online”( aunque luego se vio que no era el primero…) de varios clubes de muy distintas latitudes, desde Yakarta hasta Brisbane pasando por Montevideo, Bristol, Mexico o Madrid, y alguna mas. Aún con ciertas dificultades técnicas, espero que sea esta la primera de una larga lista de encuentros, virtuales o reales. Agrandar el círculo siempre ha sido una de mis motivaciones a la hora de emprender este camino en el blog. Bienvenida sea entonces esta iniciativa , y gracias a Jon Uriarte, de Wide Photo Barcelona por lanzar la idea.

Y de los libros que han llegado recientemente, el mas esperado y deseado…

Ravens, de Masahisa Fukase. Mack. 2017.

 

 

Tapa dura, en tela serigrafiada, con estuche de cartón. 26×26 cm. 148 paginas. Blanco y negro, y algunas ilustraciones en color.

Fotografías Masahisa Fukase.

Texto, en papel mate, japonés e inglés, Akira Hasegawa ( de la edición original ) y Tomo Kosuga. Traducción Naoki Matsuyama.

Impresión, Optimal media.

Reedición del original publicado en 1986, Sokyu-sha, Japón.

Mack, 2017.

 

 

( Pongo aquí todas las fotografías del libro. Perdón como siempre por la mala calidad de mis reproducciones ).

Masahisa Fukase sacó las fotografías que formarían Ravens ( los cuervos ) entre 1975 y  1982, roto y desesperado después de divorciarse de su mujer Yohko. El libro salió unos años mas tarde en 1984, publicado en Japón por Sokyu-sha. Hubo una edición posterior en EE-UU en 1992, que salió con el titulo The Solitude of ravens, y otra reedición por la galeria japonesa Rathole en 2008.

 

 

Fukase, nacido en 1936,  había publicado algunos libros antes de Ravens, en particular Yohko, dedicado a su mujer, que fotografió sin cesar, o otro de fotografías de su  gato. En 1992 sufrió un accidente y cayó en coma, viviendo en ese dramático estado hasta 2012, año en que murió.

 

Ravens fue considerado pronto como uno de los libros mas importantes publicados en el Japón de la posguerra, o simplemente como uno de los libros mas bellos jamas publicados. Hoy nos llega por fin, para todos los que no habíamos podido ver de cerca estos libros, esta reedición de la editorial Mack.

Se ha escrito mucho sobre este libro, y hay que contar su oscuridad la mas profunda, su belleza y terrible sentimiento de abandono, su tristeza sin fondo. Los cuervos son en Japón  ( y fuera de el también) sinónimos de mal augurio, y Fukase los persiguió durante cerca de 10 años, buscando en ellos una señal de maldición, unos compañeros de desesperanza ( llegaría a decir que se había convertido en uno de ellos ), o simplemente quiso entender cómo la negrura podía encarnarse en las aves que, como lluvia, teñían el paisaje a la vez que su alma.

 

 

También se ha dicho que Ravens era la alegoría de Japón después de la derrota de Hiroshima, y los cuervos, con sus alas como aviones, tan amenazantes como los propios bombarderos que aparecen en el libro, no son sino los portadores del mal, como las nubes o el cielo tan bajo que parece tragar la tierra.

Ravens es el negro mas profundo, la nieve menos pura, la luz mas fantasmal, y la presencia humana mas enigmática y extraña. Sombras o siluetas que parecen irreales, apariciones venidas de otro mundo, o atravesando este sin rumbo. Jóvenes estudiantes absortas por el mar, atrapadas por el viento. Solo la presencia frontal, evidencia de vida, a pesar de tener los ojos cerrados, de la mujer desnuda, podría hacer sombra a los pájaros, traer algo de quietud. Pero esta se encuentra presa entre un gato asesino y las vísceras de pescado…

La naturaleza es inquietante en las fotografías de Ravens, solo trae temor, podredumbre y muerte, no hay renacer posible para Fukase, solo destrucción y fuego, y, como alma en el Infierno de Dante, una errancia eterna.

 

Entrar en Ravens es atravesar el umbral a un mundo que sabemos existe, el cuervo nos acompaña a lo largo de nuestra vida, el infierno de la soledad y la perdida. Las fotografías de Fukase, tan bellas y mortíferas, nos llevan de la mano hasta llegar a la descomposición del ser, a transformarnos en cuervo, en un camino estremecedor.

 

 

Porqué entonces he sentido una ligera decepción? Al recorrer las paginas y el tacto un poco  frío del papel, pienso que este no consigue traducir el sentimiento de abandono como creo que debería, o quizás como lo haya simplemente soñado yo…  He sentido un poco de desaliento ante un trabajo de tal carga emocional y calidad, deseando un objeto que esté mas a la altura de lo que sentimos en las fotografías de Fukase. Esa primera impresión se va esfumando en las brumas, y me hace pensar que aunque esta no sea la mejor edición posible, es la que nos permite a muchos acercarnos a una obra imprescindible.

 

«Por mí se va a la ciudad doliente,
por mí se va en el eterno dolor,
por mí se va con la perdida gente.

La justicia movió a mi alto hacedor:
Hízome la divina potestad,
la suma sabiduría y el primer amor.

Antes de mí ninguna cosa fue creada
sólo las eternas, y yo eternamente duro:
¡Perded toda esperanza los que entráis!»

Estas palabras de color oscuro
vi escritas en el dintel de una puerta:
Y dije: Maestro, su sentido me es duro.” Dante. El infierno, Canto III.

 

http://www.mackbooks.co.uk/books/1169-Ravens.html

http://masahisafukase.com/en/biography/

https://frieze.com/article/masahisa-fukase

Ravens by Masahisa Fukase (First Edition)

https://www.michaelhoppengallery.com/artists/162-masahisa-fukase/overview/

 

https://argifestibala.eus

http://www.centrohuarte.es/wp-content/uploads/2017/05/HU-AUTOEDIT-PROGRA-CAST.pdf

http://www.widephotobcn.com/The-Online-Photobook-Club-Streaming-Open

http://photobookclub.org

 

 

 

 

 

 

 

 

8 de mayo 2017. Aurelia Immortal. Javier Viver.

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Aurelia Immortal. Javier Viver. Museo Universidad de Navarra.

“He who tells story is a story teller”… Javier Viver

En estuche de cartón dorado, dos libros. 18 x 13 cm. Uno, tapa dura dorada, leporello, doble cara, color y blanco y negro. Otro, 2046 Diary, en forma de cuaderno de notas.

Fotografías, Javier Viver.

Edición, Javier Viver, Valentín Vallhonrat, Rafael Levenfeld.

Diseño, Javier Viver , Miguel San José Romano.

Texto, en inglés, español y chino, Javier Viver. Traducciones, Yuchen Zhang, Carmen Mactley.

Coordinación y producción, Trama editorial.

Pre-impresión, Brizzolis , La Troupe. Impresión, Brizzolis , arte en gráficas.

Encuadernación, Ramos.

Edición, Museo Universidad de Navarra. Abril 2017.

1° edición, firmada.

Ya tenemos aquí la nueva y tan esperada publicación de Javier Viver, después de Révélations. Javier nos trae tanto un libro como una exposición, inaugurada el 26 de abril en el Museo de la Universidad de Navarra, que también publica el libro.

 

Si Révélations exploraba el dolor humano, Aurelia nos lleva mas allá, al borde de todo lo que hace nuestra humanidad y su finitud. Llegan estos días varios libros que de una manera o otra, muy distinta, abordan el tema de la muerte. Javier nos plantea un dilema tanto filosófico como ético, religioso y artístico, bajo una apariencia científica.

Aurelia Immortal ( con dos M, a la inglesa, idioma usado por la comunidad científica ) es el nombre de una medusa común que tiene la particularidad, descubierta por el biólogo chino He Jinru, de ser inmortal, al regenerarse después de la muerte. Javier nos muestra el ciclo de la vida de Aurelia, con una muy bella serie de fotografías tomadas con cámaras microscópicas, formando en el leporello un ciclo que no tiene ni principio ni fin, con el detalle de esconder en las tapas del libro unos imanes que las juntan para formar el ciclo perfecto. Aurelia Immortal esconde mucho en su interior.

Envuelto en oro, símbolo de perennidad, el libro nos habla del deseo del hombre de conseguir vencer a la muerte, y del proyecto llamado 2045, año según el cual se conseguiría por fin la inmortalidad, a través de la singularidad. Un proyecto muy seriamente estudiado por la “Singular University” lanzada por Google y la Nasa, con los mejores científicos.  “Aurelia Immortal” hace un recorrido entre el presente, la ya verificada inmortalidad de la fabulosa medusa y el futuro, proyectándonos en el año 2046, desde donde Javier nos escribe sus notas en su diario, relatando como empezó la investigación que le conduce a este trabajo.

 

Así Javier nos presenta una obra con múltiples facetas, una fascinante “mise en abyme” desde el hipnótico y tan bello baile azul de la medusa  y su luz irradiante, ( en su interior se encuentra la figura de un trébol de 4 hojas, que se transformará en el símbolo de la inmortalidad ), hasta el futuro y la evolución hacia una vida transhumana. Desde el génesis del trabajo, empezando por la carta que manda al estudiante en biología, hasta los avances que la ciencia ha “realizado”, con la materialización de los clones.

 

Entre el principio y el fin se hallan las grandes preguntas e incertidumbres, lo que lleva a cada hombre a reflexionar sobre su propia finitud, y sobre el papel del arte a lo largo de la historia, que no ha sido si no un intento de sobrepasar a la muerte, rozando la idea de eternidad. ¿Se acaba el Arte si se alcanza la inmortalidad ? ¿Para que sirve ya? se pregunta Javier Viver,  a la vez que nos enseña unas fotografías de cuerpos fosilizados de Pompeya, la vida atrapada entre cenizas.

 

 

De unos dibujos a mano del demiurgo Javier Viver parecen nacer los primeros clones, y son todas mujeres ( “todos vamos a querer ser mujeres”, dice el…), fotografías inquietantes de un ejercito de “replicantes”, en un mundo aséptico y ya sin dolor.

 

 

Aurelia Immortal es una obra compleja y ambiciosa, en el mejor sentido. Con planteamientos y métodos científicos, usa sin embargo la mas primitiva herramienta del arte, la mano del dibujante. Nos lleva desde la partícula mas microscópica a la estrella mas lejana. Desde la criatura mas perfecta y etérea hasta el artefacto mas aterrador. Llena de símbolos, reúne dentro de su estuche dorado belleza e incertidumbre, pasado presente y futuro.

 

IMG_1513

Y hay que decir también que libro y exposición conforman una misma obra, el libro citando a la exposición y la exposición nutriéndose del libro… La instalación que podemos ver estos días en el Museo Universidad de Navarra muestra tanto la serie de fotografías como el propio libro, o unas magnificas piezas esculturales que lo reproducen a gran tamaño, así como un video. Esperemos que se pueda ver en otros lugares a continuación.

 

Aurelia enamora y estremece a la vez. Javier Viver , artista de mucha cultura y grandes inquietudes nos ofrece una profunda reflexión a la vez que un viaje maravilloso. Algo así como un Julio Verne humanista, poeta y filósofo.

Pero el mismo nos lo recuerda, “el que cuenta historias es un cuentista”…

…”Heard melodies are sweet, but those unheard
Are sweeter; therefore, ye soft pipes, play on;
Not to the sensual ear, but, more endear’d,
Pipe to the spirit ditties of no tone:
Fair youth, beneath the trees, thou canst not leave
Thy song, nor ever can those trees be bare;
Bold Lover, never, never canst thou kiss,
Though winning near the goal – yet, do not grieve;
She cannot fade, though thou hast not thy bliss,
For ever wilt thou love, and she be fair!”…

John Keats. Ode on a Grecian urn. 

 

Muchas gracias a Javier y al Museo de la Universidad de Navarra.

 

http://www.javierviver.com/2017/04/15/aureli-immortal-museo-universidad-de-navarra-april-26-sep-22-2017/

 

http://museo.unav.edu/programacion/exposiciones/detalle-exposiciones?eventId=12796536

http://www.tramaeditorial.es/libro/9788480815444/

http://2045.com/

http://www.elmundo.es/elmundo/2009/06/05/ciencia/1244228352.html

http://clavoardiendo-magazine.com/actualidad/agenda/la-aurelia-inmortal-javier-viver-resucita-pamplona/

 

28 de abril 2017. CLAP! 10X10 Contemporary Latin American Photobooks: 2000-2016. 10X10 Photobooks

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Casi 15 días sin venir por aquí son muchos. Se acumulan los libros, el tiempo pasa volando y no sabes por donde empezar. Hoy un libro sobre libros, con muchas fotos y menos palabras.

CLAP! 10X10 Contemporary Latin American Photobooks: 200-2016. 10X10 Photobooks. 2017.

Tapa blanda, con sobrecubierta desplegable en poster( desplegada, 76×66 cm ). 29×20 cm. Color. 244 paginas.

Edición, Olga Yatskevich, Russet Lederman, Matthew Carson. Editor asociado, Michael Lang.

Selección de fotolibros por: Ana Casas Broda & Gerardo Montiel Klint. Claudi Carreras Guillén & Iatã Cannabrava. Diana Rangel. Eneka Fernández & Mike Fernández. Julieta Escardó & Nicolás Janowski. Leandro Villaro & Diran Sirinian. Luis Weinstein. Nicolas Wormull. Paula Kupfer. Ramón Reverté. Ricardo Báez. Allegra Cordero di Montezemolo & Rony Maltz.

Fotografías, Phillip Reed, Anna Yatskevich.

Textos en inglés, español y portugués, Russet Lederman Olga Yatskevich y Matthew Carson, Luis Weinstein, Joaquim Marçal Ferreira de Andrade. Traducción, Sabrina Mandanici, Frédérique Destribats, Pablo Lerma, Katiê Müller, Émilie Hallard, Juanita Solan.

Diseño, Ricardo Báez. tipografiabaez.com. Asistente diseñador, Andrea Gámez.

Tipografía, Quimera (2002), Pampa Type, Poplar (1990), LinoType, Univers (1954). 

Impresión, SYL, Barcelona.

1° edición, tirada 600.

10X10 Photobooks, Inc, New York City, EE-UU. 2017

Esta es la tercera publicación de 10X10 Photobooks, plataforma colectiva basada en Nueva York, dedicada al conocimiento y promoción del fotolibro. Publicaron ya en 2013 10X10 American Photobooks y en 2014 10X10 Japanese Photobooks. Cada vez invitan a una serie de expertos a que propongan una selección de libros. 

Aparecen aquí 130 libros, publicados entre el año 2000 y el 2016, una producción reciente dentro de la enorme reserva que es el fotolibro latinoamericano. Conocíamos una anterior publicación sobre el mismo tema, el libro de Horacio Fernández editado por RM en 2011 El fotolibro latinoamericano. Ese libro recogía, en cierta manera, la estela iniciada por las publicaciones de Martin Parr y Gerry Badger, the Photobook: A history, y abría en grande las puertas para que se conociera por fin fuera de un pequeño circulo ( incluso en sus propios países ) la gran riqueza y variedad de fotolibros latinoamericanos. 

Los dos libros son muy distintos, en la forma y la intención, y solo pondré al final alguna foto del primero para que os hagáis una idea, si no lo conocéis.

Han pasado solo 6 años entre las dos publicaciones, y parece que en estos años ha habido una enorme transformación en el panorama fotográfico y editorial de los países protagonizados aquí, como en el resto del mundo. Solo se repiten en los dos libros unos pocos autores, siendo evidente el salto dado en la edición de fotolibros estos últimos años. Vamos conociendo poco a poco muchas iniciativas, ferias  y pequeñas editoriales , así como numerosas autoediciones que nos llegan desde el continente sudamericano, felizmente.

CLAP ! no tiene vocación enciclopédica ni propiamente crítica, aunque podemos encontrar, en la presentación de cada “seleccionador”, una declaración de intenciones, tanto por afinidades como también simplemente por país de origen. Méjico, Brasil, Venezuela, Perú, Argentina o Chile, pero también en menor medida, Guatemala o Colombia están aquí representados. Algunos, como Ramón Reverté insisten en el diseño, otros como Ricardo Báez, recuerdan que el fotolibro es un fantástico instrumento de comunicación y expresión artística, en medio de dificultades o a pesar de ellas. 

Así, CLAP! es un formidable objeto testigo de la variedad y multiplicidad de lo que se va creando en Latinoamérica estos últimos años. Algunos libros son bien conocidos y han participado con éxito a festivales o ferias internacionales. Otros, para mi por lo menos, son más desconocidos, y en este sentido el libro es una mina que tenemos que explorar. Una mina que por el diseño parece el resultado de una explosión, una constelación hecha de mil piezas, que nos deja aturdidos por su magnitud, a la altura de un continente que reúne tantas historias como orígenes distintos.

CLAP! como el tiempo que vivimos es múltiple y muy visual. Un espectáculo de paradojas con momentos íntimos, paisajes, historias de familias dramáticas y momentos violentos. Es también, sobre todo, una formidable herramienta de información editorial. Nombres, datos, dimensiones, tiradas, fechas y fotografías ordenados de manera a no perderse, a pesar de la primera impresión de desorden. Una base de datos que hay que procesar, sin mas instrumentos críticos o perspectiva que la de la imagen bruta.

CLAP! es un objeto en el que zambullirse, y sacar una pesca milagrosa, dejarse asombrar y querer ir mas allá. Un tesauro en el que echo en falta unos enlaces de internet que nos lleven a los autores o las editoriales.

Queda saborear el fabuloso escaparate y estudiarlo de cerca. Y seguro, ya lamentar no poder encontrar alguno de esos objetos de deseo. O quizá si, gracias al acercamiento que nos supone CLAP ! Queda aplaudir.

Para acabar unas fotos del libro de Horacio Fernández, con alguno de los libros que aparecen en CLAP!…

 

 

http://www.10x10photobooks.org/2016/04/07/clap/

http://www.editorialrm.com/2010/product.php?id_product=209

 

14 de abril 2017. SN/T. Fernando Fujimoto.

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SN/T. Fernando Fujimoto. KWY Ediciones. 2015.

 

Tapa blanda serigrafiada.

23×15 cm. 48 paginas. Blanco y negro y color. Dos paginas en transparencia.

Fotografías, Fernando Fujimoto.

Diseño, Momollama.

1° edición, numerada. Tirada 14/100.

KWY Ediciones. 2015. Perú.

 

Ya hemos visto aquí recientemente el libro “Policia“, ultima publicación de Fernando Fujimoto . SN/T es una publicación de noviembre 2014, que creo que encaja bien hoy…

Fernando Fujimon nos invita a un transito entre la forma mas cruda y real y la mas abstracta y fugaz. Un viaje entre la vida y la muerte, envuelto en rojo y negro. SN/T es un viaje brutal, desde la imagen de la persona fallecida que abre el libro (su abuela ?), hasta  los cráneos de una fosa común.

 

Pero sin embargo, lo que nos enseña SN/T es un trabajo sobre la representación. Lo que vemos aquí son distintas maneras de representar o fotografiar a la muerte. Diferentes maneras de capturar una imagen, diferentes puntos de vista. Un cadáver, un entierro, cráneos, radiografías. Perfiles, imágenes cenitales ( la lista al final del libro detalla cada fotografía ). Las imagenes que aparecen aquí me van desmaterializando, de manera dramática, como se descompone el cuerpo fallecido. El escenario sangriento de lo que parece un crimen se asemeja a un paisaje visto desde el aire…

 

De las radiografías pasamos a imágenes de pantallas de televisión, esas que milagrosamente conservan la imagen “exactamente igual al día de su fallecimiento”, nos recuerda con ironía la fotografía. El siguiente paso es el uso de la luz, puramente abstracta y digital. Impresiona este libro, por la fuerza de sus imagenes, el impacto visual  que crea su edición.

 

Fujimoto maneja los símbolos con maestría, y SN/T es rico en significados, tanto en el fondo como en la forma. En sus 48 paginas muchos viajes son posibles, como son innumerables las posibilidades narrativas de la fotografía. Desde lo mas intimo o inmanente de la despedida de un familiar hasta lo mas etéreo, en el mayor sentido que podamos abarcar. La fotografía, como la vida, como la muerte, es un soplo, un transito, un misterio. Un gran libro.

 

Muchísimas gracias a toda la cadena de personas que ha hecho que este libro, junto con otras publicaciones de la gran KWY, llegue hasta mis manos !

http://www.kwyediciones.com/fernando-fujimoto–snt.html

http://www.kwyediciones.com/index.html

https://gabrielacendoya.wordpress.com/2017/01/20/20-de-enero-2017-policia-fernando-fujimoto/

 

 

5 de abril 2017. Acre. Pino Musi.

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Acre. Pino Musi. Gwin Zegal. 

 

Tapa blanda, estampada en caliente. 32,5x 24 cm. 112 paginas. Blanco y negro

Fotografías, Pino Musi.

Proyecto y concepto, Pino Musi, Jérôme Sother.

Texto en francés e inglés, Albert Quoi. Traducción, Simon Pleasance.

Diseño gráfico, Claire Schvartz. Encuadernación suiza.

Impreso en Grafiche dell’ Artiere, Bolonia.

Papel Artic Volume White 150 gr, cubierta Fedrigoni Ceylon Wasabi 350gr.

1° edición. Tirada 700.

Éditions Gwin Zegal. Guingamp, Francia. 2017.

 

Acre es el resultado de una residencia de varios meses en el centro de arte Gwin Zegal, en la Bretaña francesa. Pino Musi ( Salerno 1958 ), fotógrafo italiano afincado en Paris,  fue invitado en 2016 por el centro para realizar un proyecto en una región fundamentalmente agrícola, un campo que el italiano  pocas veces había tratado hasta ahora. Pino ha publicado muchos libros, casi siempre interesándose por la arquitectura y la forma.

 

 

Un acre es una medida antigua de terreno agrícola. Es también un olor fuerte y ácido, que puede ser mezcla de pesticida o estiércol, un olor que podemos encontrar en el campo de Côtes d’Armor en la Bretaña francesa.

Acre nos lleva por pequeñas carreteras y caminos de tierra entre explotaciones agrícolas y granjas, siempre atento a la estructura de sus edificios. Construcciones improbables de madera o chapa se apoyan en muros de piedras antiguas, entre maleza y arboles.  Un hábitat anacrónico que poco a poco se integra de manera mas formal a lo que es el núcleo de la explotación, a la actividad.

 

 

Aquí no hay paisajes sublimes, el campo es pobre y principalmente destinado a la ganadería. Es un paisaje que podría ser de otro tiempo, si no aparecieran edificios modernos, tanto viviendas como silos o grandes hangares, pruebas del crecimiento de la industria agroalimentaria, en detrimento de las pequeñas explotaciones familiares de antaño.

 

Pino Musi fija su mirada neutra en la arquitectura y la estructura , sin apenas fijarse en la  vida humana. Solo aparecen aquí furtivamente dos niños jugando, solitarios. Alguna vaca, algún automóvil son los únicos elementos  que nos pueden distraer de la forma geométrica, la manera en que los elementos configuran un espacio o identifican un territorio.

 

 

Desde lo mas rural hasta lo mas urbano de un territorio que sigue siendo agrícola, Acre dibuja una tierra de manera exhaustiva y muy bella, y a pesar de la aparente neutralidad de las imágenes,  nos traza un mapa tanto histórico como geográfico y arquitectural. Pino Musi, como a menudo en su trabajo, piensa en series y secuencias, visualizando el ritmo del libro desde el origen del proyecto. Su trabajo, nos dice Alexandre Quoi, evoca las fachadas frontales de Walker Evans  o más aún un acercamiento a Lewis Baltz. Se hace evidente el paso de lo rural de ayer a lo de mañana, dentro de la aparente uniformidad del espacio y los volúmenes. Preso entre lineas , encerrado en la estructura triangular de los tejados o atrapado en el fabuloso dibujo geométrico de un seto se encuentra un mundo frágil e incierto, donde el tiempo continúa su obra implacable, con unos preciosos tonos de grises.

 

 

Acre es también un objeto precioso, con un diseño muy cuidado y gran calidad de impresión. Pino Musi es un gran conocedor de la fotografía y del fotolibro. El anterior 08:08 Operating Theater auto editado en 2012, describía con precisión quirúrgica el espacio de una sala de operaciones, ya desierta después de una intervención. Acre, mudo y desierto, es también una disección precisa y detallada de un campo que poco a poco se transforma, pero encerrado quizás en su propia historia. El resultado es muy bello.

Como siempre, pido disculpas por la mala calidad de mis fotografías.

 

http://www.pinomusi.com

https://www.gwinzegal.com/edition.html