26 de marzo 2017. Blanco. Awoiska van der Molen.

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Blanco. Awoiska van der Molen. Fw:Books.

 

 

Tapa blanda, tela. 29×24 cm. 36 paginas. Blanco y negro.

Fotografías, Awoiska van der Molen.

Edición, Awoiska van der Molen, Hans Gremmen.

Texto en inglés, Arjen Mulder. Traducción del holandés, Bookmakers.

Diseño, Hans Gremmen.

Litografía, Harold Strak, Marc Gijzen.  Producción, Jos Morree, Fine Books.

Impresión, Mart. Spruijt. Encuadernación, Patist, con hilo blanco..

1° edición. Tirada ?

Fw:Books. Holanda. 2017

 

Blanco es la segunda publicación de la fotógrafa holandesa Awoiska van der Molen ( 1972, Groningen), despues del precioso Sequester, en 2014, con la misma editorial. (https://gabrielacendoya.wordpress.com/2015/06/04/4-de-junio-2015-sequester/)

Blanco sigue la misma linea, con sus fotografías en blanco y negro hechas con cámara de gran formato. Incluso nos encontramos aquí con algunas imágenes ya publicadas en Sequester, y yo entiendo mas este libro como un apéndice, o  un añadido a la exposición del Foam Fotografie Museum de Amsterdam de 2016.

 

Hablando de Sequester acababa diciendo que el libro era sublime. Era un paisaje encarnado entre la oscuridad de la materia y lo puramente espiritual. Aquí encontramos, en fotografías sacadas en distintos lugares del mundo,  un paisaje similar, una misma tierra.

El texto de Arjen Mulder, “Larger than light”, nos habla de fotografía divina, en el sentido que le da Schelling, filósofo de la naturaleza . Una experiencia más que un concepto, una revelación más que una construcción.

 

Las fotografías de Awoiska nos acercan a una experiencia del paisaje, del aire que lo recorre, y nos  restituyen su vibración, y la presencia muda del tiempo. Como ella al fotografiarlo, nos dejamos impregnar físicamente por la luz que emana de el.

“Más grande que la luz”, nos dice Arjen Mulder. Ciertamente, las fotografías de Blanco nos llevan a un terreno donde sentimos la materia en lo más vivo y profundo.

 

Pero no son las imágenes las que me dejan un sentimiento un poco ambiguo, ni el diseño cuidado y fino de Hans Gremmen. Blanco nos deja una impresión de “déja vu”, y no comprendemos muy bien lo que aporta esta publicación, después de Sequester. Unas fotos más, muy bellas, eso si. Un texto interesante sobre este trabajo. Las expectativas después del muy querido libro anterior nos dejan con ganas de algo más… Pero igual es solo mi impresión, equivocada. Cualquier opinión será la bienvenida !!! Por otra parte,  Awoiska es una de las nominadas al premio del Deutsche Börse este año, con razón, y le deseamos la mejor suerte.

 

https://www.awoiska.nl

http://fw-books.nl/product/awoiska-van-der-molen-blanco-pre-order/

https://www.deutscheboersephotographyfoundation.org/en/support/photography-prize/2017.php

 

 

18 de marzo 2017. Wannabe. Elisa González Miralles.

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Wannabe. Elisa González Miralles. La Fábrica. 2017

 

Tapa blanda, con sobrecubierta de plástico rosa transparente. 28×19 cm. 64 paginas, color.

Fotografías, Elisa González Miralles.

Conceptualización, Elisa González Miralles, Gonzalo Golpe.

Diseño gráfico, Tres Tipos Gráficos. Preimpresión, La Troupe. Impresión y encuadernación, Grafilur.

Traducción, Art in Translation.

Papel, Creator Vol 135 gr y 250 gr. Sobrecubierta, plástico flexible de 400 micras.

1° edición, firmada. 2017, La Fábrica.

 

 

 

Wannabe es la primera publicación de Elisa González Miralles ( Madrid 1978 , cofundadora de MadPhoto, ganadora del Fotopres de La Caixa en 2011 ), un trabajo que se ha gestado durante 4 años antes de salir en forma de libro, editado por La Fabrica.

En él Elisa nos habla de como una sociedad puede encerrar a unos individuos, en este caso mujeres japonesas, en unos roles deshumanizados y predeterminados. La sociedad japonesa es fascinante y misteriosa en su mezcla de tradición y modernidad rabiosa. El tiempo parece dividirse entre una huida hacia delante, sin frenos, y un reloj parado entre las paredes de una cueva, atrapado en un sinfín de estereotipos, ceremonias milenarias y roles confinados. La mujer es victima y protagonista en esta sociedad.

 

Puede resultar aterrador el retrato que nos da aquí Elisa, en un libro encapsulado en vinilo, metáfora perfecta de lo que retrata. Desde el fuerte olor que despide el plástico rosa y el retrato en primer plano, nos adentramos de golpe en un mundo entre liquido amniótico y rojo pasión, entre carne y silicona, entre vida y muerte.

Elisa retrata a las mujeres muñeca sobre un fondo negro, ensimismadas, perdidas en una realidad inconsciente. Envenenadas por el mismo veneno que desprende el pez globo, tan apreciado por los japoneses, y cuya carne puede matar si no se sabe manipular. Entremezcladas con fotografías de muñecas sexuales de silicona, las chicas retratadas por Elisa son seres sin voluntad presas de una estética impuesta.

 

 

Wannabe contiene muchas capas y muchas lecturas, tantas como texturas, como la piel que podemos sentir bajo la capa de plástico. En el confinamiento en el que se mueven los peces, su belleza mortífera, la pasión que producen, se retrata la toxicidad de una sociedad. Japón bien se puede extrapolar, es aquí el modelo de una enfermedad que atañe a un mundo cegado por un ideal de eternidad, una estética plástica en la que la mujer está sumisa al hombre y encerrada en su propia vulnerabilidad.

 

Desaparece la identidad, el cuerpo no es mas que un envoltorio hueco, como el globo, como las muñecas hinchables. ¿Como rebelarse contra este estado? ¿Es posible salir de este confinamiento cultural? El encuadre de las fotografías nos dice la dificultad de escapar y romper el molde.

 

Wannabe nos habla de deseo, de sexo, de sumisión…en una sociedad como es la japonesa, pero también nos dice mucho de lo más íntimo del individuo. De anhelos y frustración, miedos y abandono ante el rol que la sociedad impone a la mujer. Nos habla mucho, y sin palabras, de una tremenda soledad, aterradora. En rojo y negro, entre pasión y muerte, se encuentra Wannabe.

 

 

http://www.elisagonzalezmiralles.es/elisa-1/home/album/wannabe

http://www.rtve.es/alacarta/videos/tips/tips-fotografia-elisa-gonzalez/3946140/

http://tienda.lafabrica.com/en/-photography-arts/4183-buy-book-elisa-gonzalez-wannabe.html

http://clavoardiendo-magazine.com/mundofoto/panorama/elisa-gonzalez-miralles-hechizo-fotografico/

 

12 de marzo 2017. (un)expected.Peter Dekens.

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(un)expected. Peter Dekens. The Eriskay Connection.

 

 

Tapa blanda. 29×21 cm. 144 paginas. Blanco y negro y color (cuadernillos insertos).

Fotografías y concepto, Peter Dekens.

Texto en inglés. Prólogo, Dirk De Wachter. Traducción, Joy Philips.

Diseño, Rob Van Hoesel.

1° edición, tirada 600.

2016. The Eriskay Connection.

 

 

Peter Dekens es un fotógrafo belga, residente en Gante. (un)expected es su segunda publicación, después del sensible Touch (2012) con la misma editorial, The Eriskay Connection.

(un)expected trata del difícil tema del suicidio, en este caso en la región del oeste de Flandes, en Bélgica, que tiene una de las mayores tasas de suicidio de Europa. Un libro muy personal para Dekens, cuya madre se suicidó en 2008, y que aparece en el libro, junto con su padre.

 

 

Dekens relata con mucha delicadeza la historia de cinco personas, su entorno familiar y las consecuencias de la perdida en sus vidas cotidianas. Cinco casos en los que, de manera mas o menos inesperada ( unexpected ), la muerte sobreviene dejando una ausencia tanto física como psíquica y emocional.

 

 

El libro está dividido en dos partes. Las fotografías en blanco y negro nos muestran calles y casas impersonales, vacías de presencia humana. Ese es el entorno solitario en los que han de vivir las familias doloridas. El espacio es aquí un protagonista silencioso, compañero de duelo a la vez que testigo de la vida que sigue, a pesar de todo.

Los 5 cuadernos de tamaño mas pequeño, y con fotografías en color, nos conducen al espacio privado de las familias afectadas. Aquí (un)expected nos cuenta su historia, nos muestra el espacio preciso de la muerte, con el que convive a diario el sobreviviente. Hanne visita a diario el bosque donde se colgó Ime. Ese es para ella un lugar de recogimiento, un lugar donde se siente cercana a el.

 

 

El padre de Peter Dekens cuidó del jardín de su casa de manera obsesiva durante los meses que siguieron a la muerte de su mujer, después de una fuerte riña durante la cual el amenazó con quitarse la vida. Ella no pudo sobrevivir a la idea de su perdida y se quitó la vida. Vemos cartas personales y rincones con recuerdos. A pesar de todo, el padre de Dekens pudo rehacer su vida.

José, madre adoptiva de Steven, sufrió durante años violencia y psicosis debida a la enfermedad de su hijo, que acabó tirándose a la vía del tren. Dekens nos muestra su reacción de dolor cada vez que ella pasa por ese lugar, su soledad y su pesar.

 

 

Kris sigue sufriendo por la muerte de su hijo Ward, con tratamiento psiquiátrico.El marido y los hijos de Anja viven con su recuerdo y la carta que les dejó:

“Dear children,

You’ll be happy with papa. Don’t feel guilty, mama loves you all.

Talk about it, and let yourself be taken care of, do something with your life !

Thanks to each and everyone of you for the good care you took.

I’m going now.

Love mama.”

 

A pesar de la carga emocional que recorre el libro, (un)expected en ningún momento peca de sentimentalismo. Peter Dekens consigue mantener una linea delicada y justa entre espacio y emoción. Los lugares del duelo parecen tanto arropados como silenciados entre las calles desiertas. El dolor es íntimo pero también recorre estos lugares, de casa en casa, compartido entre estas paginas, donde sigue tan vivo el recuerdo de los que faltan.

 

http://www.peterdekens.com

http://www.eriskayconnection.com/en/home/53-unexpected.html

 

25 de febrero 2017. Éléments d’une typologie de l’urbanisation contemporaine d’un village français de deux mille huit cent trente neuf habitants. Volume 10. Christophe Le Toquin.

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Éléments d’une typologie de l’urbanisation contemporaine d’un village français de deux mille huit cent trente neuf habitants. Volume 10. Christophe Le Toquin. Autoeditado.

 

Tapa blanda. 24 x 18 cm. 24 paginas. Blanco y negro.

Fotografías, Christophe Le Toquin. Texto en francés e inglés, Christophe Le Toquin. Traducción Danielle McNally.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 2/50. Esta, una de las 10 primeras, con copia original firmada y numerada.

Autoeditado, febrero 2017.

 

Esta es la ultima entrega de la serie de Christophe sobre la urbanización de su pueblo, Noyers sur Cher, en el centro de Francia, y de la que ya he hablado aquí. Christophe nos cuenta como empezó la serie en 2010, y cuales han sido sus referencias a la hora de iniciar este trabajo. Edgar Morin, en una obra de 1965, “La métamorphose de Plozévet, commune en France”, hizo un estudio sobre el paso de un pequeño municipio rural hacia la modernidad. George Pérec es su segunda referencia, con su novela corta ” La tentative d’épuisement d’un lieu parisien”, observación sistemática de un espacio y sus banales acontecimientos cotidianos .

 

 

Se puede decir que Christophe, a su vez, retrata los efectos de esa modernidad y su crisis, 50 años mas tarde, en un municipio bastante similar. Con la misma mirada lenta y observadora, nos descubre en sus rincones lo que se nos escapa en el ritmo frenético de nuestras vidas, en el cúmulo de imágenes que recibimos sin cesar. Este ultimo volumen está dedicado al espacio particular, esa parcela de nosotros mismos más íntima.

 

 

De  dentro hacia fuera, o lo que hace que podamos decir de un lugar que es nuestro. Habiendo vivido mi infancia en un pequeño municipio rural, aunque de muy distintas características, estas ultimas fotografías me conmueven en su silenciosa y sencilla (pero no simple) apariencia. Intentamos, cada uno en nuestra medida, organizar nuestro pequeño espacio, marcar un linde, aunque este sea efímero o absurdo, cultivar una tierra.

 

 

Ya he dicho en una entrada anterior  que Le Toquin hace de una manera tranquila obra filosófica. La vida es un cúmulo de pequeños detalles que, hilados, cobran sentido. En este décimo volumen está más que nunca presente el hombre, en su empeño  de apropiarse un terreno que nunca será solo suyo, pero en el cual deja para siempre una marca. Que gran trabajo !

 

http://www.katacri.net/christophe/

http://www.katacri.net/#

 

https://gabrielacendoya.wordpress.com/2016/11/02/2-de-noviembre-2016-elements-dune-typologie-de-lurbanisation-contemporaine-dun-village-francais-de-deux-mille-huit-cent-trente-neuf-habitants-volume-9-christophe-le-toquin/

 

20 de febrero 2017.Lisboa Secret. Enric Montes.

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Lisboa Secret. Enric Montes. Caravanbook.

 

 

Tapa blanda. 21×13 cm. Color. 20 paginas.

Fotografías, Enric Montes.

Texto, en castellano e inglés, J.L Sánchez. Traducción, Quondamstefano.

Diseño, Enric Montes y Caravanbook. Papel Cyclus paper 115 gr ( reciclado ).

Impresión y encuadernación, Pulseprint.

1° edición. Febrero 2017.

 

 

Una de las ultimas publicaciones de la editorial Caravanbook nos lleva a Lisboa, de las manos y la mirada de Enric Montes. Los “libritos” de Caravan tienen la modestia del pequeño tamaño, pero son grandes en emociones y sensibilidad. Creemos conocer Lisboa y sus encantos, pero Enric Montes es un mago y nos  llevar por caminos que son juegos de la imaginación, puertas al hechizo.

 

 

Al crepúsculo, entre sombras y neones, aparece el misterio en forma de luz. La noche es siempre momento privilegiado para la imaginación, y Enric traza con ella los pasos del camino. Para perdernos mejor entre las calles y adoquines, y entrar en otro territorio y otro tiempo atravesando puertas irreales.

 

Surgen ángeles y sombras misteriosas entre mármoles y castillos, envueltos en  rojo pasión, y nos dejamos llevar por la magia y la poesía de un instante etéreo, a punto de desaparecer. Lisboa Secret es un juego encantador, un embrujo de la luz.

 

Como en los mejores cuentos, y los de Enric lo son, el secreto es el juego, la sensación.  Es captar un temblor y  retener una emoción. En este caso queda la luz cálida y mágica como prueba de su realidad, cuando pasa la noche, y despertamos del sueño. Enric Montes es un duende amigo de las luciérnagas.

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https://www.caravanbook.com/books/lisbon-lisboa-secret

http://enricmontes.com/photos/lisboa-secret/

 

 

16 de febrero 2017.From static oblivion. Ion Grigorescu.

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From static oblivion. Ion Grigorescu. Avarie Publishing.

 

Tapa blanda. En sobre plateado. 30×16 cm. Blanco y negro y color. 352 paginas.

Obras y texto, Ion Grigorescu. Texto en rumano e inglés.

Traducción, Nicolae Dumitru, Lidia Vianu.

Concepto y edición, Giuliana Prucca.

Diseño, Vito Raimondi. Papel, Buckram Light White 183 gr, Duo Octav 1, 18 vol, 60 gr. Tipografía, FF Din. Formato a la italiana.

Impresión y encuadernación, Optimal Media GmbH, Röbel/Müritz, Alemania.

1° edición. Tirada 1000. Octubre 2016.

Publicado por Avarie, Artbooks Vuoti A Rendere International Edition. Francia.

 

Avarie nos sigue sorprendiendo con su tercera publicación, dedicada al artista rumano Ion Grigorescu. La editorial apuesta, con valentía y actitud, por las obras exigentes y acompañadas de texto. Reconozco que no conocía al  artista conceptual rumano ( Bucarest, 1945). Este emplea tanto la fotografía como el video , dibujo o performance en su obra.

 

 

Grigorescu empezó a trabajar en la época del régimen comunista, con la dificultad, entonces, de hablar y ahondar sobre el tema del cuerpo. Muchas de sus obras no se pudieron ver hasta muchos años mas tarde.

From static oblivion ( Desde el olvido estático ) nos habla de la imagen y su representación, tal como aparece en la obra de Grigorescu. Del cuerpo dentro de esta imagen, su estatus, su presencia.

 

El libro funciona continuamente en movimiento, como la imagen. En la larga introducción,  este movimiento sigue una espiral, una tensión entre texto y fotografías. La tensión sigue a lo largo del libro, siguiendo la aparición y desaparición del cuerpo, en fragmentos, espejos, recortes, en un entorno familiar, en el mismo espacio del arte y la vida cotidiana. Clandestinidad, sexo, sueños. Aquí el cuerpo y su imagen se vuelven subversivos en su repetición, hasta su desaparición. La ocultación, como una manera de resistir al régimen.

 

 

El libro recorre toda la producción artística de Grigorescu, desde sus dibujos hasta los videos y performance, acompañada de notas del autor, comentarios o simples recuerdos o detalles, como un diario, siguiendo un orden cronológico, pero independientemente de la imagen.

 

 

De esta manera, From static oblivion forma una obra múltiple, obra dentro de la obra de Grigorescu, una voz formando un eco en el espacio entre autor y lector. La lectura es envolvente y compleja, y sin embargo el diseño del libro resulta espectacular. Será una obra a la que podré dedicar muchas lecturas, antes de agotar todas sus posibilidades y su riqueza.

 

 

Despues de Position(s) de Antoine d’Agata, y I do not want to disappear silently into the night, de Katrien de Blauwer, Giuliana Prucca sigue con esta publicación un camino poco transitado en el mundo del fotolibro, una voz singular y ciertamente exigente. Otra manera de resistir, en los momentos que vivimos. En este caso para mi, un gran descubrimiento.

 

Il n’y a pas de dedans, pas d’esprit, de dehors ou de conscience, rien que le corps tel qu’on le voit, un corps qui ne cesse pas d’être, même quand l’oeil tombe qui le voit. Et ce corps est un fait. Moi”. Antonin Artaud.

 

http://www.avarie-publishing.com/#home

http://avarie.tictail.com/product/ion-grigorescu-from-static-oblivion

http://angelsbarcelona.com/en/events/ion-grigorescu-monographic-publication-ion-grigorescu-from-static-oblivion-ed-by-giuliana-prucca-published-by-avarie/201

https://monoskop.org/Ion_Grigorescu

 

 

 

 

 

 

 

12 de febrero 2017. Domingo. Libretto. Julia Borissova.

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Después de una semana intensa y de varios días lejos del blog, me viene una pequeña reflexión a la mente, un poco contradictoria. El nuevo y encantador libro de Julia Borissova la acompaña.

Libretto. Julia Borissova. Auto editado. 

 

Tapa dura, con fieltro, atado con una banda. 17 x 10,5 cm. Leporello.

Blanco y negro y color. 38 paginas, unas recortadas. Hecho a mano.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 19/105.

Auto editado, 2016.

 

Entre imaginario y realidad construye Julia Borissova su nuevo libro, como si fuese un escenario de teatro. Libretto explora las relaciones entre fotografía y teatro, como espacio de representación, mezclando imágenes encontradas y las propias de Borissova.

 

 

Ella mas que un libro construye un propio teatro en tres dimensiones, en el que todos podemos interactuar. Entran en escena historia, deseo, memoria y olvido, y la vida se rompe en mil fragmentos, que intentamos recomponer.

 

Hay mucha melancolía en Libretto, pero también un juego, lleno de encanto y ligereza, a pesar de lo profundo y dramático. A Play, dicen los ingleses. Ademas de representar, este escenario nos permite crear nuestra propia historia, tanto actores como espectadores ante las imágenes.

 

 

En toda fotografía está presente la muerte, dijo Barthes, en ese intento de transmisión de algo inefable.

Con mas ligereza, mi modesto intento de retransmitir en esta pagina  mi amor por algo que muchas veces se escapa, que en la realidad es difícil de compartir. Estamos aquí unos pocos, en este pequeño escenario, que por mi parte es mi día a día. Pero a menudo, desde este reducto virtual e ilusorio, olvido que poca gente está invitada a esta función, o incluso sabe de su existencia. Abrir las puertas del pequeño mundo del fotolibro es lo que intento, de manera a veces excesiva, aprendiendo, muy poco a poco. Seguimos adelante, mientras haya libros como este de Julia Borissova.

 

http://juliaborissova.ru/Julia_Borissova_PhotoSite/Libretto.html

https://elephantmag.com/life-as-theatre/

 

 

 

 

 

7 de febrero 2017. Hysteron. Nagore Legarreta.

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Hysteron. Nagore Legarreta. Banizu Nizuke.

 

En lata dorada, letras negras pintadas a mano con plantilla. 22 x 6cm. Libro, 14,5 x 14,5cm. Serigrafía, mismo tamaño. Vinilo.

Fotografías y proyecto, Nagore Legarreta.

Músicos, Aida Torres, Beñat Iturrioz, Mariano Hurtado.

Textos, escondidos entre paginas, en euskera, Danele Sarriugarte, Gorka Setien.

Edición y producción, Pablo Salgado, Banizu Nizuke.

Ilustración, maqueta y diseño, Ramon M. Zabalegi.

Encuadernación a mano con cinta de esparadrapo negra.

1° edición. Tirada 270.

Nagore Legarreta, Banizu Nizuke. 2016

 

 

Los libros se esconden en los lugares mas inesperados, como aquí en una lata de conservas. Nagore Legarreta ( Hernani 1981), fotógrafa y profesora de fotografía, trabaja desde hace años con cámaras estenopeicas usando cualquier tipo de caja para atrapar la luz. Para este proyecto ha usado una gran lata de conserva preparada con 4 orificios, poniendo en su interior papel fotográfico. Es su segunda publicación, después de Edipotoa, en 2011, con la misma editorial.

 

Hysteron ( útero en griego ) nace en 2014, como una respuesta intima a un profundo malestar por la antigua opresión hacia la mujer y su cuerpo, la lucha por su identidad. El espacio de la relación consigo mismo y con los otros es el cuestionado aquí, de manera intensa y muy potente, sobre fondo negro. Con una técnica primitiva, sin apenas manipulación, Nagore crea y representa una serie de imágenes de cuerpos desnudos y fragmentados, en movimientos de danza o lucha que también tiene mucho de primitiva. Los cuerpos se tocan, se empujan o se entrelazan, en tensión, con violencia.

 

Entre “performance” o ceremonia pagana, los figuras fragmentadas transmiten miedos,  rechazos, sufrimiento, confrontación, pero también acercamiento entre los cuerpos y liberación.

 

Nagore ha presentado este trabajo ya en varios espacios, Donostia, Oñati o Madrid, en el marco de PhotoEspaña 2016. El formato es aquí muy distinto, y el objeto tan artesanal, el contenedor en este caso, le da otra dimensión. La lata, cerrada, virgen podríamos decir, es mucho mas que una simple recreación de la herramienta, la lata estenopeica. Solo una agresión, por muy suave que sea, nos permite llegar al corazón de la obra.                            Los textos escondidos entre las paginas necesitarán una nueva manipulación para llegar hasta ellos. Nagore ha cuidado mucho la encuadernación para conservar intacta la naturaleza de las fotografías salidas de la cámara oscura. Gracias a la cinta, ni cosido ni grapa  interrumpen o cortan la secuencia original.

 

Entre las fotografías se han conservado, de manera acertada, las huellas de la manipulación, los errores y manchas de tinta. Son parte del proceso, al igual que lo son los textos y la serigrafía  o el vinilo que acompaña el libro, grabado con instrumentos hechos a mano también. Hysteron es, al final, una obra táctil, múltiple y coral, presentada como tal en directo. El objeto es el perfecto resultado de un camino largo recorrido entre muchos, fabricado por muchas manos. Íntimo en su significado y su pequeño formato, muy intenso, transciende lo personal en una historia de superación. Aquí, en contra de lo que parecía en un primer momento, más que diseño hay un evidente y necesario envoltorio-contenedor capaz de retransmitir todo lo sentido y vivido a lo largo del proyecto. Impresionante trabajo.

Zikinbrillante !!!!

 

“Lanpara itzalien

joan etorri eta desfilea dator gero.

Lanpara itzalien lehenengo eginbeharra

lanpara piztuak itzaltzea da.

Amorruak piztuko al ditu amorruak piztuko amorruak”. Gorka Setien.

 

http://www.nagorelegarreta.com/hysteron2.html

http://www.banizunizuke.com/tienda/hysterion/

https://fotoeskola.wordpress.com

http://www.aspacontemporary.com/nagore-legarreta-hysteron/

http://generoyfigura.com/portfolio/nagore-legarreta/

 

 

 

2 de febrero 2017. Palimpsest. Félix Carpio.

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Palímpsest. Félix Carpio. Autoeditado.

 

 

Tapa blanda, envuelto en papel impreso tipo japonés.

19×12 cm. Blanco y negro. 18 paginas sueltas, sujetas con goma.

Fotograbados , Félix Carpio. Papel Canson Somerset, 260gr.

2 paginas en papel acetato transparente.

1° edición. Tirada 50.

Autoeditado, Felix Carpio. 2016.

 

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Félix Carpio es un artista asturiano, ( Gijón, 1982 ) afincado ahora en Bélgica. Estudió Bellas Artes en Vigo, y en la Luca School of Arts en Lovaina, además de muchos talleres investigando sobre la imagen.

Palimpsest es un trabajo que se presenta en varios formatos. Félix ha editado una serie en gran dimensión, y también una caja de 6 fotograbados, llamada Cueva/Montaña. Todas en tiradas muy limitadas.

 

Un palimpsesto, según nos dice la Real Academia,  es un pergamino en el que aparecen huellas de algo mas antiguo, otra escritura o dibujo, borrada para poder reutilizarlo, debido,  en la Antigüedad, a la escasez del papiro. En arqueología, un palimpsesto es una mezcla de estratos que nos impiden ver cual es el origen de la roca.

 

 

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Los dos sentidos son relevantes en el Palimpsest de Félix Carpio. La roca se hace visible en toda su materialidad en el papel grabado, en positivo y negativo. Podemos sentir casi físicamente los huecos oscuros, profundos y misteriosos entre las rocas, y la piedra en sus miles de estratos, portadora de una historia vieja como el mundo.

 

 

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El papel que utiliza Carpio es virgen, sin embargo. Precioso papel de tacto sensual pero fuerte  y sólido, envuelto en uno mas frágil y delicado. No aparece, como lo veríamos en un pergamino, la huella de una obra anterior. Yo quiero pensar que hay aquí una metáfora de una vida anterior, vida que se prolonga a pasos invisibles para nuestros ojos, un proceso infinito. En la cueva fotografiada por Carpio se materializa el origen de la vida, en sus múltiples capas, inabarcables. En transparencia adivinamos un esqueleto, una columna vertebral. La cueva y la montaña que la encierra son testigo de nuestra historia, una caja fuerte escondida y revelada en los fotograbados de Félix Carpio.

 

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Este Palimpsest de 5 hojas plegadas lleva consigo una historia convulsa que se escribe a un ritmo que no es el del hombre actual. Frágil, sigue su camino sin que podamos apenas aprehenderla.

 

https://www.facebook.com/felix.carpio.796?fref=ts

https://tipi-bookshop.be/shop/palimpsest-felix-carpio/

ESSAI / The photo-book in context

1 de febrero 2017. Pérdida de lo absoluto. Carmen Rivero.

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Pérdida de lo absoluto. Carmen Rivero. El Trapiche Ediciones. 2016

 

 

Tapa blanda, contra cubierta desplegable. 18×13 cm. 80 paginas.Blanco y negro.

Fotografías, Carmen Rivero.

Texto, en español e inglés, Carmen Rivero. Traducción, Alexandría Project.

Diseño, Colectivo Verbena. Preimpresión, La Troupe. Impresión, Ortocromatico-Lab.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 124/300. Esta, con copia original firmada.

Edición El Trapiche. Co-edición, Alexandría Project. 2016.

 

 

El deseo es una herida en la realidad, dice Carmen Rivero al empezar el libro, citando a Andrej Tarkovsky. Quizá Pérdida de lo absoluto sea la cicatriz de esa herida, abierta todavía, una marca indeleble para algo que se nos escapa.

 

 

Carmen Rivero es una fotógrafa cubana, nacida en La Habana, afincada en Granada. Es cofundadora del colectivo El Trapiche, proyecto granadino para el desarrollo y difusión de la fotografía contemporánea, organizador, con Muga, de Ágora fotolab. Va a publicar estos días “¿Hacia dónde se retira la montaña ?“, con textos de varios poetas cubanos, con Sónambulos ediciones.

 

 

Pérdida de lo absoluto nos cuenta una añoranza de un tiempo y un lugar perdido, en La Habana. Lo absoluto de donde venimos, lo que conocemos, las raíces que hacen lo que somos. Y que perdemos a cada instante según pasa la vida, y nos transforma en algo nuevo. La pérdida es añoranza y melancolía, pero es sobre todo un transito hacia algo desconocido.

 

 

Así, mas que de añoranza y recuerdos nostálgicos del pasado, que aparecen también, Carmen Rivero nos habla de necesaria creación, del momento incierto en el cual la memoria y el tiempo, desde la lejanía,  se hacen borrosos para dar paso a algo que no podemos identificar todavía. Un estado entre físico y mental, entre sueño y realidad, una incertidumbre emocional.

 

 

El tránsito del viajero, sea cual sea su camino, es un camino duro, un abandono, casi una traición. Carmen Rivero repasa sus recuerdos, entre la vida y la muerte, para nacer de nuevo. El agua, en forma de nieve o en el mar, es el vinculo emocional, el fluir que acompaña el viaje.

 

 

Pérdida de la absoluto es un bello libro poético e íntimo, que lucha entre la nostalgia del pasado y la curiosidad del mañana, entre parar el tiempo y seguir el camino, con la mirada asustada del ciervo. La Habana está lejos, pero cerca del corazón.

 

“Voy hacia la periferia para reencontrar mi centro”. Jean-Luc Godard. (citado en epígrafe )

 

 

http://www.carmenrivero.com/index.php/perdida-de-lo-absoluto/

http://eltrapiche.org/tagged/editorial