25 de febrero 2017. Éléments d’une typologie de l’urbanisation contemporaine d’un village français de deux mille huit cent trente neuf habitants. Volume 10. Christophe Le Toquin.

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Éléments d’une typologie de l’urbanisation contemporaine d’un village français de deux mille huit cent trente neuf habitants. Volume 10. Christophe Le Toquin. Autoeditado.

 

Tapa blanda. 24 x 18 cm. 24 paginas. Blanco y negro.

Fotografías, Christophe Le Toquin. Texto en francés e inglés, Christophe Le Toquin. Traducción Danielle McNally.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 2/50. Esta, una de las 10 primeras, con copia original firmada y numerada.

Autoeditado, febrero 2017.

 

Esta es la ultima entrega de la serie de Christophe sobre la urbanización de su pueblo, Noyers sur Cher, en el centro de Francia, y de la que ya he hablado aquí. Christophe nos cuenta como empezó la serie en 2010, y cuales han sido sus referencias a la hora de iniciar este trabajo. Edgar Morin, en una obra de 1965, “La métamorphose de Plozévet, commune en France”, hizo un estudio sobre el paso de un pequeño municipio rural hacia la modernidad. George Pérec es su segunda referencia, con su novela corta ” La tentative d’épuisement d’un lieu parisien”, observación sistemática de un espacio y sus banales acontecimientos cotidianos .

 

 

Se puede decir que Christophe, a su vez, retrata los efectos de esa modernidad y su crisis, 50 años mas tarde, en un municipio bastante similar. Con la misma mirada lenta y observadora, nos descubre en sus rincones lo que se nos escapa en el ritmo frenético de nuestras vidas, en el cúmulo de imágenes que recibimos sin cesar. Este ultimo volumen está dedicado al espacio particular, esa parcela de nosotros mismos más íntima.

 

 

De  dentro hacia fuera, o lo que hace que podamos decir de un lugar que es nuestro. Habiendo vivido mi infancia en un pequeño municipio rural, aunque de muy distintas características, estas ultimas fotografías me conmueven en su silenciosa y sencilla (pero no simple) apariencia. Intentamos, cada uno en nuestra medida, organizar nuestro pequeño espacio, marcar un linde, aunque este sea efímero o absurdo, cultivar una tierra.

 

 

Ya he dicho en una entrada anterior  que Le Toquin hace de una manera tranquila obra filosófica. La vida es un cúmulo de pequeños detalles que, hilados, cobran sentido. En este décimo volumen está más que nunca presente el hombre, en su empeño  de apropiarse un terreno que nunca será solo suyo, pero en el cual deja para siempre una marca. Que gran trabajo !

 

http://www.katacri.net/christophe/

http://www.katacri.net/#

 

https://gabrielacendoya.wordpress.com/2016/11/02/2-de-noviembre-2016-elements-dune-typologie-de-lurbanisation-contemporaine-dun-village-francais-de-deux-mille-huit-cent-trente-neuf-habitants-volume-9-christophe-le-toquin/

 

20 de febrero 2017.Lisboa Secret. Enric Montes.

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Lisboa Secret. Enric Montes. Caravanbook.

 

 

Tapa blanda. 21×13 cm. Color. 20 paginas.

Fotografías, Enric Montes.

Texto, en castellano e inglés, J.L Sánchez. Traducción, Quondamstefano.

Diseño, Enric Montes y Caravanbook. Papel Cyclus paper 115 gr ( reciclado ).

Impresión y encuadernación, Pulseprint.

1° edición. Febrero 2017.

 

 

Una de las ultimas publicaciones de la editorial Caravanbook nos lleva a Lisboa, de las manos y la mirada de Enric Montes. Los “libritos” de Caravan tienen la modestia del pequeño tamaño, pero son grandes en emociones y sensibilidad. Creemos conocer Lisboa y sus encantos, pero Enric Montes es un mago y nos  llevar por caminos que son juegos de la imaginación, puertas al hechizo.

 

 

Al crepúsculo, entre sombras y neones, aparece el misterio en forma de luz. La noche es siempre momento privilegiado para la imaginación, y Enric traza con ella los pasos del camino. Para perdernos mejor entre las calles y adoquines, y entrar en otro territorio y otro tiempo atravesando puertas irreales.

 

Surgen ángeles y sombras misteriosas entre mármoles y castillos, envueltos en  rojo pasión, y nos dejamos llevar por la magia y la poesía de un instante etéreo, a punto de desaparecer. Lisboa Secret es un juego encantador, un embrujo de la luz.

 

Como en los mejores cuentos, y los de Enric lo son, el secreto es el juego, la sensación.  Es captar un temblor y  retener una emoción. En este caso queda la luz cálida y mágica como prueba de su realidad, cuando pasa la noche, y despertamos del sueño. Enric Montes es un duende amigo de las luciérnagas.

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https://www.caravanbook.com/books/lisbon-lisboa-secret

http://enricmontes.com/photos/lisboa-secret/

 

 

16 de febrero 2017.From static oblivion. Ion Grigorescu.

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From static oblivion. Ion Grigorescu. Avarie Publishing.

 

Tapa blanda. En sobre plateado. 30×16 cm. Blanco y negro y color. 352 paginas.

Obras y texto, Ion Grigorescu. Texto en rumano e inglés.

Traducción, Nicolae Dumitru, Lidia Vianu.

Concepto y edición, Giuliana Prucca.

Diseño, Vito Raimondi. Papel, Buckram Light White 183 gr, Duo Octav 1, 18 vol, 60 gr. Tipografía, FF Din. Formato a la italiana.

Impresión y encuadernación, Optimal Media GmbH, Röbel/Müritz, Alemania.

1° edición. Tirada 1000. Octubre 2016.

Publicado por Avarie, Artbooks Vuoti A Rendere International Edition. Francia.

 

Avarie nos sigue sorprendiendo con su tercera publicación, dedicada al artista rumano Ion Grigorescu. La editorial apuesta, con valentía y actitud, por las obras exigentes y acompañadas de texto. Reconozco que no conocía al  artista conceptual rumano ( Bucarest, 1945). Este emplea tanto la fotografía como el video , dibujo o performance en su obra.

 

 

Grigorescu empezó a trabajar en la época del régimen comunista, con la dificultad, entonces, de hablar y ahondar sobre el tema del cuerpo. Muchas de sus obras no se pudieron ver hasta muchos años mas tarde.

From static oblivion ( Desde el olvido estático ) nos habla de la imagen y su representación, tal como aparece en la obra de Grigorescu. Del cuerpo dentro de esta imagen, su estatus, su presencia.

 

El libro funciona continuamente en movimiento, como la imagen. En la larga introducción,  este movimiento sigue una espiral, una tensión entre texto y fotografías. La tensión sigue a lo largo del libro, siguiendo la aparición y desaparición del cuerpo, en fragmentos, espejos, recortes, en un entorno familiar, en el mismo espacio del arte y la vida cotidiana. Clandestinidad, sexo, sueños. Aquí el cuerpo y su imagen se vuelven subversivos en su repetición, hasta su desaparición. La ocultación, como una manera de resistir al régimen.

 

 

El libro recorre toda la producción artística de Grigorescu, desde sus dibujos hasta los videos y performance, acompañada de notas del autor, comentarios o simples recuerdos o detalles, como un diario, siguiendo un orden cronológico, pero independientemente de la imagen.

 

 

De esta manera, From static oblivion forma una obra múltiple, obra dentro de la obra de Grigorescu, una voz formando un eco en el espacio entre autor y lector. La lectura es envolvente y compleja, y sin embargo el diseño del libro resulta espectacular. Será una obra a la que podré dedicar muchas lecturas, antes de agotar todas sus posibilidades y su riqueza.

 

 

Despues de Position(s) de Antoine d’Agata, y I do not want to disappear silently into the night, de Katrien de Blauwer, Giuliana Prucca sigue con esta publicación un camino poco transitado en el mundo del fotolibro, una voz singular y ciertamente exigente. Otra manera de resistir, en los momentos que vivimos. En este caso para mi, un gran descubrimiento.

 

Il n’y a pas de dedans, pas d’esprit, de dehors ou de conscience, rien que le corps tel qu’on le voit, un corps qui ne cesse pas d’être, même quand l’oeil tombe qui le voit. Et ce corps est un fait. Moi”. Antonin Artaud.

 

http://www.avarie-publishing.com/#home

http://avarie.tictail.com/product/ion-grigorescu-from-static-oblivion

http://angelsbarcelona.com/en/events/ion-grigorescu-monographic-publication-ion-grigorescu-from-static-oblivion-ed-by-giuliana-prucca-published-by-avarie/201

https://monoskop.org/Ion_Grigorescu

 

 

 

 

 

 

 

12 de febrero 2017. Domingo. Libretto. Julia Borissova.

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Después de una semana intensa y de varios días lejos del blog, me viene una pequeña reflexión a la mente, un poco contradictoria. El nuevo y encantador libro de Julia Borissova la acompaña.

Libretto. Julia Borissova. Auto editado. 

 

Tapa dura, con fieltro, atado con una banda. 17 x 10,5 cm. Leporello.

Blanco y negro y color. 38 paginas, unas recortadas. Hecho a mano.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 19/105.

Auto editado, 2016.

 

Entre imaginario y realidad construye Julia Borissova su nuevo libro, como si fuese un escenario de teatro. Libretto explora las relaciones entre fotografía y teatro, como espacio de representación, mezclando imágenes encontradas y las propias de Borissova.

 

 

Ella mas que un libro construye un propio teatro en tres dimensiones, en el que todos podemos interactuar. Entran en escena historia, deseo, memoria y olvido, y la vida se rompe en mil fragmentos, que intentamos recomponer.

 

Hay mucha melancolía en Libretto, pero también un juego, lleno de encanto y ligereza, a pesar de lo profundo y dramático. A Play, dicen los ingleses. Ademas de representar, este escenario nos permite crear nuestra propia historia, tanto actores como espectadores ante las imágenes.

 

 

En toda fotografía está presente la muerte, dijo Barthes, en ese intento de transmisión de algo inefable.

Con mas ligereza, mi modesto intento de retransmitir en esta pagina  mi amor por algo que muchas veces se escapa, que en la realidad es difícil de compartir. Estamos aquí unos pocos, en este pequeño escenario, que por mi parte es mi día a día. Pero a menudo, desde este reducto virtual e ilusorio, olvido que poca gente está invitada a esta función, o incluso sabe de su existencia. Abrir las puertas del pequeño mundo del fotolibro es lo que intento, de manera a veces excesiva, aprendiendo, muy poco a poco. Seguimos adelante, mientras haya libros como este de Julia Borissova.

 

http://juliaborissova.ru/Julia_Borissova_PhotoSite/Libretto.html

https://elephantmag.com/life-as-theatre/

 

 

 

 

 

7 de febrero 2017. Hysteron. Nagore Legarreta.

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Hysteron. Nagore Legarreta. Banizu Nizuke.

 

En lata dorada, letras negras pintadas a mano con plantilla. 22 x 6cm. Libro, 14,5 x 14,5cm. Serigrafía, mismo tamaño. Vinilo.

Fotografías y proyecto, Nagore Legarreta.

Músicos, Aida Torres, Beñat Iturrioz, Mariano Hurtado.

Textos, escondidos entre paginas, en euskera, Danele Sarriugarte, Gorka Setien.

Edición y producción, Pablo Salgado, Banizu Nizuke.

Ilustración, maqueta y diseño, Ramon M. Zabalegi.

Encuadernación a mano con cinta de esparadrapo negra.

1° edición. Tirada 270.

Nagore Legarreta, Banizu Nizuke. 2016

 

 

Los libros se esconden en los lugares mas inesperados, como aquí en una lata de conservas. Nagore Legarreta ( Hernani 1981), fotógrafa y profesora de fotografía, trabaja desde hace años con cámaras estenopeicas usando cualquier tipo de caja para atrapar la luz. Para este proyecto ha usado una gran lata de conserva preparada con 4 orificios, poniendo en su interior papel fotográfico. Es su segunda publicación, después de Edipotoa, en 2011, con la misma editorial.

 

Hysteron ( útero en griego ) nace en 2014, como una respuesta intima a un profundo malestar por la antigua opresión hacia la mujer y su cuerpo, la lucha por su identidad. El espacio de la relación consigo mismo y con los otros es el cuestionado aquí, de manera intensa y muy potente, sobre fondo negro. Con una técnica primitiva, sin apenas manipulación, Nagore crea y representa una serie de imágenes de cuerpos desnudos y fragmentados, en movimientos de danza o lucha que también tiene mucho de primitiva. Los cuerpos se tocan, se empujan o se entrelazan, en tensión, con violencia.

 

Entre “performance” o ceremonia pagana, los figuras fragmentadas transmiten miedos,  rechazos, sufrimiento, confrontación, pero también acercamiento entre los cuerpos y liberación.

 

Nagore ha presentado este trabajo ya en varios espacios, Donostia, Oñati o Madrid, en el marco de PhotoEspaña 2016. El formato es aquí muy distinto, y el objeto tan artesanal, el contenedor en este caso, le da otra dimensión. La lata, cerrada, virgen podríamos decir, es mucho mas que una simple recreación de la herramienta, la lata estenopeica. Solo una agresión, por muy suave que sea, nos permite llegar al corazón de la obra.                            Los textos escondidos entre las paginas necesitarán una nueva manipulación para llegar hasta ellos. Nagore ha cuidado mucho la encuadernación para conservar intacta la naturaleza de las fotografías salidas de la cámara oscura. Gracias a la cinta, ni cosido ni grapa  interrumpen o cortan la secuencia original.

 

Entre las fotografías se han conservado, de manera acertada, las huellas de la manipulación, los errores y manchas de tinta. Son parte del proceso, al igual que lo son los textos y la serigrafía  o el vinilo que acompaña el libro, grabado con instrumentos hechos a mano también. Hysteron es, al final, una obra táctil, múltiple y coral, presentada como tal en directo. El objeto es el perfecto resultado de un camino largo recorrido entre muchos, fabricado por muchas manos. Íntimo en su significado y su pequeño formato, muy intenso, transciende lo personal en una historia de superación. Aquí, en contra de lo que parecía en un primer momento, más que diseño hay un evidente y necesario envoltorio-contenedor capaz de retransmitir todo lo sentido y vivido a lo largo del proyecto. Impresionante trabajo.

Zikinbrillante !!!!

 

“Lanpara itzalien

joan etorri eta desfilea dator gero.

Lanpara itzalien lehenengo eginbeharra

lanpara piztuak itzaltzea da.

Amorruak piztuko al ditu amorruak piztuko amorruak”. Gorka Setien.

 

http://www.nagorelegarreta.com/hysteron2.html

http://www.banizunizuke.com/tienda/hysterion/

https://fotoeskola.wordpress.com

http://www.aspacontemporary.com/nagore-legarreta-hysteron/

http://generoyfigura.com/portfolio/nagore-legarreta/

 

 

 

2 de febrero 2017. Palimpsest. Félix Carpio.

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Palímpsest. Félix Carpio. Autoeditado.

 

 

Tapa blanda, envuelto en papel impreso tipo japonés.

19×12 cm. Blanco y negro. 18 paginas sueltas, sujetas con goma.

Fotograbados , Félix Carpio. Papel Canson Somerset, 260gr.

2 paginas en papel acetato transparente.

1° edición. Tirada 50.

Autoeditado, Felix Carpio. 2016.

 

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Félix Carpio es un artista asturiano, ( Gijón, 1982 ) afincado ahora en Bélgica. Estudió Bellas Artes en Vigo, y en la Luca School of Arts en Lovaina, además de muchos talleres investigando sobre la imagen.

Palimpsest es un trabajo que se presenta en varios formatos. Félix ha editado una serie en gran dimensión, y también una caja de 6 fotograbados, llamada Cueva/Montaña. Todas en tiradas muy limitadas.

 

Un palimpsesto, según nos dice la Real Academia,  es un pergamino en el que aparecen huellas de algo mas antiguo, otra escritura o dibujo, borrada para poder reutilizarlo, debido,  en la Antigüedad, a la escasez del papiro. En arqueología, un palimpsesto es una mezcla de estratos que nos impiden ver cual es el origen de la roca.

 

 

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Los dos sentidos son relevantes en el Palimpsest de Félix Carpio. La roca se hace visible en toda su materialidad en el papel grabado, en positivo y negativo. Podemos sentir casi físicamente los huecos oscuros, profundos y misteriosos entre las rocas, y la piedra en sus miles de estratos, portadora de una historia vieja como el mundo.

 

 

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El papel que utiliza Carpio es virgen, sin embargo. Precioso papel de tacto sensual pero fuerte  y sólido, envuelto en uno mas frágil y delicado. No aparece, como lo veríamos en un pergamino, la huella de una obra anterior. Yo quiero pensar que hay aquí una metáfora de una vida anterior, vida que se prolonga a pasos invisibles para nuestros ojos, un proceso infinito. En la cueva fotografiada por Carpio se materializa el origen de la vida, en sus múltiples capas, inabarcables. En transparencia adivinamos un esqueleto, una columna vertebral. La cueva y la montaña que la encierra son testigo de nuestra historia, una caja fuerte escondida y revelada en los fotograbados de Félix Carpio.

 

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Este Palimpsest de 5 hojas plegadas lleva consigo una historia convulsa que se escribe a un ritmo que no es el del hombre actual. Frágil, sigue su camino sin que podamos apenas aprehenderla.

 

https://www.facebook.com/felix.carpio.796?fref=ts

https://tipi-bookshop.be/shop/palimpsest-felix-carpio/

ESSAI / The photo-book in context

1 de febrero 2017. Pérdida de lo absoluto. Carmen Rivero.

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Pérdida de lo absoluto. Carmen Rivero. El Trapiche Ediciones. 2016

 

 

Tapa blanda, contra cubierta desplegable. 18×13 cm. 80 paginas.Blanco y negro.

Fotografías, Carmen Rivero.

Texto, en español e inglés, Carmen Rivero. Traducción, Alexandría Project.

Diseño, Colectivo Verbena. Preimpresión, La Troupe. Impresión, Ortocromatico-Lab.

1° edición, numerada y firmada. Tirada 124/300. Esta, con copia original firmada.

Edición El Trapiche. Co-edición, Alexandría Project. 2016.

 

 

El deseo es una herida en la realidad, dice Carmen Rivero al empezar el libro, citando a Andrej Tarkovsky. Quizá Pérdida de lo absoluto sea la cicatriz de esa herida, abierta todavía, una marca indeleble para algo que se nos escapa.

 

 

Carmen Rivero es una fotógrafa cubana, nacida en La Habana, afincada en Granada. Es cofundadora del colectivo El Trapiche, proyecto granadino para el desarrollo y difusión de la fotografía contemporánea, organizador, con Muga, de Ágora fotolab. Va a publicar estos días “¿Hacia dónde se retira la montaña ?“, con textos de varios poetas cubanos, con Sónambulos ediciones.

 

 

Pérdida de lo absoluto nos cuenta una añoranza de un tiempo y un lugar perdido, en La Habana. Lo absoluto de donde venimos, lo que conocemos, las raíces que hacen lo que somos. Y que perdemos a cada instante según pasa la vida, y nos transforma en algo nuevo. La pérdida es añoranza y melancolía, pero es sobre todo un transito hacia algo desconocido.

 

 

Así, mas que de añoranza y recuerdos nostálgicos del pasado, que aparecen también, Carmen Rivero nos habla de necesaria creación, del momento incierto en el cual la memoria y el tiempo, desde la lejanía,  se hacen borrosos para dar paso a algo que no podemos identificar todavía. Un estado entre físico y mental, entre sueño y realidad, una incertidumbre emocional.

 

 

El tránsito del viajero, sea cual sea su camino, es un camino duro, un abandono, casi una traición. Carmen Rivero repasa sus recuerdos, entre la vida y la muerte, para nacer de nuevo. El agua, en forma de nieve o en el mar, es el vinculo emocional, el fluir que acompaña el viaje.

 

 

Pérdida de la absoluto es un bello libro poético e íntimo, que lucha entre la nostalgia del pasado y la curiosidad del mañana, entre parar el tiempo y seguir el camino, con la mirada asustada del ciervo. La Habana está lejos, pero cerca del corazón.

 

“Voy hacia la periferia para reencontrar mi centro”. Jean-Luc Godard. (citado en epígrafe )

 

 

http://www.carmenrivero.com/index.php/perdida-de-lo-absoluto/

http://eltrapiche.org/tagged/editorial

 

 

 

27 de enero 2017.(Altre)Avventure di Pinocchio. Lorenzo Tricoli.

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(Altre) Avventure di Pinocchio. Lorenzo Tricoli. Skinnerboox.

 

Tapa blanda, desplegable. 21×14 cm. 216 paginas. Blanco y negro.

Proyecto de Lorenzo Tricoli, basado en la novela de Carlo Collodi. Fotografías de archivo sacadas de Internety posteriormente editadas.

Texto en italiano para esta versión. Notas, Stefania Moro. Traducciones, Eleonora Angiolini, Frédérique Destribats, Amanda Wakely.

Diseño, Kummer & Herrman. Papel, ImitlinE/R55, Aida 125gr, Munchen Lynx rough 90 gr.

Fuente, Avenir LT Std 45 Book, ITC Franklin Gothic Std Book.

Prepress, Alessandro Damato. Impresión, Nava Press, Milano.

1° edición. Tirada 300 en italiano, 400 en inglés. Skinnerboox. 2016.

 

 

Lorenzo Tricoli es un fotógrafo italiano (Milan 1965, nacido el día de San Lorenzo). De él hemos visto aquí su anterior publicación, el muy bonito Bunga Bunga.

Otras aventuras de Pinocchio, o la visión satírica de la historia de Italia en el siglo XX, de Garibaldi a Berlusconi. Tricoli es un autor político, que maneja la ironía y el humor como nadie, y aquí los textos extraídos de la novela de Collodi, asociados a los numerosos archivos fotográficos, dan un resultado muy fino y explosivo.

 

 

Hay que sumergirse entre las paginas de este libro y recorrer las notas de Tricoli. Hay mucha información y texto, con un diseño muy bien resuelto por Kummer y Herrman. Varios indices, por temas y nombres nos dan información adicional, junto con los comentarios históricos al final del libro.

 

 

 

El archivo visual, uniformizado en blanco y negro,  que reúne Lorenzo Tricoli es surrealista y brutal, violento y grotesco. Religión, Fascismo, Mafia, terrorismo, cultura… Entre figuras del Papa, futbolistas o Berlusconi, la historia de Italia es un ballet continuo, cómico y trágico a la vez. Tricoli, ayudado por Collodi, nos recuerda los acontecimientos grandes y pequeños y sus protagonistas. Algunos son como payasos, mentirosos o despreciables, y otros amados y respetados.

 

 

Capas múltiples de la historia del siglo XX, reordenadas y aumentadas por la visión de Tricoli. Una parte del monumental archivo que está construyendo,The Archive you deserve, trabajo in progress.

 

 

La investigación y la representación de la historia por la imagen están a la orden del día.  (Altre) Avventure di Pinocchio es hoy, en el contexto actual, un arma subversiva y poderosa, cuando nos hablan de hechos alternativos y post-verdades. Algo que pasarse de mano en mano. Ligero, discreto y manejable. ¿Imprescindible ?

 

 

 

http://www.lorenzotricoli.com/project/pinocchio/

http://www.skinnerboox.com/books/altre-avventure-di-pinocchio/

https://gabrielacendoya.wordpress.com/2015/04/02/2-de-abril-2015/

 

 

 

 

26 de enero 2017. Piel de otoño. David Inclán

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Piel de otoño. David Inclán. Pewen cuadernos de fotografía. 

Tapa blanda. 21 x 15cm. 28 paginas. Blanco y negro.

Fotografías, David Inclán.

Edición, Ros Boisier y Leo Simoes. Diseño Muga.

Impresión Gami. Dos papeles distintos

1° edición, firmada. Tirada 51/60.

Pewen Cuadernos de fotografía. Mugaproject.com. Durango, 2016.

David Inclán es un fotógrafo de Bilbao (1975). Esta es su primera publicación, el numero 3 de los Cuadernos de fotografía, que ya van por el 5°. Pewen, editado por Muga y el festival Begira Photo es una interesante colección de fanzines monográficos, sencilla pero cuidada. Se ha podido ver este trabajo en el festival en Durango en octubre del año pasado.

Piel de otoño es un trabajo con fotografías sacadas entre el año 2014 y 2015, aunque bien podrían ser mas antiguas. El mundo representado aquí parece no tener edad, estar fuera del tiempo. David Inclán nos transmite una sensación, la del tiempo que pasa, casi imperceptible, si no fuera por los movimientos de la luz, el temblor del aire.

Son paisajes emocionales que nos invitan a la meditación. David envejece sus fotografías con distintas técnicas, en los tonos sepia o quemados por el tiempo o rasgando las propias fotografias. Así nos encontramos ante imágenes poéticas, llenas de nostalgia, que nos hablan de recuerdos personales e íntimos, de tiempos pasados, instantes vividos o lugares visitados.

También reconocemos una fuerte influencia japonesa, tanto en la temática como en el tratamiento, exquisito y delicado. Y en el formato, que adivinamos pequeño e intimo. El tiempo pasa por estas fotografías, como por nuestra vida, dejando un ligero poso del que no nos podemos liberar.

 

 

http://www.davidinclan.com/?page_id=14

http://mugaproject.com/piel-de-otono-david-inclan/

21 de enero 2017. Void. Utagawa/ Kametani.

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Void. Naohiro Utagawa/ Yoshi Kametani. Autoeditado.

Tapa blanda, espiral. 22,5 x 19 cm. 86 paginas.Color.

1° edición. Tirada 100

Autoeditado. 2016.

 

Void, el vacío, editado por dos jóvenes fotógrafos japoneses. Utagawa forma parte del colectivo Spew, que ya hemos visto aquí. Se ha podido ver su trabajo en Foam Talent, o en la exposición “New Japanese Photography” en Londres. Ha publicado varios libros, auto editados. Kametani, establecido en Nueva York, también ha publicado varios libros, entre los cuales el muy interesante Played, con Editions du Lic, en 2016.

 

 

Void, una respuesta fresca y provocadora para los tiempos que vivimos. Este vacío, como metáfora de un tiempo que tiene que ser iconoclasta, y buscar nuevos caminos. Partir de la nada, del despojo, para liberarse de los excesos. Reírse de lo establecido y de la ironía hacer un arma. Pervertir lo que adoramos.

 

¿La era del plástico (la nueva Plástica), aliada a la imagen liquida? Imagenes de tubos, botellas y recipientes son las representaciones del “buen gusto”. El vacío nos coloca frente al vértigo, a punto de perder el equilibrio. Es un envoltorio absurdo, como una promesa, como una caja de Montalbetti.

 

Void, o el vacío inmenso de lo desechable, la vanidad del tiempo en un guiño a la nada. El vacío, para seguir creyendo, para seguir creando.

 

http://www.mryoshi.com/?go=books&name=void

http://naohiroutagawa.com

http://shop.selfpublishbehappy.com

http://spacecadet.jp/utagawa_list.html

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